静物 
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“静物”一词源于法国，字面意思是“死自然”。 在绘画中，这个词表示各种无生命物体的图像。
参考
在十五和十六世纪，静物画只是画布上的一部分。 例如，围绕着基督和上帝之母的花朵的花环，在祭坛图像的反面绘制，或者仅仅描绘在肖像中描绘的人的手中的头骨。
在十七世纪，静物成为一种独立的绘画类型，佛兰德语和荷兰语学校的大师们的工作极大地促进了这种风格。 当时绘画中描绘的物体往往隐藏着一种哲学寓言 - 死亡的必然性和地球上一切的短暂性，或宗教主体的更广泛意义。 但是花卉静物越来越受欢迎 - 这与荷兰的传统直接相关：它自己的花园，乡村别墅，只是室内植物，对这个国家来说，对花卉的热爱。 荷兰花卉静物的一个例子是由画家Jan Davids de Hem撰写的奢华作品。
在编写静物时，您需要为图像选择一个有价值的对象。 新鲜蔬菜非常适合。 当你欣赏这幅画时，它们鲜艳的色彩会让你振作起来。
静物几乎总是一组由共同意义联系在一起的东西。 这个群体可能包括来自野生动物的物体，但与其自然环境隔离，变成了一种东西：桌子上的鱼，花朵或水果的花瓶，等等。 有时静物的构成包括生物元素的图像：鸟类，动物，昆虫，人，但它们只是图片的主要思想的补充。 静物从日常生活的一般环境中选择物体，更加注重表面的最小细节和结构，让你对普通物和自然形态的美丽感到惊奇，这通常是一个人无需考虑的事情，瞥了一眼以一种肤浅的目光凝视着他们。
装饰静物 - 图形解决方案的主要规律
在装饰性静物下，人们常常理解对自然的非常随意的处理，导致其不合理的扭曲，因为对这一类型的工作规律的无知会带来很多错误。 装饰画，如学术绘画，是基于严格的法律和原则。 所有高级艺术家都需要能够将描绘的自然从可见的三维空间转化为二维空间，同时成功地解决创意，构图和图像问题，因为他们的作品旨在装饰许多室内设计。
我们都知道“装饰”这个词来自“装饰” - 来装饰，装饰。 这个词有两个含义：
- 一种旨在创造一种富有表现力的轮廓的方法，与周围世界的物体相比，该轮廓具有更高的艺术性;
- 平面艺术作品的特殊性。
如果我们看一下美术史，我们会注意到从古代到文艺复兴时期所有可以归结为绘画的视觉活动都是装饰性的。 从洞穴洞穴壁画，古埃及，古希腊，东亚和亚洲人民的所有艺术到乔托的壁画，艺术家并没有“破坏”图形表面，创造了空间的幻觉，而是有机地连接了表面。图像，无论是平坦还是大量，都带有图像。
在上个世纪，着名的民间和装饰艺术研究员，曾在Gzhel生活和工作过，AB Saltykov说，平面，表面和轮廓绘画当然最能强调和表达形式。
从文艺复兴时期开始，画家开始为他们创作的作品中的深度，空间和空气的转移设置一些其他任务。
在19世纪最终形成风格之前不久，新艺术运动时代就出现了绘画的装饰性。 在很大程度上，这是由于日本艺术的发现，由于其发展的孤立，它保留了装饰基础。 敏锐而细致地观察自然，准确可靠的视觉，轻盈和轻描淡写，同时，日本艺术家雕刻剪影解决方案的表现力和体贴度产生了独特而令人难忘的图像。 Woodcutters Kutagawa Utamaro和Katsushiko Hokusai广为人知。 超过一代的艺术家已经提出了无可挑剔的塑料和日本雕刻的比例组成。
19世纪末 - 20世纪初 - 有趣的创造性搜索和发现的时代。 在从事静物工作时，你应该关注绘画史上的这个特殊时期。 当时最好的大师的艺术结合了惊人的轮廓表现力，复杂性，构图简洁性和完整性，结合过去几个世纪的艺术家丰富的经验，创造和谐，多样和复杂的色彩结构。 因此，在装饰静物时，建议关注当时俄罗斯着名艺术家的作品 - Alexander Golovin，Valentin Serov，Alexander Benois，Lev Bakst，Mikhail Vrubel，Alexander Lansere，Konstantin Somov，Alexander Kuprin ，Ilya Mashkov，Pyotr Konchalovsky，Kuzma Petrov-Vodkin，Konstantin Yuon，Igor Grabar，以及欧洲画家 - Henri Toulouse-Lautrec，Paul Cezanne，Camille Pissarro，Gustav Klimt等人。
从事静物工作的过程始于选择对自然的观点。 如果在逼真的图像中复杂的角度和侧向光线将是最成功的选择，作为最大透射深度的空间和体积形式，那么在装饰中，相反，直接光和“前面”的观点将是最好的选择，使其更容易解决任务。
有几种众所周知的技术可以增强装饰性的印象：
- 引入彩色或消色差轮廓，在同一平面上组合不同的移除物体;
- 装饰饱和;
- 一个主题的重叠被另一个主题重叠;
- 通过正面可以看到后视图。
线条可以是直线或曲线，它们可以创建自己的简单图案或加强对角线或引入有节奏的水平或垂直重复，也许这将是一个完全不寻常和新的东西，但主要的是任何介绍的工作网格，模块，破碎图像增强了装饰效果，因为它结合了计划并将整个作品转变为有节奏的组织图案，而节奏重复又反过来增强了绘画的装饰性。
质量是风景如画的主要条件，是构图的表现力，它直接取决于正确找到的对比度，赋予其装饰力。 但是存在更深层次的结构对比，决定了艺术形象的本质。 在这方面，我们必须设法平衡出现的不必要的联系，这种联想会干扰整个飞机的感知。
考虑建立装饰静物的基本规律。 有观点认为装饰画与学术绘画有很大的不同，这是两种不同顺序的东西。 我们将仔细研究学术和装饰画之间的区别和共同点。 两种法律都基于相同的规律 - 色彩和谐，辅音色彩，构图表现力，作品元素的节奏组织，富有想象力的解决方案。 还有必要注意区别 - 在装饰画，二维空间，与三维学术相反，因此，有必要尽可能地排除线性和空气的视角，也没有虚幻的传播体积形式，但节奏组织起着最重要的作用，因为节奏有助于加强装饰绘画的基础。 对自然材料有一种更为随意的态度及其更大的创造性解释，以增强图像的构图和表现的表现力。
作品的图形方面非常重要，没有精致，经过验证，富有表现力的象征性构图，具有简单明了的基础和复杂多样的发展，不可能有值得的作品。
但绘画最重要的特征是色彩。 这就是为什么创造一个令人愉快的彩色马赛克与其颜色和色调的对比和细微差别，大声的色彩和弦和微妙的色调是学生的首要任务。 没有这个，这幅画很干燥无聊。 通过各种绘画方式传达情绪，状态，创造一个令人难忘的形象 - 色彩，构图，绘画 - 这是学生面临的主要任务。 大自然代表了最丰富，最多样化的创造性材料，你只需要能够看到艺术并转向适合每个个案的图画语言。 这种任务的目标是培养对自然的冷漠，不肤浅，但是细心，敏感和微妙的看待，将自然图像翻译成装饰语言的技能的发展。
关于色彩的情感影响，关于增强其装饰性，关于装饰性静物的不同程度的条件性，可以说很多 - 从最接近自然的那些开发颜色和允许小体积，如在雕塑图像，海报和标志作为极端的装饰程度。 但我们必须总结并说，一般来说，装饰性静物的工作不是根据任意原则改变自然，它的基础就像绘画学术着作的工作，某些法则，其中的知识当然，在执行它时是必要的。
静物
以花束和草药的形象实现静物的生存，现代艺术技术和技术在其实施中的应用以及它们作为色彩重点和主导的内部包含，与想象的解决方案和艺术形象和谐地结合室内解决方案是寻找当代艺术家室内设计中新创意解决方案的重要任务。
在绘画艺术中花卉和草药花束的图像的外观和分布的历史和内部的艺术解决方案是有趣和多方面的。 风景如画的花束一直是室内的活跃色彩点。 当您将其包含在内饰中时，保持整个内饰的风格统一，承受其独特的特征，而不是违反整个内饰的比喻结构和艺术决策是非常重要的。 因此，许多不同时代的艺术家不断回归作品中的鲜花形象并非巧合。
花束，各种设计，各种类型的艺术品以及其他常见图案，是室内设计的主要动机之一。 艺术中花卉的象征意义有着丰富的传统。 田野草药象征着绝望，花环像永恒的象征。 许多花卉和植物是四季的象征：柠檬是冬天，花是春天，水果是夏天，葡萄是秋天。
实施静物的主要作用是研究色彩静物的实施顺序和技术，研究该领域的世界艺术杰作，熟悉新的艺术技术和可应用的材料。在一个静物与花束的工作。
用鲜花和草药花束来实现静物通常会带来很大的困难，因为以单个花朵和整个花束的形状工作，以及识别花束和静物之间的关系，是一个困难的任务，需要一种特殊的方法和技术来执行静物。
在创建静物时，重要的是要观察方法序列。 在第一阶段，有必要确定生产的一般颜色和色调内容，主要颜色关系，有必要正确找到工作的组成，正确的物体比例，确定所有对象的位置并确定花束的大小。 可以使用花和形状的对比溶液来区分组合物的中心。
在几乎所有带有鲜花的静物中，花束是构图的中心，用作颜色和成分的重点，并且在颜色中执行它是处理这种静物的最困难的任务。 草图完成后，必须正确且最准确地将其转换为大格式，以及如何准确地确定静物构图中花束的位置。 然后你可以进入第二阶段的工作 - 用一束颜色实现静物。 你不能开始详细研究花束，你不需要分别写出每个花和叶，你需要了解花束在静物中占据的位置，它如何与背景和围绕它的物体，有必要确定花束的性质和花和叶的主要特征。
当用花束和草药进行静物时，你可以丰富和复杂的图像，通过使用新的油漆（体积，荧光，纹理），其他类型的艺术的各种效果（例如，从手）获得额外的效果 - 涂层面料 - 盐），有可能，艺术家设计师的一些专业技术在图像和各种纹理的转移，拼贴的技术和功能的应用等方面的运用。
用石膏头创造静物
在学术绘画技能的发展中非常重要的是用石膏模型制作的不断的工作，从简单的，仅由少量静物物体组成，到复杂的主题制作，包括人物和内部，以及作为多层次的复杂构图静物。 使用石膏头进行生产的重要性是由于石膏模型的颜色和图像有助于进一步研究静止规律。 与生活模型不同，石膏形式是无色的，因此通过环境的影响和照明的性质，可以更清楚地理解形状并传达白色。 使用石膏头进行静物工作有助于将注意力集中在表格上，从而可以更充分地研究这种形式，石膏模型的性质和比例，因为它没有任何运动，只有最具特色的细节才会显露出来。
在不同的历史时期和所有国家的绘画学校中，有兴趣描绘古希腊和古罗马的古董石膏模型和雕塑碎片。 在这样的静物画中，图像的主要主题是石膏头，石膏模型，它征服了周围的所有物体和帷幔。
静物与石膏是静物艺术中一个非常特殊的话题，其中人的自然科学，宗教和道德观点都是加密的。 在美术史上，有许多静物与石膏头的例子，这是高技能的一个例子。 杰出的俄罗斯艺术家Levitsky，K。Bryullov，A。Ivanov，在绘画和绘画技巧方面并不逊色于西方最伟大的大师，他们非常注重用石膏做静物画。 西方大师最着名的作品是J.-B.的“静物与艺术的属性”。 夏尔丹，写于1760年代。
用石膏头成功实施静物的主要条件是一致且系统的工作过程。 在演出静物画时，有必要确定作品的色彩和主题内容。 用各种颜色的石膏头进行静物有助于解决形成最准确再现颜色关系的技能的问题。
构图概念将扮演静物表演的重要角色。 有必要考虑构成静物的所有物体的布局，找到它们的轮廓，确定明暗量，颜色重点，尤其是白色石膏颜色的转移。
在做工作之前，您需要做几个颜色草图或研究。 这项工作的目的是研究绘画的规律，寻找颜色和作品的组成解决方案。 该研究由学生进行，以识别和传达自然界最具特色的线性塑性特征，静物的基本颜色和色调关系。
在使用彩色石膏时，艺术家应该非常注意微妙的色调过渡。 绘画中的语气含义非常重要。 绘画作品中颜色的错误色调会对作品的质量产生负面影响。 在使用石膏头处理静物时，以及在处理任何绘画时，您必须记住附近的物体具有不同的色调，并正确地确定这种色调差异。
文：Smirnov Vyacheslav Fedorovich