马克斯·弗里德兰德（Max Friedlander）-“艺术鉴赏家” 
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摆在我们面前的那本小书预示着艺术科学乃至整个现代文化的重要而决定性的转折。 她的主题-有关艺术鉴赏家-似乎是随意而过于私密的。 但是，激发每个字眼的奋斗精神，目标的明确性和简洁性，是实现重大而真实的转折点的关键。
柏林博物馆馆长马克斯·弗里德兰德（Max Friedlander）仍然是狭窄而有些干燥的专家。 他在德国和荷兰艺术方面的研究成为约束，谨慎和几乎书呆子的方法准确性的模型。 他被认为是典型的博物馆人物，他沉浸在中学，可疑言论和无名大师的细节中。 现在，他立即在我们的眼中长大，不仅是一位出色的设计师，而且还是一位受启发的领导者。
他的书是什么意思？ 她教她领导什么？ 也许其他人会因弗里德兰德对科学的疏忽而感到困惑，他对科学可能采用艺术方法的怀疑。 没有恐惧。 弗里德兰德（Friedlander）完全不反对科学，但他是为艺术而战。 他不是艺术研究的敌人，他只质疑既有技术的机制。 要研究艺术（有人争论），这当然是必要的，但仅是以艺术的名义，以艺术价值的知识的名义，以创造灵感的名义，而不是为了复杂而精巧的理论不能达到艺术水平或将其远远抛在后面。
弗里德兰德的第一个重点是活着的艺术纪念碑。 梅姆林的这幅画比对荷兰风格的最好判断更为重要。 因此，弗里德兰德坚持归因时刻。 当然，归因本身并不是目的。 她只是与艺术交流的一种手段。 但这会让您看到而不是看到。 在寻找作者的过程中，这位鉴赏家开始接触这座纪念碑的创作过程，经历了其创建的所有阶段，而不是被拘束在形式分析的光秃秃的高峰上，就像艺术评论家建立了“艺术史”没有艺术家”。
Friedlander的第二个重点是视觉沉思。 因此，弗里德兰德非常欣赏第一印象的力量。 只有在第一刻，我们才能观看，无法思考。 只有在与艺术品会面的第一分钟，我们才会自己处理它，而不是考虑它。 艺术鉴赏家必须活跃于他的感知中。 他必须拥有内部娱乐的天赋，使他能够在无数个单独的纪念碑中找到单个作者的单个图像。 专家不像莫雷利曾经教过的那样处理形式的标志，而是处理其质量。 他本人是一位艺术家，因为他再次与一位被遗忘或未被认识的大师一起创作了一件艺术品。 他本人是创造者，激发了沉默的价值观。
弗里德兰德（Friedlander）充满信心地将我们带入了充满创意的艺术欣赏世界。 我们回头看，似乎被动理论和荒谬方法论的沙漠已经过去。 我们面前的是事件，小说的短篇幅，对发明和发明的模糊渴望。
B. Wipper。
业余爱好者，收集者，历史学家，美学家和专家对艺术品的处理方式不同。 但是这些类型仅在理论上有所不同，实际上，收藏家可以同时是行家，当然，业余爱好者，历史学家可以是行家-依此类推。 他们声称自己是科学的：历史学家，美学专家。 但是，可以对鉴赏家的科学性进行争论。
历史学家将单个作品视为文档。 通过比较这些文献，他确定了历史发展的过程。
美学在单独的艺术品中看到了一个模型，他在该模型上学习了自己，并向他人传授了艺术创作的规律。
鉴赏家探索艺术品以确立其作者。 某人拥有一张深色帆布，在他眼中没有任何价值：他准备将其提供给第一个来者。 鉴赏家瞥了一眼画布，并在其中认出了伦勃朗的作品。 由于这样的定义，艺术品经销商为帆布付出了一笔巨款。
一位艺术鉴赏家创造并摧毁了价值，并因此而拥有了相当大的力量。
这种影响力的第一个前提不是鉴赏家是对的，就是说那幅画确实属于伦勃朗，而是他们相信他。 商家根据行家的贷款来付款，并确信自己的客户会信任。 因此，此事由信任和权威决定。
他的判断是否应该而且应该合理吗？ 他是否能够显示出促使他在图片中看到伦勃朗作品的动机，并具有令人信服的意义，即对商人和他的顾客而言，正确的决定就显而易见了？ 从一开始，我们就回答这个敏感的问题：不。
在这种情况下，情况与其他科学判断不同。 由于患者出乎意料地死亡或活着，这一事实在很大程度上可以迅速发现医生的错误诊断。 计算不正确的桥梁-坍塌。 错误定义的图片不会消失并且不会崩溃。
鉴于无法验证贵族这一事实，他们怀疑它是某种可疑的神秘科学。 此外，学术艺术史学家忽略了这一点，因为在他们看来，作者的问题是有限且次要的。 业余艺术爱好者说：只要我喜欢，我不在乎是谁画这幅画的。 一位收藏家被鉴赏家吸引了-很容易明白为什么。 后者的力量是巨大的，但建立在不稳定的基础上。 信任很容易失去。 他的性格好坏取决于他对他人信任的依赖。
即使尽职尽责的批评家变得更加谨慎，他也更加深刻地意识到自己的判断根植于无知的黑暗中，他在不受任何控制的情况下开展业务，但普遍的人类软弱，虚荣心却在这一领域发展。魁北克职业性疾病的程度。
不完全诚实的手段会潜移默化地出现在现场。 首先，他说话的语气。 他本人已经说服并愿意说服他人，但他痛苦地感到，他从中汲取了信心，他无法传递给他人，无论如何，他不能通过通常理解的论点来做到这一点。 因此，抓住危险的建议。 一旦定罪的胸口超出了他的内心信心-这可以简单地通过习惯的力量发生而没有任何恶意的意图-因此他已经变得有些卑鄙。 他觉得自己需要为自己创建权威并不断提高权威。 他想留下深刻的印象。 不敢说：我不知道这个； 我不认识作者。
他抓住一切机会表明自己本人判断的频率过高，最后甚至在不知情的情况下。 真正的认识者当然是专家。 该领域没有通用专家。 但是公众错误地认为，如果评论家在一种情况下无能为力，那么他可能将无法在另一种情况下说出任何明智的话。 通常，鉴赏家的能力不足以与这种偏见相反，留在他的知识范围之内并滥用他的权威以进一步增强其权威。
无论从心理上多么不信任他，心理经验都表明，我们对艺术知识的整个有序建设取决于这些非常有智慧的人的活动。 尽管存在种种动荡和争议性的问题，但已经实现了大量公认的真理。 如果我们现在比以前更好地了解和理解伦勃朗，那么我们应该感谢这些收集，筛选和整理材料的艺术专家。
关于该方法的讨论无处不在，也没有像艺术科学那样被轻描淡写的激烈废除。 但这恰恰是因为没有方法，没有可以传播和教导的工作方法能够实现目标，而且还因为艺术批评与肉体和血液的淡淡主义联系在一起。
将艺术研究转变为一种奖学金的尝试是痛苦而又不值得的，几十年来我们听到的关于这种科学还很年轻，尚未离开童年的说法似乎是荒谬的。
勤劳主义有好有坏。 否则：对艺术的热爱总是导致人们对艺术的思考，一旦它开始寻求知识，便会发现弱点。 如果您因为这些弱点而拒绝出众的做法，那么您就会冒着对艺术的热爱，最终失去艺术本身。 在那之后剩下的是零。 勤劳的人做最重要的事情，一旦他们做了所有的事，就足以称呼贡库尔，弗洛曼滕或谣言。 最近几十年来出现的鉴赏家的职业应该至少能够保留自由主义的某些特征，而不应该变成僵局。
因此，维也纳艺术学院出于担心语言学家和历史学家不会将他们视为真正的科学家而经营着繁重的科学仪器的努力，正在以最认真，最勤奋的方式来努力发展一种方法，使自己摆脱the可危味觉的主观判断。 汉斯·提策（Hans Tietze）关于“艺术史的方法”的大量，学术性的和聪明的著作提供了一个认识这些努力并回顾所取得的成果的机会。 本书提到了与艺术研究相关的一千种事物，这些知识对鉴赏家是有用和重要的，但是艺术是没有问题的。 所有这些知识不会使一个人成为艺术鉴赏家，也不会成为一个鉴赏家，就不能成为艺术评论家。
海德堡已故教授卡尔·诺伊曼（Karl Neumann）成功地揭露了维也纳学派的弱点。 我引用了一些精妙的条款：“提兹的说法是质量问题是博物馆问题，而不是科学问题，这表明，加上一些自然科学的法西斯主义和对科学概念的不可接受的缩小，更糟的是：对艺术的敌意。 为了从主观性的危险中得救，作为所谓精确方法的致命敌人，这里需要作出牺牲，艺术史不能不放弃自己就无法带来。……没有品质感，就没有艺术批评。..“进一步：”以下补充说，任何科学的方法都来自合理化其任务的可能性，并且该方法在遇到非理性的人（例如人）时是无能为力的。 天才无视任何方法……“最后：“艺术比艺术史的方法更重要……”
除了这些出色的职位，还可以添加更多职位。 学习艺术绝对是要成为一门科学，它威胁要成为反对艺术的科学。 天才不仅是非理性的，而且作为罕见的例外情况，所有艺术创造力都是非理性的。 个人和非个人艺术创作之间不应有任何区别。 即使我们以有限的知识不能或不能回答这个问题，人格问题始终在各个层面上都是最富有成果的。 归根结底，中世纪的首都或象牙浮雕是创造一个人的精髓，一个人唯一拥有的财产。 任务是感受这种个性，以便只有通过感官体验才有可能。 看完这本书之后，蒂茨觉得从各个方面走了很长一段路，他都在绕过艺术问题。
为了回应专家的简短而果断的判断：这是丢勒的作品，或者：可能不是丢勒的作品，听起来不满意且令人信服：任何人都可以这样说并提出证据。 然后，专家以书面或口头的方式尝试在艺术作品中发现并展示创意个性的独创性。 但是他不能说的不是他判断的依据，而且在任何情况下都不能像数学家一样以连续的证据链的形式得出结果。 在这种情况下，完全正确的理由是不信任的。 专家的判断基于部分无法表达的动机，部分甚至超出了意识的界限。 批评性的材料，如其通常所表达的那样，其定义是合理的，它从不包含动机的充分性，也不包含在寻找作者过程中最重要的内容。 不能根据判断的质量来判断所谓的证据的质量。 当然，逻辑方面总是可以表达和证明的，但是最直观的方面可以得到最多的暗示。 这就是为什么艺术批评的语言如此格格不入，并且渴望使用比较。 他常常含糊其词，可怜，争论在他心中交织在一起，唤起了情感。
让我们通过一个例子熟悉我们的工作方法。 我研究了祭坛的图标，看到它是在橡木上画的。 因此它是荷兰语或下日耳曼语的起源。 我在上面找到了捐赠者的照片和徽章。 服装和纹章的历史为进行更准确的本地化和约会提供了机会。 通过严格的推断，我确定：布鲁日，大约1480年。
所描绘的捐助者很容易被徽章识别。 图片所讲述的一个鲜为人知的传奇故事，将我带到布鲁日的一座教堂，献给这个传奇人物。 我应付教会的举动，发现在1480年，布鲁日市的一位公民被我的会徽认出了名字，被献在祭坛上，并下令把他的形象献给汉斯·梅林。 因此，该图标由Memling编写。 结论是纯科学的，经过严格证明的！
但是，即使在这种假设的情况下，可以证明如此之多的事实，也不能证明一切。 最后，Memling仍然有可能不履行命令，而是将命令传递给他的学生，或者其他人代替了。 决定性的最后一个词即使在这里也取决于品味，就像第一个词属于感觉一样。 因为，如果不是我对质量的主观判断，是什么吸引了我精确地从事这项工作？ 我没有开始将分析研究的工作浪费在其他图标上。 而且，说实话，乍一看，我立即想到了梅姆林，我在等梅姆林，我在找梅姆林。 在我的研究中，对他的想法就像一个指南针。
艺术研究人员有各种各样的工具，最薄的工具是他的风格感，容易损坏，但有必要。 “刀越锋利，就越容易治愈。 但是我们会更愚蠢吗？ ”
对样式的纯粹批评可能只会导致猜想只有在它们从其他种类的可靠来源得到确认后才变得可靠。 但是，这些反对意见丝毫没有削弱文体批评作为一门特殊科学的重要性。 毕竟，存在概率论。
乍一看，我们将尝试找出不由自主地发生的情况，无需进行分析即可确定：这就是梅姆林。 我曾经问过一个物理学家，他将如何解释无线电报的神秘现象。 他回答了我：想象一下，在某个空间中有几个音调不同的音叉。 听到声音。 然后，只有以相同音调调音的音叉才会开始犹豫，其余音不会发出任何声音。 我认为这是解释确定图片作者时会发生什么情况的好方法。 关于梅姆林和杰拉德·戴维生活在我心中的想法应该明确调整并准备好听起来。 这就是重点。 然后，接触立即发生，并与之接触，就好像是我自己第一次看到的照片的定义一样。
第一印象是决定性的。 行贿者轻率的轻率或虚荣心并不是迫使鉴赏家如此迅速地做出判断。 审美总是取决于比较，尽管后者在很大程度上是无意识的。 梅姆林的印象与其他大师的绘画印象不同。 通过比较给出的这些差异才是重点。 但是很明显，当重复或持续太长时间时，印象的独创性会减弱。 该习惯使感知神经的兴奋性减弱。 格里夫纳汇率表情：看起来暗淡无光，它说的是眼睛的适应能力。 Memling的方式已不再具有独创性，而是越来越被视为正常事物。 在联系结束时，我开始通过梅姆林的眼睛看自然。
彻底是一件美丽的事情。 艺术研究人员可以像其他任何人一样通过耐力和耐心来取得很多成就，但是与该主题的密切和固执的接触威胁着我们的案情。一个年轻的艺术评论家过于专心地与一位艺术家交往而失去了能力感知英雄的个人本质。 最后，他只知道自己艺术的内容，却不知道自己的性格，他失去了比较的能力。
我们可以向艺术品推荐以下方法。 主要的价值在于第一印象，这种独特而难忘的经历，第一印象应该被视为纯粹，天真，没有偏见和反思-可以整体感知。 每种分析，每种心理态度都已经破坏了部分影响。 只有整体说出了话，才可以开始进行科学分析，紧密地接近主题，并像自然科学家一样检查底漆和裂缝的形成。 记录，题词，衣服，建筑，肖像，人物与空间的关系，人物的比例，运动动机等。
最小的细节很重要。 每种检查方法都可能有益。 但是，每时每刻您都需要记住：科学分析破坏了整体印象，从而破坏了艺术家的创造力，因此，您需要保持在审美观念中重现科学探究分为几部分的整体能力。 您需要移动一定的距离，以便在其他印象的帮助下重新获得感知的新鲜感。 该研究可以补充并确认第一印象，或者相反，可以拒绝它，但绝不能替换。
我们花时间研究它的机制。 但是执行此操作后，时钟停止运转。 对于手表而言，部分分解与艺术品的灵魂一样危险。 由于无法表达最重要的事情，同时又对“证明”的渴望不知所措，这位对聋哑不耐烦的专家试图将虚构的证据纳入其模糊的暗示和抒情影响中。 因此，不诚实渗透到小说批评文学中。 当然，在自觉的不诚实和精神上的lop落之间，存在许多过渡。 我们听取了提议的理由。 作者希望以律师的方式说服我们，强调本质上不是决定性的观点，因为只有这些观点才具有科学结论。 当然，所有这些不仅适用于错误的判断，而且适用于正确的判断。 正义的理由是用不良手段捍卫的。 大小写和单词都没有。 互相掩盖
五十年前以艺术鉴赏家的身份出现的乔凡尼·莫雷利（Giovanni Morelli）是有才华的小人物的典型代表。 他一部分是自欺欺人的受害者，一部分是卑鄙的骗子。他宣称自己是一种严格的科学方法-与逻辑相反，甚至说“实验性”方法，给他留下了深刻的印象。 莫雷利（Morelli）非常了解15和16世纪的意大利艺术家。 并提供了许多正确的属性。 但这不会使他成为名人。 他宣传他的可靠方法的高声辩论引起了全世界的关注。 莫雷利（Morelli）指出，虽然不是全新的事物，但它是新事物，它表明同一位艺术家总是以相同的方式描绘人体的这一部分或那一部分。 他注意到了几个这样的迹象，并假装在这些优点的帮助下他做出了自己的定义。 他认为，耳朵和指甲的形状特别具有特征性，具有决定性的意义。 如果我们采用他的批评方法，我们很快就会注意到他的直觉评价能力（经常达到目标，但有时会产生误导）从来都不是基于迹象，而且莫雷利偶尔只是追溯地证明自己的案情，洋溢着胜利的表情。形式的胜利。 如果莫雷利（Morelli）想要按照他的教学精神有条不紊地行动，他将必须基于菲利波·利皮（Filippo Lippi）的3或4项可靠作品并以此形式来确定耳朵的形状，就像手中握着魔杖一样在所有画廊中找到Filippo的画。 但是他没有。 那太愚蠢了。 莫雷利甚至没有使用他的方法来核实他的结论，他从不拒绝做出决定，因为仅仅是因为征兆不收敛。 他随意而不一致地使用了他自夸的方法。在所有画廊中找到菲利波的画。 但是他没有。 那太愚蠢了。 莫雷利甚至没有使用他的方法来核实他的结论，他从不拒绝做出决定，因为仅仅是因为征兆不收敛。 他随意而不一致地使用了他自夸的方法。在所有画廊中找到菲利波的画。 但是他没有。 那太愚蠢了。 莫雷利甚至没有使用他的方法来核实他的结论，他从不拒绝做出决定，因为仅仅是因为征兆不收敛。 他随意和前后不一致地使用了他自夸的方法。
贝伦森是莫雷利（Morelli）在研究意大利绘画和庸俗艺术方面最聪明和灵巧的追随者，他完美地解释了为什么耳朵和指甲表现出恒定的，特别是艺术家形态的特征。 每位艺术家都在一定程度上坚持自然，模仿个人无限的生活，部分根据模型，肖像进行创作，部分重复他熟悉的某些形式。 在表达方式上，他追求多样性并为特色而奋斗。 但是，耳朵的形状相对于表情和性格无动于衷。 这就是为什么在描绘耳朵时，艺术家并不需要克服习惯的自然力量。 的确，经验表明，许多艺术家对耳朵的形状很粗心，他们发出了自己的本能，他们不想说任何话，他们的创作会减弱或消失。
很多，但不是全部。 例如，孟德尔（Mendel）不屈不挠地观看模特，对待耳朵的态度不亚于对待鼻子的态度。 我们希望找到个性表现最弱的地方似乎很奇怪。 然而，就莫雷利而言，符号学说具有单一性和随机性，绝非毫无意义。 艺术家的品味，美感，有意识或无意识的追求创造了他真实而有效的风格，因为它表现为人的形状，比例，成分，嘴纹等。我们可以说：这种形式很典型为这位大师。 然而，基于此，专家在许多情况下都无法做出最终判决。 已经因为所有人都可以看到的荣耀大师的形式已经成为模仿的对象，知道拉斐尔的风格对于鉴赏家搜索拉斐尔的原创作品没有多大用处。 在这里，正如通常发生的那样，重点在于将母版与模仿者区分开。 但是拉斐尔的风格已成为共同财产。 在这里，也许莫雷利（Morelli）回收的迹象可能有用，尽管它们永远无法解决问题。 模仿者的注意力在琐事，不易察觉的和次要的细节上减弱了。 模仿者遵循影响观看者的原件那些侧面。 他的任务是实现原来的印象。 对艺术效果无关紧要的东西被模仿者忽略，因此可以作为原始作品的标志，以区分母版和模仿者。 但是拉斐尔的风格已成为共同财产。 在这里，也许莫雷利（Morelli）回收的迹象可能有用，尽管它们永远无法解决问题。 模仿者的注意力在琐事，不易察觉的和次要的细节上减弱了。 模仿者遵循影响观看者的原件那些侧面。 他的任务是实现原来的印象。 对艺术效果无关紧要的东西被模仿者忽略，因此可以作为原始作品的标志，以区分母版和模仿者。 但是拉斐尔的风格已成为共同财产。 在这里，也许莫雷利（Morelli）回收的迹象可能有用，尽管它们永远无法解决问题。 模仿者的注意力在琐事，不易察觉的和次要的细节上减弱了。 模仿者遵循影响观看者的原件那些侧面。 他的任务是实现原来的印象。 对艺术效果无关紧要的东西被模仿者忽略，因此可以作为原件的标志。模仿者粘附在影响观看者的原件的那些侧面。 他的任务是实现原来的印象。 对艺术效果无关紧要的东西被模仿者忽略，因此可以作为原件的标志。模仿者粘附在影响观看者的原件的那些侧面。 他的任务是实现原来的印象。 对艺术效果无关紧要的东西被模仿者忽略了，因此可以作为原件的标志。
模仿是鉴赏家面临的主要问题-广义上的模仿。 这个概念包含了很多内容：从精确的复制品和伪造品到原始创作，这在某种程度上取决于其他人的艺术作品。 正如最喜欢和最有勇气的大师所说的那样，由于最自由，最勇敢的大师曾经是一名学生，因此感知他人的艺术并且无法完全保护自己不受影响，正如艺术批评家所说，模仿的问题延伸到整个艺术创作领域。 模仿的概念部分包括传统，时代品味，学校的影响力，当地特色等概念。 模仿不一定是刻意的。 专家在每一步都面临模仿的问题，不仅是当他将学生与主人区分开来或将个人彼此分开时（乍看之下），例如，当他寻找鲁本斯结束的边界和范戴克开始。
莫雷利·普林斯的迹象。 但是最终，这件事是由心理技巧，直觉，灵活的艺术才能决定的。 复制，模仿在质量上要比原始的要差。 不是因为抄袭者是一个较弱的艺术家-几乎总是发生这种情况，而是因为复制和模仿是与艺术创作本质上不同的活动，因此即使复制或模仿，创造力也无法体现出来。
想象一下，一位出色的大师出于某种动机而复制了一位微不足道的艺术家的作品。 无论原件有多弱，它都会比复制品有一个优势：有机地呈现出来的风格的统一性，而复制品，即使是由天才的手工制作，也不可避免地会遭受缺乏完整性的侵害。风格 原件诞生并长大，副本被制作出来，没有内部热量。 模仿者在时间和风格上离原作者的距离越远，这两种活动，根本不同的活动类型之间的区别就变得更加明显。 这是隐藏陷阱的地方，任何存档艺术都被打破，仿制过时的样式。
在波提切利旁边，伯恩·琼斯有些虚弱，这不仅是因为他是一个较弱的画家，而且还因为他的作品是随意的，错误的，不真实的。 没有人可以逃避有罪不罚的方式，以逃避自己时代所迫切需要的方式。
从广义上讲，专家始终被警告要从复制品和模仿品中区分出原稿和仿制品，始终警惕可能的伪造，他获得了真正的才华，同时又对真正的艺术创造力敏感。 通过忠实的直觉，捕获了创造性人格的反复无常，专家将避免莫雷利的方法和他的教学方法对那些无能为力的学生造成灾难性影响的诱惑。 同一位艺术家的两个作品永远不会完全相同。 至少由于创造它们的生物不断变化的原因，就像生活的一切一样：今天与昨天不一样。 艺术家永远不会创造相同的形式，如机械陈词滥调。
回忆一下笔迹。 同一个人的一百个签名彼此相似，但是它们从未绝对相同。 如果两个签名在所有事物中都强烈重合，则在其中一个中我们怀疑是伪造的。
每个学习艺术的人都知道创造力可以改变，但是要意识到它必须随时改变是不容易的。 活的生物可以开花和枯萎。 纸花总是保持不变。 模仿者可以再次复制相同的东西，但不能复制艺术家。 在这里，发展问题与模仿问题有关。
有准确但肤浅的观察者：他们的方法看似科学，但在艺术纪念碑前却无能为力，因为它没有涵盖最重要的内容。 外观不应被固定为一种形式，而应遵循创造性想象的飞行，这种想象力将其保留下来作为其标记。
衡量和仔细地将一种形式与另一种形式进行比较并不能使鉴赏家达到目标，尽管有时可以向他表明正确的方向。
屈服于工作的影响，我们正在经历创造力的过程并参与其中。 艺术家风格的某些表现形式对我们来说是眩光，通过它我们可以推测出他发出的光的路径。 这些射线发出的焦点是艺术家的灵魂-这是我们沉思的最后一个主题。
通常会考虑对形状和颜色进行可靠而快速的记忆，当然，每一项权利，当然都是鉴赏家活动的必要先决条件。 确实，在定义任何图片时，我们会将其与内存图像进行比较。
但是，人们无法想象这一过程是机械的，就像在照相，就像专家脑海中的照相板档案。内存服务非常大，但也非常小！很棒，因为它可以长时间保存大量印象。我现在看到的照片让人想起很多年前的照片，此后我再也没有想过。另一方面，已知的是，将物体的形状保持在存储器中以能够以言语或塑性图像的方式传递物体的能力是多么微不足道的。西斯廷·麦当娜（Sistine Madonna）握着婴儿的那只开明的艺术爱好者所提出的众所周知的问题几乎总是令人尴尬。
这是非常有特色的。阿德里安·奥斯塔德（Adrian Ostade）的一位出色鉴赏家，已经详细研究了大师的数百幅画作，可能根本无法想象完全不同的画作，甚至可能无法从记忆中描绘出一幅画，但他拥有的其他东西更多。有价值，这使他成为Ostada的鉴赏家，使他认识了这位艺术家的每一件作品。他有一个大胆的想法，他知道大师的范围，他个人才华的可能性以及他深入研究的外观。这位画家的创作激发了他的灵感，他捕捉的不仅仅是形式上的瞬间，而是艺术上的影响，而是通过产生它们的创造力。因此，鉴赏家的能力就产生了，如果不像奥斯塔德那样写作，那么无论如何，将您的被动想象力与大师的创造力想象力相结合，并对他的所有画作和他的创作做出积极的回应。
提供鉴赏家甚至可以提高工作效率。例如：我认识伦勃朗，但是我从未见过他笔刷的码头。一位艺术爱好者告诉我，他有一个伦勃朗码头。当然，我立刻对这张照片有了一个想法。如果随后向我展示了这个码头，那么我的第一个念头便是：所以我自己想像也没有想像，在我看来，这似乎有所不同。我将我创建的图片与显示的图片和脸颊进行了比较。关键不在于这项精神工作有多有价值，以及自欺欺人在这里发挥了什么作用。唯一重要的是要确定鉴赏家不仅限于一种观察，而是以他自己的方式在创作过程中扮演着积极的精神角色，因此，他成为某种艺术家。
但是，由此得出一个结论，那就是艺术家应该是最好的专家，这是一个错误，因为专家的活动在某种意义上是一种活跃的艺术活动。更不用说经验与这个结论相矛盾。更重要的是另一个：鉴赏家的主要志向是针对认知，而画家的主要志向是将他吸引到创作中。艺术家的创意天赋与鉴赏家的才华根本不同，后者是被动的，既能全心全意，又能在外面表达自己。
鉴赏家指的是演奏家表演者，例如最后一位指自由创作的艺术家。三度，三个阶段的艺术活动。像艺术家从戏剧家那里得到的那样，要求艺术家要是一个天线是荒谬的，他比一个不能创造出自己的角色的演员能够更好地实现他在舞台上的想象力图像。独立的形象。我们是将鉴赏家的活动从其趋势的角度看成一门科学，还是从其方法的角度上看成是艺术-无论如何，它构成了科学方法的基础。
想要了解并重现某种个性或某个时代的艺术史学家，首先必须照顾材料的纯净和完整，他必须确保自己判断的作品确实属于一个或另一个主人，属于那个或另一个时间。
另一方面，高贵是艺术科学研究的色彩，成果和该领域成功作品的加冕。只有从最深刻的渗透到创造力个性的本质，才能识别和识别天生的大师。但是，高贵并不是艺术科学研究的最后目标。确定了作者之后，我们尚未回答最后一个问题。
只有穷人和有限性才对专家的作用感到满意。精神志向将始终走到寻找历史联系和美学规律的道路上。健康的美学和有根据的故事源于鉴赏家的经验。
当一位学术艺术评论家，任何一位大学老师有时自豪地声称他不是专家时，我们就会问他有什么想法。如果他只想说自己既不愿意打电话也不愿意提供收费的专业知识或出于礼貌，那么没有什么可反对的。但是，如果他以为自己了解或了解某种艺术作品，却不知道如何认识其作者，那么他就是错误的，并且不由自主地承认自己的努力是失败的。一个成功地处理过中世纪象牙浮雕的历史学家，无论是否愿意，都会成为这个领域的行家。专家是不由自主的，也许是最好的专家，在任何情况下，他都不是卑鄙的人，只应优先考虑该专家。
历史学家和专家，理论家和实践者，大学老师和博物馆人物之间的永恒争端必须最终解决。它只有在一侧或另一侧或两侧的工作不够成功之前才能保持其力量。这就是为什么学术界和博物馆界人士一起学习是非常正确和富有成果的。因此，希望在双方之间进行力量交换。在个人评估的主观性面前，对知识和艺术直觉的渴望应该被组合成一个没有虚假耻辱的欲望。无论如何，无论我们与实践者一起看到其中的目标，还是与理论家一起看到手段，高尚都将自己产生。
由W. Bloch翻译，由B. Wipper编辑。
莫斯科，1923年