绘画史 
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绘画是古老的艺术之一，从旧石器时代的岩画到二十世纪甚至二十一世纪的最新运动，它已经发展了数百年。 这种艺术几乎是随着人类的出现而诞生的。 古代人甚至没有完全意识到自己是人类，他们感到有必要在表面上描绘周围的世界。 他们画出了他们所看到的一切：动物，自然，狩猎场景。 在绘画方面，他们使用了类似于由天然材料制成的油漆的东西。 这些是土黄色，木炭，黑烟灰。 刷子是用动物毛制成的，或仅用手指涂刷即可。
由于这些变化，出现了新的绘画类型和类型。 古代时期之后是古代时期。 人们渴望画家和艺术家再现真实的周围生活，例如人类所看到的。 对传输准确性的渴望导致了透视基础的出现，各种图像的黑白构造的基础以及艺术家对此的研究。 他们首先研究了如何在壁画上描绘墙壁平面上的体积空间。 一些艺术品，例如容积空间，明暗对比，开始被用来装饰房间，宗教中心和墓葬。
过去绘画中的下一个重要时期是中世纪。 在这个时候，绘画本质上更具宗教性，世界观开始在艺术中得到体现。 艺术家的创造力主要用于偶像绘画和其他宗教旋律。 艺术家应该强调的主要要点不是对现实的准确反映，而是对灵性的转移，即使在各种各样的绘画中也是如此。 那个时代的大师们的画布在轮廓，活泼和丰富多彩的表现力方面令人震惊。 中世纪的绘画对我们来说似乎平淡无奇。 当时艺术家的所有角色都在同一行。 在我们看来，如此多的作品有些风格化。
灰色的中世纪时期取代了文艺复兴时期的光明时期。 文艺复兴时期再次为这项艺术的历史发展带来了转折点。 艺术家开始要求社会出现新的情绪，新的世界观：绘画中的哪些方面可以更充分，更清晰地展现出来。 肖像和风景等绘画风格将成为独立的风格。 艺术家通过新的绘画方式表达人及其内心世界的情感。 十七和十八世纪是绘画发展的重要时期。 在此期间，天主教教会失去了意义，艺术家的作品越来越反映出人，自然，日常生活和日常生活的真实类型。 在此期间，也形成了巴洛克，洛可可，古典主义，举止主义等类型。 出现了浪漫主义，后来被更壮观的风格-印象派所取代。
二十世纪初，绘画发生了巨大变化，现代艺术的新方向出现了-抽象绘画。 这个方向的想法是传达人与艺术之间的和谐，通过线条和色彩亮点的组合来创造和谐。 这种艺术没有客观性。 她并没有追求真实图像的精确传递，而是传达了艺术家的灵魂和情感。 这种艺术形式的重要作用是形状和颜色。 其实质是以新的方式传达以前熟悉的对象。 在这里，艺术家获得了幻想的完全自由。 这推动了前卫，地下，抽象艺术等现代趋势的出现和发展。 从20世纪末到现在，绘画一直在不断变化。 但是，尽管取得了新的成就和现代技术，这些艺术家仍然忠于古典艺术-油画和水彩画，并使用颜料和画布创作杰作。
纳塔利娅（Natalia Martynenko）
艺术史
绘画的历史是无止境的，始于最初创作的画作。 每种风格都源于他面前的风格。 每位伟大的艺术家都为早期艺术家的成就增添了一些东西，并影响了后来的艺术家。
我们可以欣赏绘画的美丽。 它的线条，形状，颜色和成分（零件的排列）可能会让我们感到愉悦，并会留在我们的记忆中。 但是，当我们了解何时，为什么以及如何创造艺术时，对艺术的享受就会增加。
绘画的历史受到许多因素的影响。 地理，宗教，民族特色，历史事件，新材料的开发-所有这些都有助于塑造艺术家的视野。 在整个历史中，绘画反映了一个不断变化的世界以及我们对此的看法。 反过来，艺术家提供了一些有关文明发展的最佳记录，有时揭示的内容不仅仅只是文字。
史前绘画
穴居人是最早的艺术家。 在法国南部和西班牙的洞穴墙上发现了可追溯到公元前30,000至10,000年的动物的彩色图画。 这些洞穴中有许多都保存完好，因为这些洞穴已经被封好了多个世纪。 早期人类画了他们看到的野生动物。 在非洲和西班牙东部发现了非常粗鲁的人物形象。
洞穴艺术家用丰富鲜艳的图画填充了洞穴的墙壁。 一些最美丽的画作是在西班牙阿尔塔米拉的洞穴中。 一个细节显示了一只受伤的野牛，不再站立了，可能是猎人的受害者。 它被涂成红棕色，并简单而巧妙地用黑色勾勒出轮廓。 洞穴艺术家使用的颜料是o石（颜色从浅黄色到深橙色不等的氧化铁）和锰（深色金属）。 将它们压成细粉，与油脂（可能与脂肪油）混合，然后用刷子涂在表面。 有时颜料会像蜡笔一样呈棒状。 脂肪与粉末颜料混合制成油漆和清漆，颜料颗粒粘在一起。 洞穴的居民用动物毛或植物制成的刷子，以及由硅制成的锋利的工具（用于绘画和划痕）。
甚至在3万年前，人们就发明了绘画的基本工具和材料。 方法和材料在随后的几个世纪中得到了改进和改进。 但是，洞穴居民的发现仍然是绘画的主要内容。
埃及和美索不达米亚绘画（3400-332 BC）
最早的文明之一出现在埃及。 从埃及人留下的书面记录和艺术品中，人们对他们的生活了解很多。 他们认为应该保留尸体，以便灵魂在死后能够存活。 大金字塔是富有而强大的埃及统治者的复杂墓葬。 许多埃及艺术都是为国王和其他重要人物的金字塔和坟墓创作的。 为了绝对确定灵魂将继续存在，艺术家们用石头创作了一个死者的画像。 他们还在in仪馆的壁画中再现了人类生活中的场景。
几个世纪以来，埃及美术技术一直保持不变。 在一种方法中，将水彩应用于粘土或石灰石表面。 在另一个过程中，将轮廓雕刻在石墙上并涂上水彩画。 一种叫做阿拉伯树胶的材料可能被用来将油漆粘附到表面上。 幸运的是，干燥的气候和封闭的坟墓阻止了其中的某些水彩画因潮湿而倒塌。 底比斯（Thebes）墓壁上的许多狩猎场景可追溯到公元前1450年，保存完好。 他们展示了猎人如何追逐鸟或鱼。 这些地块到今天仍然可以被识别，因为它们被整齐且精心地绘制。
美索不达米亚文明持续于公元前3200年至332年，位于中东底格里斯河与幼发拉底河之间的山谷中。 美索不达米亚的房屋主要是用粘土建造的。 随着雨水使粘土软化，他们的建筑瓦解成尘，破坏了所有可能很有趣的壁画。 保存下来的是装饰陶瓷（彩绘和烧制）和彩色马赛克。 尽管不能将马赛克视为绘画，但它们经常会影响到它。
爱琴海文明（公元前3000–1100年）
第三大早期文化是爱琴海文明。 爱琴海人与古埃及人和美索不达米亚人大约同时生活在希腊沿海和小亚细亚半岛的岛屿上。
1900年，考古学家开始在克里特岛的克诺索斯挖掘Minos国王的宫殿。 发掘发现了约公元前1500年左右创作的艺术品。 以当时非同寻常的自由和优雅的风格。 显然，克里特岛人是无忧无虑，热爱大自然的人。 他们最喜欢的艺术主题是海洋生物，动物，花卉，运动，群众游行。 在克诺索斯（Knossos）和其他爱琴海宫殿中，用矿物，沙子和土o石制成的油漆在潮湿的石膏墙上绘画。 油漆被湿石膏浸透，成为墙的永久部分。 这些画后来被称为壁画（来自意大利语单词“ fresh”或“ new”）。 克里特岛人喜欢鲜艳的黄色，红色，蓝色和绿色。
希腊和罗马古典绘画（公元前1100年-公元前400年）
古希腊人用壁画装饰寺庙和宫殿的墙壁。 从古代文学资源和罗马复制的希腊艺术中，我们可以说希腊人画了小画并制作了马赛克。 尽管很少有希腊绘画在战争的世纪和后果中幸存下来，但希腊大师的名字以及他们的生平和作品很少有人知道。 希腊人在坟墓中写得很少，因此他们的工作没有受到保护。
彩绘花瓶是今天希腊绘画中幸存下来的全部东西。 陶瓷是希腊的一大产业，尤其是在雅典。 出口，黄油和蜂蜜以及用于国内目的的容器需求量很大。 最早的花瓶绘画是用几何形状和装饰品完成的（公元前1100-700年）。 花瓶上装饰着浅色粘土棕色釉面的人物形象。 到了6世纪，花瓶艺术家经常在天然的红粘土上绘制黑色的人物形象。 用锋利的工具在粘土上雕刻细节。 这使红色出现在浮雕的深处。
红色的样式最终取代了黑色。 也就是说，反之亦然：数字为红色，背景为黑色。 这种风格的优点是艺术家可以使用画笔创建轮廓。 与黑色卷发花瓶中使用的金属工具相比，刷子产生的线条更松散。
罗马壁画主要在庞贝和赫库兰尼姆的别墅（乡间别墅）中发现。 公元79年，维苏威火山的爆发将这两个城市完全掩埋。 挖掘该地区的考古学家能够从这些城市中学到很多有关古代罗马人的生活。 庞贝几乎每所房屋和别墅的墙壁上都有画。 罗马画家用大理石粉尘和灰泥的混合物仔细地准备了墙壁的表面。 他们将表面抛光成大理石表面。 许多绘画是公元前4世纪希腊绘画的复制品。 庞贝城神秘别墅墙壁上人物的优美姿势启发了18世纪这座城市被挖掘时的艺术家。
希腊人和罗马人也画肖像。 其中少量，主要是埃及艺术家以希腊风格制作的木乃伊肖像，已保存在埃及北部的亚历山大周围。 亚历山大大帝由希腊的亚历山大大帝于公元前4世纪创立，亚历山大大帝成为希腊和罗马文化的主要中心。 这些画像是用迷惑技术在木头上画的，并在描绘的人去世后以木乃伊的形式摆放。 用混合了熔化的蜂蜡的油漆制成的蜡质画要保存很长时间。 的确，尽管这些肖像是在公元前2世纪制造的，但它们看起来仍然很新鲜。
早期的基督教和拜占庭式绘画（300–1300）
罗马帝国在公元4世纪沦陷。与此同时，基督教在不断壮大。 313年，罗马皇帝君士坦丁正式承认宗教，并亲自采用基督教。
基督教的出现极大地影响了艺术。 指示艺术家们用壁画和马赛克装饰教堂的墙壁。 他们在教堂的教堂里做面板，画插图并装饰教堂的书。 在教会的影响下，艺术家们应该尽可能清楚地传达基督教的教义。
早期的基督徒和拜占庭艺术家继续了他们从希腊人那里学到的马赛克技术。 将小块的彩色玻璃或石材的扁平片放在湿的水泥或石膏上。 有时会使用其他固体材料，例如烤制的粘土或贝壳。 在意大利马赛克中，颜色特别深而饱满。 意大利艺术家以镀金玻璃碎片作为背景。 他们在闪闪发光的金色背景下以丰富的色彩描绘了人物形象。 总体效果是平坦的，装饰性的，而不是现实的。
与早期基督徒的动机相比，拜占庭艺术家的马赛克往往甚至不那么现实，甚至更具装饰性。 “拜占庭式”是围绕古代城市拜占庭（今土耳其伊斯坦布尔）发展起来的艺术风格的名称。 马赛克技术与装饰精美的教堂的拜占庭风格完美契合。 西奥多拉（Theodora）和查士丁尼（Justinian）的著名马赛克大约在公元547年制成，展现了对财富的品味。 人物上的珠宝闪闪发光，彩色法院礼服在璀璨的金色背景下熠熠生辉。 拜占庭艺术家还在壁画和面板上使用了黄金。 在中世纪，黄金和其他珍贵的材料被用来将精神物品与日常生活分开。
中世纪绘画（500-1400年）
中世纪的第一部分，大约是我们这个时代的6至11个世纪，通常被称为黑暗。 在动乱时期，艺术品主要存放在修道院中。 在公元5世纪，来自北欧和中欧的Warran部落在该大陆上漫游。 数百年来，他们统治了西欧。 这些人产生的艺术中，主要元素是图案。 他们特别热衷于交织的龙和鸟的结构。
凯尔特人和撒克逊人最好的艺术可以在7世纪和8世纪的手稿中找到。 自罗马晚期以来就开始使用的书籍插图，照明和微型绘画在中世纪变得很普遍。 照明是文本，大写字母和字段的装饰。 使用了金色，银色和鲜艳的颜色。 缩略图是一幅小图片，通常是肖像。 该术语最初用于描述原稿首字母周围的装饰块。
查理曼大帝（Charlemagne）在9世纪初被加冕为神圣罗马帝国的皇帝，他试图复兴罗马晚期和基督教早期的古典艺术。 在他的统治期间，微型艺术家模仿了古典艺术，但他们也通过主题传达了个人的感受。
自中世纪以来，很少保存壁画。 在罗马时期（11-13世纪）建造的教堂有几幅精美的壁画，但大多数都消失了。 在哥特时期（十二至十六世纪）的教堂中，没有足够的壁画空间。 插图书籍是哥特式画家的主要作品。
插图最好的手稿中有手表书籍-日历，祈祷和赞美诗的收藏。 意大利手稿的一页显示了精心制作的缩写和圣乔治杀死龙的详细边缘场景。 颜色鲜艳夺目，看起来像彩色玻璃中的宝石，页面上方闪烁着金色。 精美的绿叶和花卉图案在文本的边框处。 艺术家可能使用放大镜完成了如此复杂，细致的工作。
意大利：Cimabue和Giotto
13世纪末的意大利艺术家仍然以拜占庭风格工作。 人物被制成扁平且具有装饰性。 面孔很少有表情。 尸体没有重量，似乎漂浮着，而不是牢固地站立在地上。 在佛罗伦萨，艺术家Cimabue（1240-1302）尝试对一些旧的拜占庭方法进行现代化改造。 在当时的绘画中，《王位上的麦当娜》中的天使比平时更活跃。 他们的手势和面孔表现出更多的人文气息.Cimabue在他的画作中增添了一种新的纪念性或宏伟感。 但是，他继续遵循许多拜占庭的传统，例如金色背景以及物体和人物的图案排列。
真正伟大的佛罗伦萨艺术家乔托（Giotto（1267-1337））打破了拜占庭的传统。 他在帕多瓦（Padua）竞技场教堂的壁画系列使拜占庭艺术远远落后。 在玛丽和基督一生的这些场景中，有真实的情感，张力和自然主义。 存在着人类温暖和同情的所有特质。 人们似乎并没有完全不现实或天上掉下来。 乔托（Giotto）遮蔽了人物的轮廓，然后他在衣服的褶皱上放置了深深的阴影，以赋予圆润感和力量感。
乔托（Giotto）在其小面板上使用了纯鸡蛋蛋彩画，蛋彩画是14世纪佛罗伦萨人完善的一种蛋彩画。 其颜色的清晰度和亮度应该会极大地影响习惯于拜占庭面板深色的人们。 蛋彩画给人的印象是柔和的日光落在舞台上。 与油画的光泽相反，它们的外观几乎平坦。 蛋彩画一直是主要的油漆，直到16世纪油几乎完全取代了它。
阿尔卑斯山以北的中世纪晚期绘画
15世纪初，北欧的艺术家以与意大利绘画完全不同的风格工作。 北欧艺术家通过在绘画中添加无数细节来实现逼真度。 所有头发的轮廓都优美，并且窗帘或地板的每个细节均已精确安装。 油画的发明简化了细节的细节。
法兰德斯画家扬·范·埃克（Jan van Eyck，1370-1414年）为油画的发展做出了巨大贡献。 使用蛋彩画时，必须分别应用颜色。 它们不能很好地相互遮蔽，因为油漆会很快变干。 使用缓慢干燥的油，艺术家可以实现更复杂的效果。 他的1466年至1530年的肖像是用佛兰芒石油技术表演的。 所有细节，甚至镜面反射都清晰准确。 颜色持久，表面坚硬，呈搪瓷状。 涂有底漆的木面板的方法与Giotto制作蛋彩的面板相同。 范·艾克（Van Eyck）用一种称为釉的微妙颜色来创作这幅画。 蛋彩画可能用于原始的地下室和眩光。
意大利文艺复兴
范·艾克（Van Eyck）在北方工作时，意大利人正进入艺术和文学的黄金时代。 这个时期称为文艺复兴，这意味着重生。 意大利艺术家的灵感来自古希腊人和罗马人的雕塑。 意大利人想复兴古典艺术的精神，这颂扬了人类的独立和贵族。 文艺复兴时期的艺术家继续描绘宗教场景。 但他们也强调人间生活和人民成就。
佛罗伦斯
乔托（Giotto）在14世纪初的成就标志着文艺复兴的开始。 17世纪的意大利画家继续使用它。 马萨乔（1401-1428）是文艺复兴时期第一代艺术家的领导人之一。 他住在佛罗伦萨，那里是一个富有的贸易城市，文艺复兴时期的艺术开始于此。 在他二十多岁去世时，他彻底改变了绘画。 在他著名的壁画《致敬的钱》中，他将坚固的雕塑人物摆放在似乎遥不可及的地方。 马萨乔可能是从佛罗伦萨建筑师和雕塑家布鲁内莱斯基（1377-1414）那里研究角度的。
壁画技术在文艺复兴时期非常流行。 它特别适合用于大型绘画，因为壁画上的颜色干燥且完美平整。 可以从任何角度观看图像而不会产生眩光或反射。 此外，壁画价格合理。 通常，艺术家有几个帮手。 这项工作是分部分进行的，因为必须在石膏还湿的时候完成它们。
Masaccio完整的“三维”风格是15世纪新的进步方向的典型代表。 Fra Angelico（1400-1455）的风格是早期文艺复兴时期许多艺术家所采用的更为传统的方法。 他对前景不太关注，对装饰图案更感兴趣。 他的“处女加冕”是最美丽的表演中蛋彩画的一个例子。 充满活力的色彩，带有金色背景并带有金色。 图片看起来像是放大的缩影。 狭长的数字与Masaccio几乎没有共同之处。 该作品以围绕基督和玛丽的中心人物的广泛运动来组织。
另一位以传统风格工作的佛罗伦萨人是Sandro Botticelli（1444-1515）。 流畅的节奏线条连接了“春季”波提切利的各个部分。 西风吹过的春天的形状向右扫。 三种优雅的舞蹈围成一圈，裙子的褶皱和双手的优美动作都体现了舞蹈的节奏。
达芬奇（Leonardo da Vinci，1452-1519）在佛罗伦萨学习绘画。 他以科学研究和发明以及绘画而闻名。 他的画作很少被保存，部分是因为他经常尝试使用不同的方法来创建和应用油漆，而不是使用经过验证的可靠方法。 《最后的晚餐》（写于1495年至1498年之间）是用油制成的，但不幸的是，莱昂纳多将其涂在潮湿的墙壁上，导致油漆开裂。 但是，即使在恶劣的条件下（恢复之前），图片也能够激发所有看到它的人的情绪。
列奥纳多风格的鲜明特征之一是他描绘光与暗的方法。 意大利人将其称为“ sphumato”暗光，表示烟熏或有雾。 “岩石的麦当娜”中的人物都是在轻便的气氛中蒙着面纱的。 它们的形状和特征柔和的阴影。 莱昂纳多使用非常暗淡的浅色和深色调达到了这些效果。
罗马
文艺复兴时期绘画的高潮发生在16世纪。 同时，艺术和文化中心也从佛罗伦萨移至罗马。 在教皇西克斯图斯四世及其继任者朱利叶斯二世的统治下，罗马城由文艺复兴时期的艺术家装饰得光彩夺目。 这一时期一些最雄心勃勃的项目是在朱利叶斯二世的教皇时期发起的。 朱利叶斯（Julius）委托伟大的雕塑家和画家米开朗基罗（Michelangelo，1475-1564年）为西斯廷教堂的天花板粉刷，并为教皇墓雕刻了雕塑。 朱利叶斯还邀请画家拉斐尔（1483-1520）帮助装饰梵蒂冈。 拉斐尔和他的助手们一起画了梵蒂冈宫教皇公寓的四个房间。
米开朗基罗，佛罗伦萨人，发展了一种纪念性的绘画风格。 他的画中的人物如此坚实而庞大，以致看起来像雕塑。 西斯廷的天花板距米开朗基罗（Michelangelo）花了4年，由数百位来自旧约的人物组成。 为了完成这幅宏伟的壁画，米开朗基罗不得不躺在树林里。 围绕天花板的先知在耶利米的忧郁面孔中，一些专家认为米开朗基罗的自画像。
拉斐尔很小的时候就从乌尔比诺来到佛罗伦萨。 在佛罗伦萨，他吸收了莱昂纳多和米开朗基罗的思想。 到拉斐尔（Rafael）到罗马在梵蒂冈（Vatican）工作时，他的风格已成为最伟大的美女之一。 他特别喜欢美丽的麦当娜和孩子肖像。 它们已经被成千上万的复制。 他们随处可见。 他的圣母玛利亚（Madonna del Granduka）因为简单而成功。 它具有永恒的和平与纯正，对我们和对拉斐尔时代的意大利人一样具有吸引力。
威尼斯
威尼斯是意大利北部文艺复兴时期的主要城市。 法兰德斯和其他地区的艺术家拜访了他，他们了解佛兰德的油画实验。 这刺激了意大利城市早期使用石油技术。 威尼斯人学会了在紧绷的画布上绘画，而不是在佛罗伦萨常用的木板上绘画。
乔凡尼·贝里尼（Giovanni Bellini，1430-1515年）是15世纪最伟大的威尼斯艺术家。 他还是最早在画布上使用油画的意大利艺术家之一。 在所有威尼斯艺术家中最著名的Giorgione（1478-1151）和Titian（1488-1515）是Bellini工作室的学徒。
石油工程硕士Titian用温暖，饱和的颜色绘制了巨大的画布。 在他成熟的绘画中，他牺牲了细节以创造令人惊叹的效果，例如《麦当娜·佩萨罗》。 他用大刷子做大笔触。 他的色彩特别丰富，因为他耐心地创造了对比色的釉料。 通常，将釉料涂在棕色的回火表面上，使图像具有均匀的色调。
另一位16世纪的伟大威尼斯艺术家是Tintoretto（1518-1594）。 与提香不同，他通常直接在画布上工作而没有初步的草图或轮廓。 为了剧情的构图和戏剧性，他经常扭曲他的形式（扭曲它们）。 他的技巧，包括宽广的笔触和明暗的戏剧对比，似乎非常现代。
艺术家Kyriakos Teotokopoulos（1541-1614）被称为El Greco（“希腊”）。 埃尔·格列柯（El Greco）生于克里特岛（Crete），该岛被威尼斯军队占领。 小时候，他去威尼斯读书。 他在克里特岛上看到的拜占庭艺术与意大利文艺复兴时期艺术的共同影响使埃尔·格列柯的作品脱颖而出。
在他的绘画中，他扭曲了自然形态，甚至使用了比他敬佩的Tintoretto更为陌生，更自然的色彩。 后来，埃尔·格列柯（El Greco）移居西班牙，西班牙艺术的低迷影响了他的作品。 在他对托莱多的戏剧性眼光中，一场风暴席卷了这座城市致命的寂静。 寒冷的蓝色，绿色和蓝白色的阴影在整个景观中散布着寒冷。
法兰德斯和德国的文艺复兴
法兰德斯（现在是比利时和法国北部的一部分）的绘画黄金时代是15世纪，范艾克时代。 在16世纪，许多佛兰德艺术家都模仿意大利文艺复兴时期的艺术家。 但是，一些弗莱明斯人继续了佛兰德现实主义的传统。 然后，流派绘画传播开来-日常生活中的场景，有时很迷人，有时又很奇妙。 在流派艺术家之前的杰罗姆·博世（Jerome Bosch，1450-1515年）有着异常生动的想象力。 他为《圣安东尼的诱惑》发明了各种奇怪的怪异生物。 “长老彼得·布鲁格（1525-1569）也遵循佛兰芒传统，但他的流派场景增加了文艺复兴时期的视角和其他特征。
阿尔布雷希特·丢勒（AlbrechtDürer）（1471-1528），汉斯·霍尔拜因（Hans Holbein the Younger）（1497-1543）和卢卡斯·克拉纳赫（Lucas Cranach the Elder）（1472-1553）是16世纪德国最重要的三位艺术家。 他们做了很多工作来减轻早期德国绘画的阴郁现实感。 丢勒（Dürer）至少去过一次意大利，乔凡尼·贝里尼（Giovanni Bellini）和其他意大利北部的画家对他印象深刻。 通过这种经验，他在德国绘画中灌输了视角知识，色彩和光线感以及对构图的新理解。 霍尔拜因学到了更多的意大利成就。 他敏感的绘画和仅选择最重要细节的能力使他成为肖像画家。
巴洛克绘画
17世纪在艺术上被称为巴洛克时期。 在意大利，艺术家卡拉瓦乔（1571-1610）和安妮巴莱·卡拉奇（1560-1609）提出了两种截然不同的观点。 Caravaggio（真实名字Michelangelo Merisi）一直直接从生活现实中汲取灵感。 他的主要问题之一是尽可能准确地复制自然，而不以任何方式美化自然。 另一方面，卡拉奇遵循了文艺复兴时期的美丽理想。 他研究了古代雕塑以及米开朗基罗，拉斐尔和提香的作品。 卡拉瓦乔的风格使许多艺术家感到高兴，尤其是西班牙裔里贝拉和年轻的委拉斯开兹。 卡拉奇（Carracci）启发了17世纪法国著名画家尼古拉斯·普桑（Nicolas Poussin）（1594-1665）。
西班牙
西班牙国王菲利普四世的宫廷画家圣地亚哥·贝拉兹兹（1599-1660）是西班牙最伟大的画家之一。 他是提香作品的忠实拥护者，是使用丰富，和谐色彩的大师。 没有艺术家能更好地创造出丰富的组织或人类皮肤的幻觉。 小菲利普·普罗斯珀王子的画像显示了这种技巧。
佛兰德斯
佛兰德艺术家彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens）（1577-1640）的绘画代表了全彩色巴洛克风格的体现。 它们充满了能量，色彩和光线。 鲁本斯打破了佛兰芒画小画的传统。 他的画布很大，到处都是人物。 他收到了更多的订单和更大的画作。 因此，他经常只画一个小的彩色草图。 然后他的助手将素描转移到一块大画布上，并在鲁本斯的指导下完成了绘画。
荷兰
荷兰画家伦勃朗（1606-1669）的成就是历史上最杰出的成就之一。 他有一个很棒的礼物-准确地捕捉和传达人类的情感。 像提香一样，他长期从事多层绘画的创作。 他的最爱是泥土色-黄色o石，棕色和棕红色。 他的画主要是深色的。 深色多层部件的重要性使他的技术异常。 重点通过相对于明亮区域的明亮照明传达。
扬·维米尔（Jan Vermeer，1632-1675年）属于荷兰艺术家之一，他们创作的日常生活场景平平。 他擅长绘制任何纹理-缎纹，波斯地毯，面包皮，金属。 威猛（Vermeer）内部的总体印象是阳光明媚，欢快的房间，里面装满标志性的家居用品。
18世纪绘画
在18世纪，威尼斯培养了几位美丽的艺术家。最著名的是乔瓦尼·巴蒂斯塔·提埃波罗（Giovanni Battista Tiepolo，1696-1770年）。他用宏伟的彩色壁画装饰宫殿和其他建筑物的内部，这些壁画代表了财富的场景。弗朗切斯科·瓜迪（Francesco Guardi，1712-1793）运用画笔非常熟练，只有几个色点，他可以想像出船上一个小人物的想法。安东尼奥·卡纳莱托（Antonio Canaletto）（1697-1768）的壮观景色唱响了威尼斯过去的辉煌。
法国：洛可可风格
在法国，十八世纪初对柔和的色彩和复杂的装饰味引起了洛可可风格的发展。国王路易十五的宫廷画家让·安托万·瓦特（Jean Antoine Watteau，1684-1721年），后来的弗朗索瓦·布歇（Francois Boucher，1703-1770年）和让·奥诺·弗拉戈纳德（Jean Honore Fragonard，1732-1806年），都与洛可可式的潮流相关。瓦托画出了梦幻般的幻象，一种生活充满乐趣的生活。风格的核心是在公园，森林聚会中野餐，有趣的绅士和优雅的女士在大自然中玩乐。
其他18世纪的艺术家描绘了普通的中产阶级生活场景。像荷兰威猛（Vermeer）一样，让·巴蒂斯特·西缅·夏丁（Jean Baptiste Simeon Chardin）（1699-1779）欣赏简单的家庭故事和静物画。与瓦托相比，它的颜色清醒而沉稳。
英国
在十八世纪，英国人首先建立了单独的绘画学校。核心主要是受威尼斯文艺复兴时期艺术家影响的肖像画家。最著名的是约书亚·雷诺兹爵士（1723-1792）和托马斯·盖恩斯伯勒（1727-1788）。雷诺（Reynolds）到意大利旅行，遵循文艺复兴时期绘画的理想。他的肖像迷人而动人，在颜色或纹理上并不是特别有趣。另一方面，盖恩斯伯勒（Gainsborough）光彩夺目。他的画的表面散发出鲜艳的色彩。
19世纪绘画
19世纪有时被视为当代艺术开始形成的时期。当时所谓的艺术革命的重要原因之一是照相机的发明，这迫使画家重新考虑绘画的目的。
更大的发展是预制涂料的广泛使用。直到19世纪，大多数艺术家或其助手都是通过研磨颜料来制作自己的颜料的。早期的商业油漆不如手工油漆。19世纪末期的艺术家发现，早期绘画的深蓝色和棕色色调几年来一直变成黑色或灰色。他们再次开始使用纯色来保存其工作，有时是因为他们试图更准确地反射街道场景中的阳光。
西班牙：戈雅
弗朗西斯科·戈雅（Francisco Goya，1746-1828年）是17世纪首位出现的西班牙伟大画家。作为西班牙宫廷最喜欢的艺术家，他制作了许多王室肖像。皇室成员穿着优雅的衣服和漂亮的珠宝，但在他们的某些脸上所反映的只是虚荣与贪婪。除了肖像之外，戈雅还绘制了一些戏剧性的场景，例如1808年5月3日。这幅画描绘了一群法国叛军的西班牙叛军的表演。浅色和深色与阴暗的颜色形成鲜明的对比，并被红色飞溅刺穿，使眼镜产生阴沉的恐怖感。
尽管法国在1800年代是一个伟大的艺术中心，但英国风景画家约翰·康斯特勃（John Constable）（1776-1837）和约瑟夫·马洛德·威廉·特纳（Joseph Mallord William Turner）（1775-1851）对19世纪的绘画做出了宝贵的贡献。两者都对光和空气的绘画感兴趣，这是19世纪艺术家充分探索的自然的两个方面。该警员使用了一种称为分割或断色的技术。他在前景色上使用了对比色。他经常用调色刀紧紧地涂上颜色。自1824年在巴黎演出以来，他的绘画“海恩”就使他出名。这是一个简单的乡村牧草场。乌云笼罩在布满阳光斑点的草地上。 Turner的绘画比Constable的绘画更具戏剧性，Constable绘画了雄伟的自然风光-风暴，海景，炽热的日落，高山。通常，金色的阴霾会部分掩盖他的画中的物体，使它们似乎漂浮在无限的空间中。
法国
拿破仑统治时期和法国大革命标志着法国艺术中两种相反的趋势的出现：古典主义和浪漫主义。雅克·路易·大卫（1748-1825）和让·奥古斯特·多米尼克·英格里斯（1780-1867）的灵感来自古希腊和罗马艺术以及文艺复兴时期。他们强调细节，并使用颜色创建实心形状。作为革命政府最喜欢的艺术家，大卫经常写那个时期的历史事件。在他的肖像（例如Recamier夫人）中，他试图实现古典的简约。
Theodore Gerico（1791-1824）和浪漫的Eugene Delacroix（1798-1863）反对大卫的风格。对于德拉克洛瓦（Delacroix）来说，色彩是绘画中最重要的元素，他没有耐心去模仿古典雕像。相反，他钦佩鲁宾和威尼斯人。他为绘画选择了色彩缤纷，充满异国情调的主题，这些主题闪烁着光芒，充满了动感。
Barbizon的艺术家也是整个浪漫运动的一部分，这场运动持续了大约1820至1850年。他们在枫丹白露森林边缘的Barbizon村附近工作。他们从大自然中汲取灵感，并在自己的工作室中完成画作。
其他艺术家也尝试了日常的普通物品。Jean Baptiste Camille Corot（1796-1875）的风景反映了他对自然的热爱，而他对人体的研究显示出一种平衡的平静。古斯塔夫·库尔贝（Gustave Courbet，1819-1877年）称自己为现实主义者，因为他描绘的是世界，甚至描绘了苛刻，令人不快的一面。他将调色板限制为仅几种阴暗的颜色。爱德华·马奈（Edouard Manet（1832-1883））也为他的小说创作打下了基础。人们对它丰富的对比和不寻常的技巧感到震惊。在他的画的表面上经常有平整的，图案化的笔触纹理。马奈（Manet）将光效果应用于形式的方法影响了年轻的艺术家，尤其是印象派画家。
一群在1870年代和1880年代工作的画家被称为印象派画家，他们希望准确地描绘自然。在研究彩色光的影响时，他们比Constable，Turner和Manet更远。他们中的一些人发展了科学的色彩理论。克劳德·莫奈（Claude Monet，1840-1926年）经常在一天的不同时间写相同的表情，以显示在不同的照明条件下它是如何变化的。无论主题是什么，他的画作都包含数百个彼此并排的微小笔触，这些笔触通常具有对比色。在一定距离处，笔触混合在一起以产生实体形状的印象。皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿（1841-1919）使用印象派的方法来捕捉巴黎生活的假期。在他的《在Moulins de la Galette上跳舞》中，穿着鲜艳衣服的人们拥挤而欢快地跳舞。雷诺阿以细小的笔触画出了整个画面。油漆的点和笔触在油漆的表面上产生纹理，使其具有特殊的外观。人群似乎溶解在阳光和闪烁的色彩中。
20世纪绘画
许多艺术家很快对印象派感到不满意。保罗·塞尚（Paul Cezanne，1839-1906年）等艺术家认为印象派并未描述自然形式的力量。塞尚喜欢画静物画，因为它们使他能够专注于水果或其他物体的形状及其布置。他的静物画看起来很坚固，因为他将其简化为简单的几何形状。他对油漆污渍和短而丰富的笔触并排进行着色的技术表明，他从印象派中学到了很多东西。
Vincent Van Gogh（1853-90）和Paul Gauguin（1848-1903）对印象派的现实主义做出了反应。与印象派说他们客观地考虑了自然不同，梵高不关心准确性。他经常扭曲物体以更富创意地表达自己的思想。他运用印象派原理将对比色彼此相邻放置。有时他像从《黄玉米田》里一样，将油漆从管子里直接挤出到画布上。
高更并不在乎印象派的斑点颜色。他将色彩轻轻涂在大的平坦区域上，这些区域以线条或深色边缘彼此分开。多彩的热带民族提供了他的大部分故事。
塞尚用简单的几何形状创造空间的方法是由毕加索（1881-1973），布拉克斯（1882-1963）等人开发的。他们的风格被称为立体主义。立体派画的物体好像可以同时从多个角度看到它们一样，或者好像它们是拆下来并组装在一块平坦的画布上一样。通常，物体不像自然界中存在的任何事物。有时立体主义者用织物，纸板，墙纸或其他材料雕刻人物，然后将其粘贴到画布上以制作拼贴画。质地也各不相同，在涂料中添加了沙子或其他物质。
最近的趋势较少关注该主题。构图和图像技术开始受到更多重视。
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