喜剧类型：幽默的演变 自动翻译

喜剧作为一种电影类型，几乎与电影的诞生同时出现，并从无声短片发展到现代喜剧大片，经历了漫长的发展历程。 第一部喜剧电影《乱洒》（L’Arroseur Arrosé）由卢米埃尔兄弟于1895年制作，讲述了一位园丁被水管浇湿的场景。这部49秒的电影开创了一种新的电影类型，并启发了观众。在过去的一个世纪里，喜剧经历了诸多演变，反映了技术创新、社会变革和公众品味的变迁。

无声电影时代与喜剧电影的诞生

默片喜剧作为一种电影风格，始于20世纪初。与默剧不同，默片喜剧是专门为无声时代（20世纪初至20世纪20年代）而发展起来的，当时大多数电影由于技术原因无法实现与对白同步的配乐。在那个时代，喜剧演员特别注重视觉和肢体幽默，运用“视觉噱头”来讲述故事，娱乐观众。

无声喜剧的许多技巧都借鉴了歌舞杂耍的传统，许多无声喜剧明星，例如巴斯特·基顿和查理·卓别林，都是从歌舞杂耍开始他们的演艺生涯的。这些笑料通常涉及夸张的暴力形式，这种风格后来被称为“闹剧”。闹剧喜剧技巧的经典例子包括摔倒、踩到香蕉皮、被水浇到以及脸上被馅饼砸到。

随着电影从最初专注于捕捉异域风情和日常动作的新鲜事物，发展成为20世纪初一个成熟的产业，电影制作人开始讲述在工作室编写和拍摄的虚构故事。1902年之前，这些影片通常只有几分钟的时长，并且只有一个镜头。到了1902年，像乔治·梅里爱这样的电影制作人开始使用多个镜头，制作更接近单卷片（约10分钟放映时长）的电影。喜剧在这一时期成为一个独特的电影类型。

第一位国际默片喜剧明星是马克斯·林德，一位曾就职于百代电影制片厂的法国喜剧演员。他饰演的角色是一位留着小胡子、头戴高礼帽的上流社会绅士，擅长将简单的场景和日常琐事转化为混乱的事件。他的喜剧风格被追随他脚步的默片喜剧演员广泛模仿。

查理·卓别林与流浪汉现象

查尔斯·斯宾塞·“查理”·卓别林爵士（1889年4月16日-1977年12月25日）是一位英国喜剧演员、导演兼作曲家，在无声电影时代声名鹊起。他的职业生涯始于儿童歌舞杂耍表演，跨越了维多利亚时代至20世纪70年代末的75年。卓别林凭借其银幕角色“流浪汉”一举成名，并被认为是电影史上最重要的人物之一。

流浪汉这个角色，留着独特的小胡子，戴着圆顶礼帽，拄着拐杖，步履蹒跚，成为世界历史上最具辨识度的形象之一，也是无声电影时代的象征。卓别林还为他的大部分电影担任编剧、导演、制片、剪辑和配乐。他是个完美主义者，经济独立使他能够花费数年时间开发和制作一个电影项目。

卓别林是一位默剧大师，有声电影的出现令他感到震惊。经过一番犹豫，他最终决定将1931年的电影《城市之光》以无声电影的形式发行，尽管1929年后有声电影已广为流行。这是一个甜蜜而感人的故事，流浪汉爱上了一位盲人卖花女，并发誓要让她重见光明。影片中唯一的“声音”元素 — — 配乐，由卓别林创作，并由他指挥录音；尽管缺乏对白，这部电影仍然取得了巨大的成功。

1936年，卓别林发行了《摩登时代》，这是一部本质上是无声电影的混合电影，加入了音乐、音效和简短的对话片段。卓别林还为流浪汉配上了声音，用胡言乱语唱了一首歌。卓别林饰演一位默默无闻的工厂工人，他被迫从事着毫无意义的工作：拧紧装配线上飞驰而下的零件上的螺栓，这让他失去了人性。这是好莱坞最后一部无声电影，但观众仍然蜂拥而至。最重要的是，这是流浪汉的最后一次演出。

巴斯特·基顿和巨石人脸

约瑟夫·弗兰克·“巴斯特”·基顿（1895年10月4日-1966年2月1日）是一位美国演员、喜剧演员和导演。他最出名的作品是20世纪20年代的默片，他在片中展现了肢体喜剧和富有创意的特技。他经常保持着一种冷漠、面无表情的表情，这成为他的标志性特征，也为他赢得了“巨石脸”的绰号。

基顿从小就是一位杂耍明星，曾作为家庭剧团的成员巡回演出。成年后，他开始与独立制片人约瑟夫·M·申克和导演爱德华·F·克莱恩合作，并在20世纪20年代初与他们合作拍摄了一系列成功的双卷喜剧，包括《一周》（1920年）、《鬼屋》（1921年）、《警察》（1922年）和《带电屋》（1922年）。之后，他开始拍摄剧情长片；其中几部至今仍备受好评，例如《福尔摩斯二世》（1924年）、《将军号》（1926年）、《小比尔号汽船》（1928年）和《摄影师》（1928年）。《将军号》或许是他最受赞誉的作品；奥逊·威尔斯认为它是“有史以来最伟大的喜剧……或许也是有史以来最伟大的电影”。

基顿的喜剧风格独树一帜，与同时代的许多喜剧演员截然不同。当时许多喜剧演员都依赖夸张的面部表情和肢体动作，而基顿则保留了他著名的“石板脸”。这种缺乏表情的表情，加上他非凡的肢体能力，营造出一种既微妙又有力的喜剧效果。

影评人大卫·汤姆森后来这样描述基顿的喜剧风格：“巴斯特显然是一个只相信数学和荒诞之事的人……就像一个永远在寻找正确等式的数字。看看他的脸 — — 如此美丽，却又如此非人，如同蝴蝶 — — 你会看到他完全无法辨别情感。” 吉尔伯托·佩雷斯评论道：“基顿作为演员的天赋，他能保持面无表情，却又能通过微妙的语调，生动地表达出内心世界。他那双大而深邃的眼睛是他最有表现力的特征；只需一个眼神，他就能传达出各种各样的情感，从渴望到难以置信，从困惑到悲伤。”

哈罗德·劳埃德与诡计喜剧时代

哈罗德·克莱顿·劳埃德（Harold Clayton Lloyd Sr.，1893年4月20日-1971年3月8日）是一位美国演员、喜剧演员和特技演员，曾出演过多部无声喜剧电影。作为无声时代最具影响力的喜剧演员之一，劳埃德在1914年至1947年间拍摄了近200部喜剧电影，包括无声电影和有声电影。他饰演的“眼镜男”是一位足智多谋、雄心勃勃的狂热分子，捕捉到了20世纪20年代美国的时代精神。

他的电影经常以“惊险刺激的片段”为特色，包括长时间的追逐戏和大胆的肢体动作。在《安全第一》（1923年）中，劳埃德悬挂在街道上方高处的钟表指针上（这很危险，但摄像机角度夸大了这种危险），被认为是电影史上最经久不衰的画面之一。尽管在1919年8月为罗奇工作室拍摄宣传照时受伤，劳埃德还是自己表演了一些危险性较低的特技。一场事故中，一枚炸弹被误认为是道具，导致他失去了右手的拇指和食指（这处伤势在之后的电影中被一只特制的假肢手套掩盖，在银幕上几乎看不出来）。

劳埃德自幼对戏剧产生兴趣，并在剧目剧团工作。他经常尝试化妆来掩饰自己年轻的外表。20岁时，劳埃德搬到洛杉矶，在基斯通电影公司（Keystone Film Company）的几部喜剧中担任配角。

与他同时代的著名演员卓别林和基顿（他们分别塑造了独特而永恒的角色 — — 流浪汉和石面人）不同，劳埃德扮演的是一位精力充沛、乐观向上的美国青年，在“咆哮的二十年代”奋斗。他的眼镜成为了与卓别林的礼帽和手杖一样具有辨识度的道具，象征着在现代快节奏的世界中努力生存的典型都市人。

有声电影的过渡与喜剧的变革

1927年《爵士歌手》的问世标志着有声电影喜剧演变的重要转折点。在有声电影的早期（始于1927年），一些演员为了营造喜剧效果，仍然选择默片表演。最著名的例子是查理·卓别林，他将其默片风格延续到了有声电影时代，他最后几部伟大的无声喜剧《城市之光》（1931年）和《摩登时代》（1936年）的制作都是在有声电影成为主流之后。另一个著名的例子是哈勃·马克思，他在马克思兄弟的电影中总是扮演哑剧演员。

有声电影早期，闹剧喜剧的数量显著减少。早期有声摄影机体积庞大，机动性有限，技术限制使其难以捕捉无声电影时代标志性的肢体动作喜剧片段。此外，有声电影的出现使得对话、妙语和语言幽默更加受到重视，这改变了电影喜剧的本质。

无声喜剧的一个重要遗产是动画中的幽默。真人喜剧重新聚焦于言语幽默，例如艾伯特与科斯特洛和格劳乔·马克斯的妙语连珠，而动画片则囊括了各种闹剧梗、疯狂的追逐场景、视觉双关语以及夸张的面部表情，这些都是无声喜剧的典型特征。这些元素在华纳兄弟鲍勃·克兰佩特、查克·琼斯和弗里兹·弗雷伦执导的《乐一通》和《快乐小旋律》动画片中尤为突出，也出现在特克斯·艾弗里执导的米高梅动画片、威廉·汉纳和约瑟夫·巴伯拉执导的《猫和老鼠》动画片以及哈曼和伊辛执导的动画片中。

20世纪60年代和70年代，有几部电影向无声喜剧时代致敬或借鉴。《疯狂世界》 (It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World) 就采用了那个时代的演员和笑料，而布莱克·爱德华兹 (Blake Edwards) 的《伟大的比赛》 (The Great Race) 和梅尔·布鲁克斯 (Mel Brooks) 的《无声电影》 (Silent Movie) 则是一次全面的致敬。彼得·博格丹诺维奇 (Peter Bogdanovich) 的《怎么了，医生？》 (What’s Up, Doc?) 也包含了闹剧笑料和基斯通 (Keystone) 风格的追逐场景，这些创意预示了后来在《福禄双霸天》 (The Blues Brothers) 和《空前绝后满天飞》 (Airplane!) 等电影中出现的许多幽默元素。

马克思兄弟与言语幽默革命

马克思兄弟是美国家庭喜剧团体，以其奔放的幽默、快速的口才和视觉噱头而闻名。他们在歌舞杂耍、百老汇以及14部电影中都取得了成功。核心团队由奇科·马克思、哈波·马克思和格劳乔·马克思三兄弟组成；他们的弟弟古莫和泽波在职业生涯早期也加入了他们。评论家、学者和影迷们认为他们是20世纪最伟大、最具影响力的喜剧演员之一，美国电影协会（AFI）也高度评价了这一成就。AFI将他们十四部剧情片中的五部入选百部最伟大的喜剧电影（其中两部进入前十五名），并将他们列为AFI“百年百大巨星”（100 Years… 100 Stars）榜单上唯一入选的演员组合，该榜单涵盖了经典好莱坞电影中最伟大的25位男演员。

他们的表演生涯深受母亲明妮·马克斯的影响，1905 年，14 岁的格劳乔登台亮相，从此开始了表演生涯。随后，古默和哈波也加入了他的行列。1911 年，奇科开始独立进行杂耍表演，1912 年又加入了兄弟们的行列。古默在第一次世界大战中参军，泽波取代了古默。兄弟俩一直一起在杂耍表演中演出，直到 1923 年，由于与 EF 阿尔比发生争执，他们发现自己被禁止进入主要的杂耍剧团。在未能在舒伯特轮换剧团中演出后，他们移居百老汇，凭借一系列热门音乐喜剧获得了相当大的成功，其中包括《我会说她是》、《椰子》和《饼干野兽》。

1928年，兄弟俩与派拉蒙影业达成协议，将《椰子》制作成电影版。此前，他们在百老汇《饼干野兽》演出期间，曾在阿斯托利亚工作室拍摄过这部电影。《椰子》于1929年上映，不久后，《饼干野兽》也推出了电影版。兄弟俩决定将自己的职业生涯奉献给电影事业，于是搬到了洛杉矶，在那里他们又为派拉蒙影业拍摄了三部电影：《猴子生意》（1931年）、《马毛》（1932年）和《鸭汤》（1933年）。

马克斯兄弟的喜剧风格在当时具有革命性。格劳乔擅长快速犀利的言语幽默，经常扮演傲慢的权威人物，并用自己荒诞的言行来贬低他们。奇科则是一个典型的意大利裔美国人角色，以其语言双关语和精湛的钢琴演奏而闻名。哈波在银幕上是哑剧演员，通过哑剧、号角和竖琴演奏进行交流，他的名字也由此而来。泽波通常扮演正直的年轻浪漫英雄。他们融合了智慧的言语幽默、肢体喜剧和音乐表演，创造出一种独特的喜剧风格，影响了一代又一代的喜剧演员。

闹剧是喜剧中永恒的元素

闹剧电影是运用闹剧式幽默的喜剧电影，这种肢体喜剧强调跌倒、绊倒、恶作剧和失误，而非对话、情节和人物发展。这类电影中的肢体喜剧包含卡通风格的暴力，但大多是无害且略带滑稽的。

无声电影中也有一些闹剧喜剧，包括巴斯特·基顿、查理·卓别林、基斯通警察和哈罗德·劳埃德主演的电影。这些喜剧演员经常将他们的闹剧与社会评论交织在一起，而像艾伯特和科斯特洛、劳莱与哈代以及三个臭皮匠这样的喜剧演员则没有这样做。闹剧指的是不受限制的动作和时间，包括滑稽的外表或滑稽的表演。

早期电影摄影的技术限制塑造了闹剧的审美。当时的电影通常由单帧静态画面构成 — — 本质上是一场拍摄完成的表演 — — 喜剧演员们尝试着在这个静止的画面中展现更多可能。这通常包括角色在画面中进出、快速变换服装或姿势，或以肢体滑稽的方式与道具互动。随着电影制作的演变，闹剧也随之演变，融入了更复杂的场景、剪辑和电影技巧。

即使随着有声电影的出现，闹剧元素也从未完全从电影中消失。许多现代喜剧仍然包含肢体幽默的片段，尽管形式通常更为低调，或与其他喜剧风格相结合。从20世纪90年代的金·凯瑞电影到现代喜剧，闹剧的影响在电影喜剧中依然可见。

艾博特和科斯特洛：传奇喜剧二人组

阿博特和科斯特洛的首次合作源于科斯特洛的搭档生病，阿博特同意顶替他。他们一拍即合，很快便形成了标志性的表演风格：阿博特饰演严肃、理性的角色，而科斯特洛则饰演感性、滑稽的角色。这种“正人君子”/“喜剧演员”的默契成为他们成功的基础，并影响了未来几十年无数的喜剧组合。

他们的广播生涯始于1938年，当时他们出现在《凯特·史密斯时间》（The Kate Smith Hour）节目中。制片人注意到两位喜剧演员的声音听起来过于相似，在快节奏的对话中容易让听众感到困惑。科斯特洛通过将自己的声音改变成他标志性的高音来解决这个问题。到1940年，他们推出了自己的广播节目《艾博特和科斯特洛秀》（The Abbott and Costello Show），该节目一直播出到1949年，吸引了包括弗兰克·辛纳屈、加里·格兰特和露西尔·鲍尔在内的众多名人嘉宾。

“谁在一垒？”：完美素描的剖析

两人最著名的节目是《谁在一垒？》（Who’s on First Base?），在他们的广播节目开播后不久就首次演出。这出喜剧佳作巧妙地运用了文字游戏：一支棒球队的球员分别被命名为“谁”、“什么”和“我不知道”。当科斯特洛试图弄清楚球员的名字时，一场精彩的文字混淆随之而来：“谁在一垒？” — — “是的。” — — “我说，谁在一垒？” — — “正是如此！”

这出小品大受欢迎，艾博特和科斯特洛表演了数千场，每次都略作改动。2015-2016年，百老汇戏剧《上帝之手》未经许可使用了这出小品，甚至因此引发了一场版权侵权诉讼。美国最高法院最终裁定，对这出小品的使用不符合合理使用原则，凸显了这部喜剧的文化和商业价值。

单口喜剧：从杂耍到现代

单口喜剧作为一种独立的体裁，始于19世纪末20世纪初，当时喜剧独白开始从各种杂耍节目中脱颖而出。最初，这些表演只是在其他节目之间进行的简短幽默观察和轶事。

马克·吐温被认为是喜剧流派的先驱之一 — — 他幽默的演讲为美国单口喜剧传统奠定了基础。杂耍剧的竞争环境迫使喜剧演员发展出独特的风格和幽默手法，以期在众多艺人中脱颖而出。这种创造性的竞争塑造了许多至今仍在现代喜剧中运用的技巧。

随着20世纪30年代歌舞杂耍的衰落，喜剧演员将表演场地转移到夜总会、剧院和广播电台。新的单口喜剧形式注重叙事和观察式幽默，创造了一种独特的美式喜剧风格。从歌舞杂耍到现代单口喜剧的转变，标志着喜剧演员娱乐观众方式的重大转变。

电视革命与情景喜剧的诞生

随着20世纪50年代电视的出现，喜剧找到了新的发展平台。情景喜剧因其能够定期与观众互动而占据主导地位。情景喜剧的先驱是《 我爱露西》 （1951-57），露西尔·鲍尔和德西·阿纳兹不仅在这部剧中创造了家庭喜剧的标准，还彻底改变了制作流程。他们的创新 — — 用三台摄像机在现场观众面前拍摄 — — 成为了行业标准。这种方法在保持电影技术质量的同时，也保留了戏剧制作的动态性。

《我爱露西》 的成功证明了电视喜剧作为一种艺术形式的可行性。该剧集将根植于杂耍传统的肢体幽默与尖锐的对话相结合，批判了当时的性别刻板印象。1952年的《糖果传送带》片段中，露西试图包装巧克力却失败了，成为了视觉喜剧在小屏幕上重新演绎的典范。

家庭喜剧的演变：从哈莱姆到郊区

20世纪50年代和60年代，情景喜剧的题材不断拓宽。 《我爱露西》 聚焦于婚姻关系，而 《蜜月秀》 （1950-65年）则探讨了工人阶级的生活， 《快乐的日子》 （1974-84年）则探讨了对战后美国的怀旧之情。其中最引人注目的是 《配偶》 （1955-56年），这部黑白剧讲述了一位纽约出租车司机和一位家庭主妇之间的婚姻冲突。其粗俗的幽默和对人物缺乏理想化的刻画，为后来的 《一家子》 等作品奠定了基础。

这些剧集成功的关键在于将可识别的角色与社会潜台词相结合。例如，在1961-66年的 《迪克·范·戴克秀》 中，作家总部的办公室生活场景戏仿了企业文化，并结合了无声电影风格的肢体语言，保持了轻松愉快的氛围。

社会讽刺与观察喜剧

20世纪50年代和60年代，单口喜剧的社会意识逐渐增强。莱尼·布鲁斯、理查德·普赖尔和乔治·卡林用幽默批判社会问题，挑战社会禁忌。他们的表演常常引发争议，但他们却突破了公众讨论的界限。

20世纪70年代和80年代，杰瑞·宋飞（Jerry Seinfeld）推广了“观察喜剧”（observational comedy），这种喜剧关注的是日常生活中的荒诞。他那“你有没有注意到……？”的幽默手法成为了一代喜剧演员的范本。这种幽默形式之所以能引起大众的共鸣，是因为它调侃了日常生活中常见的各种情况。

社交媒体对现代喜剧的影响

社交媒体彻底改变了21世纪的喜剧格局。它已成为喜剧演员的主要平台，让他们能够直接与观众互动，无需传统的中介。以笑话、恶作剧和小品为特色的短视频已成为吸引注意力和传播的最有效方式之一。

但这种新环境也带来了新的挑战。BBC喜剧部门主管肖恩·艾伦指出：“在社交媒体上，三条推文就能引发轩然大波……人们更容易被冒犯，因为他们断章取义。有时他们会混淆笑话的主体和对象。” 这种快速批评和缺乏背景信息的倾向，给处理争议性话题的喜剧演员带来了挑战。

另类喜剧与混合形式

到2025年，另类喜剧将呈现四大趋势。首先是媒体形式的融合：现代喜剧演员身兼编剧、演员、导演和制片人，在单口喜剧、播客、社交媒体和剧本内容之间自由切换。博·伯纳姆的《Inside》就是一个例子，它将单口喜剧、音乐和纪录片融合在一起，反思疫情隔离期间的经历。

第二个趋势是基于身份的喜剧，特定的人生经历成为幽默的源泉。像帕蒂·哈里森和乔尔·金·布斯特这样的喜剧演员分别根据自己作为跨性别女性和亚裔美国人的经历创作了喜剧素材。

第三个趋势是“网络原生”喜剧，专为数字平台创作。其特点是格式紧凑，适合短时间观众观看，通常通过迭代和观众参与等方式进行合作创作。

第四个趋势是后讽刺与新的真诚。在几十年的讽刺式抽离之后，喜剧演员开始将真挚的情感和直接的道德宣言融入到他们的表演中。像《赫克斯》和《保留地的狗》这样的节目将犀利的幽默与真实的情感表达结合在一起。

史蒂夫·卡瑞尔：一位喜剧演员的进化

史蒂夫·卡瑞尔代表了一种与他的许多前辈截然不同的现代喜剧手法。他最大的优势之一在于，在自己的喜剧中不自负。与一些对自己的幽默过分自信的喜剧明星不同，卡瑞尔不会试图将自己的才华强加于观众。

他的突破性角色出现在2004年的《王牌播音员》中，饰演天​​气预报员布里克·塔姆兰。即使在试镜时，卡瑞尔也知道自己必须尽可能严肃地演绎这个角色，这样才能让他滑稽的台词和令人毛骨悚然的笑声更加滑稽。观众之所以会笑，部分原因是他们有点害怕这个角色。

卡瑞尔持续展现其才华，成功将喜剧和戏剧角色完美融合。他的喜剧手法谦逊而富有人情味，使他的角色引人入胜，令人产生共鸣。与那些依赖夸张个性的喜剧演员不同，卡瑞尔塑造的角色尽管古怪，却依然保留着深刻的人性。

伪纪录片与电视幽默新浪潮

2005年，电视喜剧迎来了转折点 — — 《办公室》（The Office） 的上映。这部改编自瑞奇·热维斯英国剧集的美国版《办公室》。该剧采用仿纪录片的形式，重新构想了传统的情景喜剧结构。摄像机观察员捕捉到了尴尬的停顿、侧目和即兴表演，营造出一种“凌乱”的现实主义效果。

史蒂夫·卡瑞尔饰演的区域经理迈克尔·斯科特，他体现了一位无能领导者的典型形象，他试图表现得开朗干练，却最终落得尴尬的下场。他的角色将幼稚的热情与对孤独的病态恐惧融为一体，为典型的办公室场景增添了悲喜剧色彩。在多元化培训课上即兴表演单口喜剧的场景（ 2005年 《多元化日》 一集）成为了尴尬幽默的典范，观众既会嘲笑主人公，又会和他一起发笑。

从肢体搞笑到心理现实主义

迈克尔·斯科特角色的演变反映了喜剧人物日益复杂的普遍趋势。虽然像卓别林笔下的流浪汉这样的经典角色仍然是象征性的，但现代角色需要心理的真实性。《 办公室》的 编剧运用了“角色陷阱”技巧：搞笑的情节并非源于外部环境，而是源于角色的内在矛盾。例如，迈克尔执着于成为“团队最好的朋友”，这导致他侵犯了员工的个人界限，从而引发了冲突。

这种方法影响了 2010 年代的“悲伤喜剧” — — 《硅谷》 、 《神烦警探》 、 《公园与游憩》 — — 这些电影通常依靠人物的野心和局限性之间的矛盾来产生幽默，给笑声带来一丝忧郁。

数字时代与类型解构

随着2010年代流媒体平台的兴起，喜剧面临着适应碎片化观众群体的挑战。像 《办公室》 这样的剧集催生了一种名为“背景电视”的新模式，观众可以在舒缓的背景中重温剧集。这改变了笑话的结构，从妙语变成了模因式的重复台词（ 《办公室 》里的“她就是这么说的” ）。

与此同时，一些打破“第四面墙”的实验性项目也应运而生。 《废 柴联盟 》（2009-2015）将对经典电影的后现代主义借鉴与动漫式枕头大战等荒诞情节相结合。阿齐斯·安萨里的 《长笛》 （2020）则彻底摒弃了传统的“预演-妙语”结构，通过即兴对话探索数字交流的尴尬。

尽管科技进步，喜剧的基本原则仍然与早期时代息息相关。TikTok 视频博客注重视觉噱头，时长 15-60 秒，这与无声短片的结构相呼应。“无声”视频（无对白）的流行直接借鉴了卓别林的哑剧，并将其改编成适合以剪辑为思维模式的一代人的作品。

当代喜剧越来越摒弃必须在搞笑与意义之间做出取舍的理念。最引人入胜的作品兼具两者。这让我们回想起卓别林等先驱的遗产，他们将喜剧与社会评论相结合，并融入了新的技术可能性，并置于全球化、数字化的背景下。