艺术定义：意义，视觉艺术分类 自动翻译

没有普遍接受的艺术定义。 尽管通常用来描述某种 美感 或产生 美学 效果的技巧，但在原理上（例如说）一幅独特的手工雕塑与量产但在视觉上具有吸引力的物品之间，原则上并没有明确的界限。 我们可能会说艺术需要思考-某种创造性的冲动-但这引发了更多问题：例如，需要多少思考？ 如果有人在画布上猛扑颜料，希望通过这种动作来创作艺术品，那么结果是否自动构成艺术品？

甚至“美”的概念也提出了明显的问题。 如果我认为我小妹妹的未整理的床构成了“美丽”的东西，或者在美学上令人愉悦，这是否使其成为艺术品？ 如果不是这样，如果有一百万人同意我的身份，它的地位是否会改变，但是我的小妹妹认为这只是一堆衣服？

艺术：形式，类型和类型的多样性

在定义艺术之前，首先要意识到的是它的广阔范围。

艺术是一项全球性活动，涵盖了 许多学科 ，这一点已被发明用来描述其各种形式的一系列单词和短语所证明。 这样的用语的示例包括：“美术”，“文科”，“视觉艺术”，“装饰艺术”，“应用艺术”，“设计”，“工艺”，“表演艺术”，等等。

钻取后，根据使用的 材料 分类了许多特定的类别，例如：绘画，绘画，雕塑（包括陶瓷雕塑），“玻璃艺术”，“金属艺术”，“发光福音手稿”，“气溶胶艺术”， “美术摄影”，“动画”等等。 子类别包括：油画，水彩，丙烯酸类； 青铜，石材，木材，瓷器雕塑； 仅举几例。 其他子分支包括不同的 流派 类别 ，例如：叙事，肖像，流派作品，风景，静物。

此外，在20世纪出现了 全新的艺术形式 ，例如： 装配 ，概念主义， 大学 ，土方工程， 安装 ，涂鸦和视频，以及挑战概念性“艺术品”的基本价值的广泛的概念主义运动。 有关更多信息，请参见： 艺术类型 。

艺术的定义受时代和文化的限制

要注意的另一件事是，艺术反映并属于其产生的 时代 和 文化 。

毕竟，我们如何比较史前壁画（例如石器时代的洞穴壁画）或 部落艺术 或本机 海洋艺术 或原始 非洲艺术 在西斯廷教堂的墙壁和天花板上放着米开朗基罗的16世纪旧约壁画？ 政治事件是影响艺术的最明显的时代因素：例如，表现主义，达达和超现实主义等艺术风格是政治不确定性和动荡的产物。

文化差异也是自然边界。 毕竟，西方的绘画技术离中国书法还差很多年。 西方艺术形式与 折纸折纸 来自日本？ 宗教是一种主要的文化变量，可以改变艺术信封的形状。 巴洛克风格受到天主教反改革的强烈影响，而 伊斯兰艺术 （例如东正教基督教），禁止使用某些类型的艺术肖像。

换句话说，无论我们对艺术的定义是什么，它必然都局限于我们的时代和文化。 即使这样， 局外人艺术 必须考虑在内。 也可以看看： 原始主义/原始艺术 。

结论

从上面可以看出，艺术世界是一个高度复杂的实体，不仅在形式和类型的多样性方面，而且在历史和文化根源方面也是如此。 因此，关于可以被标记为艺术的简单定义，甚至是广泛的共识，都可能难以捉摸。

艺术定义史

有关运动和时期的指南，另请参阅： 艺术史 。

艺术的古典意义

原始的古典定义源自拉丁词“ ars”（意为“技能”或“工艺”），是一个有用的起点。 这种广泛的方法导致将艺术定义为：“知识体系的产物，通常使用一组技能。” 因此，文艺复兴时期的画家和雕塑家仅被视为高技能的工匠（室内装饰师？）。 难怪达芬奇（Leonardo Da Vinci）和米开朗基罗（Michelangelo）进行了这样的努力，以将艺术家的地位（以及通过暗示艺术本身）提升到一个更具智力的层面。

文艺复兴后的艺术意义

欧洲伟大的艺术学院的出现反映了该学科的逐步升级。 哲学的崭新和开明的分支也促成了这种形象的改变。 到18世纪中叶，仅仅展示技术技能还不足以成为艺术。现在，它需要一种“美学”成分，必须将其视为“美丽”。

同时，“功利主义”（功利性或实用性）的概念被用来区分绘画和雕塑等较崇高的“美术”（为艺术而发展的艺术）与较小形式的“应用艺术”，例如作为手工艺品和商业 设计 作品，以及装饰性“装饰艺术”，例如纺织品设计和室内设计。

因此，到19世纪末，艺术至少被分为两大类：美术和其他艺术。这种情况反映了欧洲机构的文化势利和道德标准。 此外，尽管人们对文艺复兴时期意识形态的美学标准的信念有所削弱-在整个美术界仍然具有强大的影响力-即使绘画和雕塑也必须符合某些美学规则，才能被视为“真实艺术”。

20世纪初的艺术意义

然后是立体主义（1907-14年），它动摇了艺术机构的基础。 不仅仅是因为毕加索引入了绘画和雕塑的非自然主义分支，还因为它打破了艺术与周围世界如何联系的一神论文艺复兴时期的方法。 因此，立体主义的主要贡献是充当了许多新运动的催化剂，这些运动极大地扩展了艺术的理论和实践，例如至上主义，建构主义，达达主义，新塑性主义，超现实主义和概念主义，以及各种现实主义风格，例如“社会主义和社会主义现实主义”。 在实践中，新样式和艺术技术的激增导致艺术意义和定义的新拓宽。 美术摆脱了其“文艺复兴时期的紧身衣”和所有与“客观性”相关的规则（例如，在视角，可用材料，内容，组成等方面），如今已成为“主体性”的重要组成部分。 艺术家突然发现自己有更大的自由根据自己的主观价值创作绘画和雕塑。 实际上，可以说从这一点开始，“艺术”开始变得“​​不确定”。

由于大量增加的商业产品的可用性，装饰和应用艺术经历了类似的转变。 但是，相关设计和手工艺学科数量的增加对整体艺术品的定义和意义没有任何重大影响。

第二次世界大战后的艺术意义

第二次世界大战的灾难导致巴黎沦为世界艺术之都，并被纽约所取代。 这种新的美国取向鼓励艺术更多地成为一种商业产品，并使其与现有的审美主义传统失去联系-抽象表现主义，波普艺术的兴起以及像安迪（Andy）这样的新型名人艺术家的活动进一步推动了这一趋势。沃霍尔。 突然之间，即使是最平凡的物品和概念也提升为“艺术”的地位。 在这种民粹主义方法的影响下，概念主义者引入了新的艺术形式，例如组合，装置，视频和表演。 在适当的时候，涂鸦添加了自己的标记，许多重新诠释的样式也是如此，例如 新达达 ， 新表现主义 ，以及Neo-Pop，仅举三个。 全世界的艺术院校都尽职尽责地宣扬了新的多神论，为神灵的篝火增添了更多动力。 文艺复兴时期的艺术 传统。

后现代主义与艺术的意义

20世纪后三十年，对艺术的重新定义已为后现代主义运动的理论家增加了智力上的分量。 根据后现代主义者的观点，重点已经从艺术技能转移到所创作作品的“意义”上。 此外，观众如何“体验”作品已成为其美学价值的重要组成部分。 像达米安·赫斯特（Damien Hirst）这样的当代艺术家以及吉尔伯特（Gilbert）和乔治（George）的惊人成就，都清楚地证明了这一观点。 有关实验艺术家的更多信息，请参见： 前卫艺术 。

艺术的有效定义

鉴于“艺术”一词的这一历史发展，人们也许可以粗略地尝试对该主题的“可行”定义进行如下尝试：

当艺术家创造出美丽的物体或产生刺激性的体验时，即被观众认为具有艺术价值的艺术就被创造出来。

这仅仅是一个“可行的”定义：范围广泛，足以涵盖大多数当代艺术形式，但范围又足够窄，以排除“艺术”内容低于公认水平的“事件”。 另外，请注意，包括“艺术家”一词是为了考虑到作品的背景； 包括“美丽”一词，以反映对某些“美学”价值的需求； 而“观众认为具有艺术价值”一词则包括在内，以反映对艺术家作品的某些基本接受的需求。

艺术理论与哲学：讨论问题

问：如果我们欣赏它的积极影响，是否需要定义艺术？

几百年甚至几千年来，人们一直受到艺术品的情感影响-有时不堪重负： 希腊雕塑 ，到拜占庭式的建筑，文艺复兴时期和巴洛克时期的惊人创造力 老大师 如Donatello，Raphael和Rembrandt，以及 著名画家 像梵高，毕加索和奥古斯特·罗丹这样的现代人。 诗歌，芭蕾舞和电影同样可以令人振奋。 因此，尽管我们可能无法精确解释什么是艺术，但我们不能否认它对我们生活的影响-原因之一 公共艺术 值得支持。

问：艺术意义的定义对我们有何帮助？

创造力的本质意味着无法对其进行定义和完善。 任何这样做的尝试都会很快过时，因此毫无意义，甚至适得其反。 例如，如果某个艺术家生产的作品经人们普遍接受是“艺术”，但是却未被艺术机构所接受，该怎么办？ 值得记住的是，我们仍然无法定义“表”或“大象”，但这并不会给我们带来太大的困难！

问：艺术仅仅是我们个人价值观的体现吗？

可以说，对文艺复兴时期的艺术有一定认识的人，因此对传统绘画有合理的了解，与没有这种理解的人相比，不太可能将后现代主义装置视为艺术。 同样，一个热爱电视并认为博物馆通常比较无聊和令人兴奋的人，与对传统博物馆展览感到满意的人相比，当代录像艺术更容易给他们留下深刻印象。 因此，人们可能会说一个人对艺术的态度比艺术本身更能说明其个人价值。

问：谁有权定义艺术品？

由于没有共识 艺术评论家 关于艺术的含义可能很快出现，应该允许哪一组“专家”负责：艺术家，社会学家，历史学家，律师，哲学家，考古学家，人类学家或心理学家？ 毕竟，世界上到处都是所谓的“专家”，包括结构主义者，程序主义者，功能主义者，以及通常的政治理论家（如马克思主义者）等等，他们对什么才算是艺术无法达成共识。 那么我们把工作交给谁呢？

艺术品如何分类？

传统和当代艺术包括以下各种活动：

建筑，音乐，歌剧，剧院，舞蹈，绘画，雕塑，插画，绘画，卡通，版画，陶瓷，彩色玻璃，摄影，装置，录像，电影和摄影等，仅举几例。

所有这些活动通常被称为“艺术”并且是普遍的。 分为几个重叠的类别，例如： 精美 ， 视觉 ， 塑料 ， 装饰 ， 应用 和 表演 。

关于这些类别的确切组成仍然存在分歧，但这是一个公认的分类。

1.美术

该类别包括那些主要出于美学原因（“为艺术而艺术”）而非商业或功能用途而创作的艺术品。 专为提升生活品质而设计， 美术 通常表示传统的西欧“高级艺术”，例如：

起源于中国的另一种西方美术是 书法 ：程式化写作的高度复杂形式。

美术的演变

经过原始形式的洞穴绘画，雕像雕塑和其他类型的 古代艺术 ，出现了希腊艺术和其他古典时期流派的黄金时代。 罗马的洗劫（约400-450年）引入了黑暗时代的死亡时期（约450-1000年），只有 凯尔特人的艺术 以及终极La Tene凯尔特人设计，此后西方艺术史上散布着各种各样的艺术“风格”或“运动”，例如：哥特式（c.1100-1300），文艺复兴（c.1300- 1600），巴洛克（17世纪），新古典主义（18世纪），浪漫主义（18-19世纪），现实主义和印象派（19世纪），立体派，表现主义，超现实主义，抽象表现主义和波普艺术（20世纪）。

对于现代主义的简要回顾（c.1860-1965），请参见 现代艺术运动 ; 有关后现代主义的指南（约1965年至今），请参见我们的主要列表 当代艺术运动 。

传统

美术是传统的 学术艺术 在 一流的 学校任教，例如佛罗伦萨的 Accademia dell’Arte del Disegno ，罗马的 Accademia di San Luca ，巴黎的 Académiedes Beaux-Arts 和伦敦的皇家学院。 这些学院的主要遗产之一是它们的理论 线性透视 和他们的排名 绘画风格 ，将所有作品分为5种类型：历史，肖像，流派场景，风景或静物。

赞助

自基督教问世以来，最大，最重要的美术赞助商便是基督教教堂。 因此，毫不奇怪，最大的绘画和/或雕塑作品是 宗教艺术 ，以及其他特定形式，例如 图标 和 祭坛艺术 。

2.视觉艺术

视觉艺术 包括所有美术，新媒体和当代表现形式，例如“集会”，“拼贴”，“ 概念上的 ，安装和表演艺术，以及 摄影 ， （也可以看看： 摄影艺术吗？ ）和基于电影的形式，例如 录像艺术 和 动画 ，或其任何组合。 经常在巨大规模下创建的另一种类型是新 环境土地艺术 。

3.造型艺术

期限 造型艺术 通常表示使用可以以某种方式进行模制，成形或操纵（塑化）的材料的三维作品：例如粘土，石膏，石材，金属，木材（雕塑），纸张（折纸）等。 对于由日常材料和“ 找到的对象 ”，包括马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）的“ 现成品 “（1913-21），请参阅： 垃圾艺术 。

4.装饰艺术

传统上，该类别表示功能性但装饰性的艺术形式，例如玻璃，粘土，木材，金属或纺织品中的作品。 这包括所有形式的 首饰 和 马赛克艺术 ， 以及 陶瓷 ，（以装饰精美的样式为例 古代陶器 特别是 中文 和 希腊陶器 ）家具，摆设， 彩色玻璃 和 挂毯艺术 。 注意到的样式 装饰艺术 包括： 洛可可艺术 （1700-1800）， 拉斐尔前派兄弟会 （fl。1848-55）， JAPONISM （c.1854-1900），新艺术运动（c.1890-1914），装饰艺术（c.1925-40），爱德华七世时代和复古风格。

可以说，欧洲 最大 的装饰艺术或应用艺术时期是在17/18世纪的法国皇家宫廷。 有关更多信息，请参见： 法国装饰艺术 （c.1640-1792）; 法国设计师 （c.1640-1792）; 和 法国家具 （c.1640-1792）。

5.表演艺术

此类型是指公共表演事件。 传统品种包括剧院，歌剧，音乐和芭蕾舞。 现代的 表演艺术 还包括以艺术家的身体状态为媒介的任何活动。 因此，它涵盖了哑剧，脸部或人体彩绘等。 一种超现代的表演艺术被称为 精彩 。

6.应用艺术

此类别涵盖所有涉及将美学设计应用于日常功能对象的活动。 美术可以给观众带来智力上的刺激， 应用艺术 根据设计中的美学原理创造出实用的物品（杯子，沙发或沙发，时钟，椅子或桌子）。 民间艺术 主要参与这种类型的创意活动。 应用艺术包括建筑， 电脑艺术 ，摄影，工业设计，图形设计，服装设计，室内设计以及所有装饰艺术。 注意的样式包括 包豪斯设计学院 ， 以及 新艺术运动 和 艺术装饰 。 20世纪应用艺术最重要的形式之一是 建筑 ，特别高 摩天大楼建筑 ，它主导着纽约，芝加哥，香港和世界其他许多城市的城市环境。 有关此类公共艺术的评论，请参见： 美国建筑 （1600至今）。

“艺术与手工艺”辩论

根据传统的艺术理论，“艺术”与“工艺”之间存在根本区别。 简而言之，尽管两项活动都涉及创新技能，但前者涉及较高的智力投入。 根据这种分析，一个篮子编织工（比如说）将被视为一个工匠，而一个袋子设计者将被视为一个艺术家。 艺术与艺术之间的这种人为的区别 工艺 ，功能是关键因素。 因此，设计和制造诸如戒指或项链之类的非功能性物品的珠宝商将被视为艺术家，而钟表匠将是手工艺者； 制造玻璃的人可能是工匠，但是制造彩色玻璃的人是艺术家。 这个想法是艺术家在某种程度上是优越的，因为他们“创造”了美丽的东西，而工匠则执行重复的或纯粹的功能性动作。 该理论背后可能存在一些真理，但是许多类型的手工艺似乎与真正的艺术没有什么不同。 一个例子是漫画家动画师，他被用来画上数千幅类似“查理·布朗”的卡通人物的类似图片。 没错，他的“艺术”纯粹是功能性和高度商业性，但没人能否认他是一名艺术家。 注意：另请参见： 工艺美术运动 （1862年至1914年）。

文艺复兴对西方艺术观念的影响

通常，直到15世纪早期文艺复兴时期，所有艺术家都被认为是商人/手工艺人。 即使是最伟大的画家，如乔托（Giotto），波提切利（Botticelli），达芬奇（Leonardo da Vinci）和拉斐尔（Raphael），也只不过是熟练的工人，而多纳泰罗（Donatello）这样的大师级雕塑家却被视为仅仅是专业的石材切割工和青铜金属工。 的确，莱昂纳多（Leonardo）和米开朗基罗（Michelangelo）的既定目标是将艺术家的水平提高到一个职业的水平-这一雄心壮志于1561年在佛罗伦萨成立了第一所艺术学院，并在该学院建立了培训人才的计划。绘图专业（ disegno ）。

但是，尽管文艺复兴时期的艺术家成功地将其手艺提高到了某种职业水平，但他们将艺术定义为本质上的智力活动。 这种固定的文艺复兴时期的艺术观念主要是一门学科，其传承了数百年，至今仍影响着当今的艺术观念。 尽管进行了一些修改，例如美术学校课程的变更，但美术仍然保持其相对于工艺品（如应用艺术和装饰艺术）的观念优势。

关于艺术的问题

我们可能无法定义艺术，但是我们可以通过询问其性质和范围来进一步探索它。 以下是一些关键问题以及简短的评论。 （也可以看看： 色彩艺术词汇 ）

艺术的意义是什么？

怀疑论者说艺术是浪费时间。 甚至著名的诗人奥登（WH Auden）也承认，没有哪首诗能拯救一个人离开纳粹毒气室。 尽管这听起来似乎是毫无意义的陈述，但它突显了这样一种观念，即艺术在我们的日常生活中用途有限，除了外观精美的建筑物，茶壶，汽车或衣服外。

有两个广泛的答案：第一，应用艺术是艺术的主要分支，不能轻易与美术分开，因为所有设计的根源（这是应用艺术的基础）都是艺术。 其次，自从 智人 发展沉思的工具以来，他就以绘画的形式表达了自己的思想。 同时，他继续欣赏美-无论是人脸或身体，日落，动物皮肤的颜色，大教堂还是雕塑。 简而言之，创造和欣赏艺术就是人类。 这才是重点。

如何区分好艺术与坏艺术？

无法定义艺术并不意味着所有艺术品都是好作品。 麻烦的是，谁来决定好艺术在哪里结束，坏艺术在哪里开始？

这个普遍的问题可能源于我们的自然愿望，即避免被装扮成“艺术家”的蛇油推销员蒙蔽，但无论其起源如何，这都不是特别重要的问题。 实际上，专业艺术家需要公众的认可。 因此，尽管临时性的艺术风格有时可能会促进表面上具有可疑价值的作品，但公众（以及艺术界）不太可能袖手旁观，并使劣质艺术变得司空见惯。

为什么艺术专家会让一切听起来如此复杂？

这方面的一个例子可能是在艺术杂志上经常遇到的受行话困扰的文章，似乎没有人再使用简单的语言了。 其他罪魁祸首包括展览目录和艺术书籍。

这些东西的作者可能会说，这种专业术语仅是必要的速记，而且主要是为其他“专家”编写的。 但这是真的吗？ 例如，要找到一本简单解释立体派的书几乎是不可能的。 那么，一个年轻的学生如何理解毕加索和布拉克的革命运动为何如此重要呢？ 关于艺术世界中的许多事物，也可以这样说。 有些抽象艺术听起来是如此复杂，以至于我们几乎需要博士学位才​​能正确地“理解”它。 （有关示例，请参见下一个问题）

无意义的艺术评论示例：为什么使用此行话？

现代评论家，评论家和艺术家在试图描述一件“艺术”时常常诉诸于无意义的废话。 以下是一些匿名的示例，以免引起作者的尴尬。 全部摘自新闻稿或“可敬”机构的网站：

如何不写艺术评论！

“标题概括了展览的意图：将绘画置于可能的境界，并考虑绘画是否要继续发展到无限潜力的地方，必须进行审讯和试验。”

“……是首个探讨各种主题的展览，这些主题包括玩耍和渴望，个人空间的强度，有机的，抽象的色彩，内部结构，建筑空间和时间以及超越性。”

“ [艺术家的名字]做了一系列无懈可击的作品，以阿尔贝蒂的论文《 德拉·皮图拉 》（ Della Pittura） 为题，对绘画材料的基本成分进行了 质询 。每件作品都 极尽匠心 地追求着一条相关但独特的探究路线。”

“以雅克·德里达（Jacques Derrida）开头的后结构主义者创造了该术语，他认为解构主义的存在暗示着文本没有内在的本质，而只是差异的对比。这类似于这样的想法，即黑白之间的感知差异是上下文。”

“ [艺术家的名字]的作品是关于可能性的；自由重要性的尝试性体现。在检验看似普通的物体的多重含义时，他致力于功能的超越”

抽象艺术的意义是什么？ 看起来很奇怪！

直到十九世纪末，大多数绘画和雕塑都遵循传统原则。 通常， 代表性 和自然主义。 然后，印象派通过引入非自然的配色方案改变了一切：Fauves和表现主义者继续进行这一过程。 然后立体主义拒绝了绘画中的深度或透视概念，并为更多的绘画打开了大门。 抽象主义 包括未来主义，De Stijl，Dada，建构主义，超现实主义，新塑性论，抽象表现主义和欧普艺术等运动，仅举几例。 在爱尔兰，Mary Swanzy，Mainie Jellet和Evie Hone等画家是这种现代艺术的早期开拓者。

因为抽象艺术几乎没有自然主义的元素，所以它不像（例如）古典肖像或风景那样令人眼前一亮。 而且，如果您更喜欢艺术品来描绘可识别的人和周围环境，那么抽象艺术就不太可能适合您。 但是，老实说，这与穿着特定颜色或款式的衣服的想法有很大不同吗？ 不同的人喜欢不同的事物，这不仅适用于艺术，还适用于工作，汽车，房屋，家具，度假以及您能想到的所有其他事物。

抽象或非自然主义绘画倾向于包含隐含的信息或遵循特定的艺术理论。 这可以使它们对某些人而言变得不那么可爱和不那么漂亮，但这并不意味着它们就不能成为杰出的艺术品。

应该补贴艺术吗？

对于大多数专职艺术家来说，以（比如说）他们的绘画或雕塑为生非常困难。 对此，持怀疑态度的人反驳说：“好吧，如果没人愿意买东西，那纳税人为什么要为此买单呢？”

不应太轻率地消除这一担忧。 毕竟，这些怀疑论者并不是说艺术家不应该实践自己的艺术，而只是说艺术家应该寻求私人赞助。

这个问题的一个答案是。 首先，实际上，大多数艺术学院都会在一系列高度商业活动中训练学生，特别是在应用艺术和设计领域。 因此，对于这些人来说，没有补贴的问题。 而且，那些确实选择从事绘画或雕塑家全职工作的学生，正在选择一种非常艰苦和物质上没有回报的生活。 尤其是因为赞助（以公共佣金，助学金，驻场艺术家和其他赠款的形式）实际上非常微薄。 与其他同等地区相比，西方国家对艺术的公共补贴水平仍然很低。 因此，即使在这里，花在艺术品上的公共资金也不是特别重要。

尽管如此，公共资金仍在使用中，这是这样做的原因。 美女，无论是外形美观的汽车，精心设计的公共建筑或广场，色彩鲜艳的服饰，还是鼓舞人心的雕塑，都是为数不多的能让人振奋并提醒我们生活的重要事物之一鸡蛋的价格。 但是如果没有艺术，随着美逐渐被降级为一个有价值的目标，这种审美体验的范围将逐渐减少。 文学（如果不是历史）充斥着这种社会的例子，其中功能就是一切，公民穿着相同的单调的衣服，住在相同的单调的公寓里，过着相同的单调生活。

在线绘画和雕塑收藏

在线上有大量的绘画和雕塑。 （仅此网站显示数千种不同的图像。） 最好的美术馆 如乌菲兹美术馆（佛罗伦萨），卢浮宫（巴黎），普拉多博物馆（马德里），Pinakothek美术馆（慕尼黑），泰特美术馆（英国，现代，利物浦和圣艾夫斯），国家美术馆（伦敦），例如，Gemaldegalerie（柏林），Hermitage博物馆（圣彼得堡），Metropolitan和Guggenheim博物馆（纽约）和国家美术馆（华盛顿特区），仅举几例。

不幸的是，爱尔兰的美术馆（软木的克劳福德美术馆除外）在互联网上没有应有的可见度，但是爱尔兰有很多私人美术馆，它们的精彩展示可供浏览。 也可以看看： 艺术新闻头条 。

有关艺术品分类的更多信息，请参见： 视觉艺术百科全书 。