绘画：类型，美术史 自动翻译

简介与特点

定义
在美术中，术语“绘画”可以定义为视觉对象，概念，情感和幻想的线性实现，包括符号甚至抽象形式。 绘图是 图形艺术 它的特点是强调形式或形状，而不是像 绘画 。 绘图与图形版画制作过程有很大不同，因为尽管绘图可能构成复制的基础，但从本质上讲，它是独一无二的。

其他艺术形式的依据
大多数图纸取决于其他 艺术类型 。 因此，尽管并非每幅绘画，马赛克，挂毯或其他艺术品都以 草图 的形式出现在绘画之前，但绘画实际上是所有视觉艺术的基础。 例如，建筑图纸是所有建筑的基础。 在原石块上绘制的标记是出现的雕塑的基础； 最初，大多数绘画都是从初步草图中提取出来的-仅在进行作品时，它们才会合并为有色表面。 此外，越来越多的调查表明，图纸构成了壁画，面板和书画，雕像，蚀刻，版画，马赛克，彩色玻璃以及许多其他形式的物质基础。 装饰艺术 。 这样的准备草图可能仅限于广泛的指导方针，或者可能会将整个工作限制到最小的细节。

绘画也是一种独立的艺术形式
另外，作为独立的独立 艺术 表格，绘图为创意表达提供了最大可能的范围。 身体，空间，深度，三维甚至运动都可以通过绘图看到。 此外，绘画在线条的流线中自发地表达了绘图员的个性，使其成为所有艺术陈述中最个性化的人物之一。

绘图媒体
可以使用多种 绘图工具 制作 绘图 ，包括钢笔和墨水，木炭，粉笔，粉彩，metalpoint，silverpoint，石墨点，彩色蜡笔，以及用于切开绘图类型的刻刀，毛刺或蚀刻针。 其他替代品是蜡或 短篇小说 蜡笔 ，记号笔，石墨棒和各种类型的墨水笔。 最常用的 支撑物 （用于绘制图像的材料）显然是纸，但其他选项包括卡片，纸板，纸莎草纸，硬纸板，帆布，皮革，牛皮纸（小牛皮），纺织品-甚至是塑料或金属。 混合媒体绘图是使用这些材料的组合执行的绘图。

绘画与绘画
绘画之间的界线总是有些模糊。 例如，用刷子在丝绸或纸上表演的中国艺术与绘画一样接近绘画。 书法 ）。 一些中世纪的照明手稿，例如 乌特勒支诗篇 （ Utrecht Psalter ） 笔墨画 这种线条自由，类似于现代卡通，并有效地发挥了与绘画相同的功能。 即便如此，作为一种独立的艺术形式，绘画一直没有出现。 文艺复兴时期的艺术 的 十五世纪 （15世纪）。 在此之前， disegno ）被认为不如绘画（ colorito ）。 也可以看看： 艺术评估：如何欣赏艺术 。

绘图专家
绘图员 （或 draftsman ）一词是从事绘画的艺术家的常用术语。 最高制图的例子，尤其是 具象图 ，包括作者 老大师 像达芬奇，米开朗基罗，阿尔布雷希特·杜勒，彼得·保罗·鲁本斯，伦勃朗，雅克·路易·大卫等 著名画家 例如：Honore Daumier，Edgar Degas，Egon Schiele，Max Beckmann，David Hockney和Lucian Freud，仅举几例。

图纸类别
一般而言，绘画包含3个基本类别： 休闲绘画 ，（涂鸦， 素描 ）：表示未完成且通常未优化的成分。 这些图纸没有正在进行的功能。 预备图 ：这表示创建一个特定的图像或一系列图像，从而通过添加颜料颜色（油漆，彩色墨水等）来构成画家打算完成的整个或部分构图。 成品图 ：表示完成的独立自主作品，例如插图，卡通，漫画或图形设计。

主题
绘图员将所有类型的图像都包括在其构图中，包括人类和动物在所有流派中的表现形式，例如叙事历史图像，肖像，漫画和流派场景以及风景或静物构图。 一些绘图员擅长精确复制现有或拟议建筑物（建筑图），船舶（海洋图），花卉（植物插图）或马匹（马术图）或动物，以及从立体派到印刷或书法作品的抽象作品。

绘图方法

可以使用大量的工具和工具来绘画，包括石板铅笔，金属测针，木炭和粉笔，以及传统的钢笔，铅笔和刷子，钢笔，圆珠笔和毛毡铅笔； 的确，甚至凿子和钻石都用于绘制。 也可以看看 自动艺术 为其自动绘制。

木炭

自从20世纪90年代以来，一直使用部分消耗的木材。 史前艺术 ，当古石匠创作出惊人的作品时 石洞壁画 可以在Chauvet，Lascaux和Altamira找到。 传统由老大师保持，他们的准备 木炭图纸 用于壁画，面板甚至 微型绘画 偶尔仍然可以在色素下看到。 拉伸木炭 通常会产生多孔且不太粘的冲程。 尖的木炭笔会产生异常细的线条； 如果在表面上使用宽面，则会创建均匀色调的平面。 擦和涂抹木炭线会导致中间阴影变暗和细腻的过渡。 由于其轻微的粘合性，木炭非常适合进行校正草图，但是如果要保留图形，则需要用固定剂进行保护。

作为从生活模型中快速绘制草图的媒介，木炭在艺术学院和工作室中大量使用。 适应性强的木炭铅笔可以快速轻松地捕获困难的姿势，例如Tintoretto要求的模型。 （有关Tintoretto图纸的更多信息，请参阅： 威尼斯绘图 1500-1600年。）木炭还广泛用于肖像画的预备素描中。 法国画家爱德华·马奈（Edouard Manet（1832-83））在他的木炭画 《一位女士的画像》中 成功捕捉到了椅子上的木纹，衣服上的皮毛，发型的紧致度以及肉的柔软度。 17世纪的荷兰画家Paulus Potter（1625-54）是另一个伟大的代表人物，同时也是现代伟大的制图员，例如Toulouse-Lautrec（1864-1901），Edgar Degas（1834-1917），Kathe Kollwitz（ 1867-1945年）和恩斯特·巴拉赫（Ernst Barlach，1870-1938年）。

使用 涂油的木炭 ，即用亚麻子油蘸木炭铅笔，艺术家可以获得更好的附着力和更深的黑色。 在16世纪被 丁托列托 ，这项技术在 荷兰现实主义艺术家 为了设置深黑色的口音，在17世纪 但是，为了获得更好的纸压痕附着力，校正变得更加困难。 此外，已经深深浸入油中的木炭蜡笔会在线条旁边留下褐色条纹。

粉笔

粉笔是同等重要的绘画媒介。 木炭主要是快速校正草图的媒介，粉笔可以达到此目的甚至更多。 自16世纪初以来，自然界发现的 石粉笔 已在艺术绘画中变得越来越流行。 作为天然材料，氧化铝粉笔具有不同程度的硬度，因此冲程从略微颗粒状变化到均匀致密和光滑。 对统一质量的追求导致了用于绘图的特殊粉笔的生产。 就是说，粉笔经过粉磨，洗涤和制成方便的棍棒后，笔触更柔和，更规则，并且不含沙粒。 颜料的添加会产生各种色彩，从深黑色到棕灰色； 与常用的黑色粉笔相比，棕色的变化意义不大。 在自然界中也发现过的白色粉笔几乎从来没有用作绘画的独立媒介，尽管它经常与其他媒介结合使用以实现反射光的单个重音。

从15世纪开始，粉笔被越来越多地用于研究和素描。 它适用于绘制给定宽度的精确线并创建精细阴影的色调，使其特别适合建模研究。 由于这些属性，粉笔是用于自主绘图的一种特别好的介质，几乎没有制图员没有使用粉笔，常常与其他媒体结合使用。 除肖像画外，风景画是粉笔画的主要主题，尤其是荷兰人。 自从用细腻，暗黑的烟灰（称为 油烟） 制成的人造粉笔的发明以来， 达芬奇（Leonardo da Vinci） （1452-1519）-粉笔的画质已得到充分探索。 粉笔的范围从干燥的，类似木炭的品种到平版印刷商使用的高脂粉笔。

Sanguine 是一种粉笔和氧化铁的素描铅笔，由于其丰富的功能，在15世纪是一种流行的绘画媒介。 它在米开朗基罗，拉斐尔和 安德里亚·德尔·萨托（Andrea del Sarto） （1486-1531），而莱昂纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci）在他的素描中将其用于 最后的晚餐 ：另请参见《米开朗基罗的 东方头饰简介》 （1522年，牛津阿什莫林博物馆）。 其他使用sanguine的艺术家包括肖像画家让·克洛埃（Jean Clouet）和汉斯·霍尔拜因（Hans Holbein），彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens）周围的佛兰芒画派，以及最重要的是18世纪的法国艺术家，例如瓦托，尼古拉斯·兰克里特，让·艾蒂安·利奥塔德，雅克·安德烈·波妮特和弗朗索瓦·布歇（Francois Boucher）。 苏格兰18世纪肖像画家 艾伦·拉姆齐 是为肖像画准备粉笔画的狂热用户。 与彩色纸上的黑白粉笔组合使用时，Sanguine提供了更大的颜色区分。

粉笔图纸 还与埃德加·德加（Edgar Degas），奥迪隆·雷顿（Odilon Redon），古斯塔夫·莫罗（Gustave Moreau），让·爱德华·沃伊拉德（Jean-Edouard Vuillard）和皮埃尔·伯纳德（Pierre Bonnard）等现代制图员以及爱德华·蒙克（Edvard Munch）和恩斯特·路德维希·基希纳（Ernst Ludwig Kirchner）等表现主义艺术家有关。

蜡笔

用粉状颜料和少量非油腻性粘合剂混合制成的 蜡笔蜡笔 ，甚至可以进一步改善 色彩 。 当将颜色涂在纸上时，它们总是看起来清新明亮，尽管必须将其保存在玻璃下以防分散。 蜡笔颜色可以直接用蜡笔以线性技术应用，或直接用手指应用到纸张区域。 粉彩起源于16世纪的意大利北部，并受雇于 哈科波·巴萨诺（Jacopo Bassano） （1515-92）和 费德里科·巴罗奇（Federico Barocci） （1526年至1612年）。 蜡笔画 直到17世纪，Accademia degli Incamminati才知道，尽管作为一种艺术形式它直到18世纪才达到顶峰，尤其是在法国（与让·马克·纳蒂尔，莫里斯·昆汀·德拉图尔，让·巴蒂斯特·佩罗尼奥和让·查丁（Jean Chardin）和威尼斯（与Rosalba Carriera）。 肖像画家特别喜欢 粉彩粉笔 。

Metalpoints

自古以来， 金属笔尖 技术就一直用于书写和描绘，因此在绘图中也几乎不需要想象力。 艺术家使用纤细的工具（杆或手写笔），由纯软金属制成，例如铅，银，锡，铜以及各种铅和铅合金。 最常用的材料是软铅，在光滑的表面上使用时会产生浅灰色的线条； 它的颜色不是很浓，很容易擦除，因此非常适合准备草图。

纸张准备对于生产线的可见性至关重要。 在文艺复兴时期，空白页通常用磨细的粉笔，骨粉或铅白色的液体混合物层刷，上面涂有颜料，并用生胶和明胶装订。 并且所有金属点，除了 leadpoint ，都需要粗糙的工作表面。 最早的金属点画艺术之一是15世纪威尼斯画家雅各布·贝里尼（Jacopo Bellini）（1400-70）的素描簿，其中包含许多有色纸上的铅画。 佛罗伦萨画家 波提切利 用导笔为但丁的《 神曲》 绘制了他著名插图的轮廓，然后用钢笔将它们勾勒出来。

永久绘图最好使用 silverpoint 来实现，一旦应用，就不能删除。 因此，silverpoint图纸要求更清晰的形式概念和稳定的手感，因为所有校正都保持可见。 三维和光的描绘必须通过浓密的阴影线，空白处或其他媒介来表示。 尽管有这些困难，silverpoint在15和16世纪还是很受欢迎。 阿尔布雷希特·杜勒（Albrecht Durer） 用Silverpoint绘制风景画，肖像画和各种物品，这些东西在一次特定的荷兰之旅中引起了他的注意。 Silverpoint在15世纪到17世纪的肖像画家中也很受欢迎。 后来在 浪漫主义 ，并且仍被现代艺术家偶尔使用。 Metalpoints一直很好地使用到18世纪，特别是在建筑图纸中。

石墨点

16世纪末，出现了一种新的绘图媒介，并迅速取代了metalpoint进行素描和初步绘图。 这种绘图介质被称为 石墨点 （主要来源后称为“西班牙铅”），尽管其柔软的一致性，但它主要用于准备草图，而不是用于自动绘图，因此吸引了广泛的普及。 尼古拉斯·雅克（Nicolas-Jacques）在1790年发现了一种类似于人造粉笔生产工艺的制造工艺，因此石墨点应运而生。 从那以后，经过清洗和清洗，可以制造几乎任何硬度的石墨。 铅笔坚硬的笔尖具有持久，清晰，细细的笔触，特别适合新古典主义画家的使用。 铅笔绘图员最伟大的代表人物是学术画家 贾德·英格利斯 ，谁雇用系统 铅笔画 作为他的油画基础。

随着时间的流逝，出现了许多铅笔素描技术。 19世纪末的画家，例如Eugene Delacroix（1798-1863），更喜欢使用较软的铅笔，以增强绘图中某些区域的深度和3-D效果。 乔治·苏拉特 （1859-91）在他的绘画中跌倒了石墨（ 在欧洲音乐会上 ，纽约现代艺术博物馆），他将Pointillist技术转化为单色绘画。 超现实主义艺术家首先探索的铅笔 碎片 （先在纸上摩擦，然后将其放在粗糙的表面上） 马克斯·恩斯特 （1891-1976）是另一种创新技术。

用笔绘图

在将液态染料转移到平面上的多种方式中，有两种对于绘画艺术尤为重要：画笔和笔。 如果画笔代表一种完全旧的方法，则可以追溯到 旧石器时代的艺术 自从上古以来，笔就一直是最受欢迎的书写和绘图工具。

几千年来，笔的功能几乎保持不变。 笔尖的毛细作用会根据笔的饱和度和笔尖施加的压力，以不同的量将绘图液施加到地面（最初是羊皮纸，纸莎草纸，牛皮纸，但自中世纪晚期以来，几乎全部是纸张）上。绘图手。 最早的笔是 芦苇笔 ; 它是从纸莎草，竹子或莎草中切割出来的，在其空心的内部储存了大量的液体。 它的冲程通常是有力的，坚硬的，并且由于对分叉式笔尖施加了更大的压力，因此偶尔会产生叉状。 伦勃朗 是精通芦苇笔的坚固塑料口音的杰出大师，通常用其他钢笔或刷子对其进行补充。 在19世纪，以荷兰画家文森特·梵高为开端，包括达达主义和讽刺德国表现主义在内的几位艺术家创作了一种表现主义风格的纯芦苇笔画。 乔治·格罗斯 （1893年至1959年）。 也可以看看： 插画艺术 。

鹅毛笔 提供了更多的艺术可能性。 自中世纪晚期以来，套筒笔一直是将液体染料施加到绘图表面的最常用工具。 羽毛笔的柔软笔尖具有不同的强度，可用于相对较大范围的单个笔划-从柔和的细线（例如用于照明书籍插图的预备素描中使用的细线）到充满活力的粗线。 在20世纪，金属笔取代了羽毛笔，现在由高级钢制成并且具有不同的强度。

墨水 是绘图中最常见的液体染料形式。 在中世纪的修道院藏书中， 栗色墨水 很流行。 发光的手稿 。 另一种流行的油墨是 bistre ，一种容易溶解的浅色至深棕色透明颜料，是从油烟灰的烟灰中获得的，该油烟灰覆盖着燃木的烟囱。 它的颜色深浅取决于其浓度和其来源的木材类型。 硬木（如橡木）产生的颜色比松树（如松树）暗。 在以图片为导向的时期 巴洛克艺术 ，可以变薄的暖色调将使bistre成为钢笔画的流行媒介。

也可以从碳源中获得 印度墨水 ，它是由极硬的木材（例如橄榄或葡萄树）的烟灰或油焰中的脂肪油烟制成的，混合有阿拉伯树胶作为粘合剂。 这种浓稠的黑色液体可以长时间保持其深色调，可以用水稀释直至变成浅灰色。 它被压成棒状或条状，以前以中国墨水或印度墨水的名称出售。 这种绘画油墨特别受德国和荷兰制图员的青睐，因为它的颜色浓烈，特别适合在有色纸上使用。 自19世纪以来，印度墨水一直是钢笔绘图中最受欢迎的绘图墨水，取代了技术草图中的所有其他替代方法。

其他绘画流体包括 乌贼 墨，由乌贼的颜料制成，乌贼墨 最小 （红铅），特别用于装饰首字母以及在图示的钢笔画中使用。

除了手稿文字文字，笔画也是最古老的艺术文献之一。 古典文字的插图轮廓鲜明，内部细节稀疏。 中世纪的边际素描和书籍插图通常是用钢笔预先绘制的，如果没有实际执行的话。 在书画中，出现了一些风格，其中笔刷也以钢笔画的方式使用：例如，在兰斯的兰斯学院 加洛林艺术 ，因其生产于9世纪的 乌特勒支（Utrecht Psalter ）以及在德国南部而著称，那里使用 线描 的单独说明性风格与 Biblia Pauperum 密切相关-低成本的圣经图画书，用于指示大量基督教徒信仰。 细线轮廓草图也是最早的自动图纸的特征。 文艺复兴早期 。 在16世纪，钢笔画达到了顶点。 莱昂纳多（Leonardo）以其科学绘画的特别精确的笔法而闻名。 拉斐尔（Raphael）制作出更规则，优美的草图，而米开朗基罗（Michelangelo）则以短笔画进行绘画，让人联想起凿子的工作。 提香（Titian）用复杂的阴影线表示明暗，而 北部文艺复兴时期的艺术家 从纯粹的图形描绘方法到空间和塑性建模技术，Durer掌握了笔绘图的所有可能性。

在17世纪，钢笔画变得不如其他组合技术（例如， 用 刷子进行的 水洗 （颜色的划变或飞溅））流行。 开放的绘画风格仅暗示轮廓，再加上对比鲜明而又有力的笔触，赋予线条本身以表现力。 在他的图纸中，伦勃朗尤其是完全掌握了 水墨画 ，通过使用各种笔和画笔的组合获得的不同笔触层，表现出非常微妙的3D效果。

文艺复兴早期的细线绘画方法在20世纪80年代重新流行。 新古典艺术 和18世纪末至19世纪初的浪漫主义。 这俩 拿撒勒 例如，Romantics通过纯图形方式获得了出色的3-D塑性效果。

随后又出现了更多以图片为导向的阶段，最终达到了19世纪后期的艺术家作品，例如 奥布里·比兹利（Aubrey Beardsley） （1872-98）将直接的黑白对比应用于飞机，而在20世纪，法国大师亨利·马蒂斯（Henri Matisse）（1869-1954）和毕加索将物体缩小为一条没有任何深度或其他空间错觉的线条。 许多插画家和漫画家都喜欢清晰的笔触。 其他20世纪的钢笔绘画创新者包括美国东方画家 马克·托比 （1890-1976）以书法绘画的“白色书写”风格而闻名。 德国艺术家 WOLS （阿尔弗雷德·奥托·沃尔夫冈·舒尔兹（Alfred Otto Wolfgang Schulze）（1913-51），以其纤细的图形地震图着称； 和 艾格尼丝·马丁（Agnes Martin） （1912-2004），以她精致的手绘极简网格而著称。

用毛笔画

刷子是将颜料施加到平坦表面（绘画）的理想选择，但自史前时代以来，它也已用于绘画中。 除了上述绘画用墨水（所有这些绘画墨水均已与画笔和笔一起使用）外，还使用流体的组合创建了画笔绘画。 从古典希腊艺术到巴洛克风格，最常用的艺术技巧之一是 Sinopia ，这是一幅纪念性壁画的通常 原始 素描。 用刷子执行，它具有预备图的所有特征。

总体而言，很少使用画笔单独绘制图纸，尽管它在景观中起着主要作用，在景观中，通过改变强度的着色，可以提供完整的空间深度光谱和照明强度。 威尼斯人 维托雷·卡尔帕乔 （c.1465-1525 / 6）和Palma il Giovane（1544-1628），以及帕玛强尼（1503-40），伟大的先驱 怪癖 ，都被注意到该技术的指数。 一些荷兰风格的画家，例如Adriaen Brouwer（1605-38），Adriaen van Ostade（1610-84）和Jan Steen（1625-79），使用画笔创建了许多水彩风格的绘画。 在18世纪， 让·霍诺尔·弗拉戈纳尔 （1732-1806）和西班牙人弗朗西斯科·戈雅（1746-28）将艺术推向了一个新的高度，而在英国，像亚历山大·科森斯（Alexander Cozens）（1717-86），约翰·康斯特勃（John Constable）（1776-1837）和约翰·特纳（1775）一样-1851），利用画笔绘画进行景观研究。

笔和刷子

一种流行的组合是笔和画笔的组合，其中笔划出了轮廓，该轮廓表示对象，而画笔则提供了空间和颜色值。 最简单的组合应用是手稿照明，即用钢笔绘制形状并使用画笔适当填充颜色。 笔和笔的其他示例包括将白色颜料施加到有色纸上的绘图上，强调照明（光线如何照射到物体上），当然还包括 洗涤 。 钢笔和画笔的组合绘制方法在德国和荷兰的制图员中特别受欢迎，尤其是在Durer和南德意志多瑙河学校周围的圈子中。

绘图辅助
机械辅助通常对于艺术绘画而言不如对其他艺术形式重要。 已使用的工具包括标尺，三角形和指南针，特别是在早期和早期的建构主义和透视主义作品中 高复兴 复古。 网格框架 用于帮助创建正确的透视图，同时还使用带有减少凸面镜或凹面镜的反射镜（尤其是在17和18世纪）作为绘图辅助工具，以及 相机暗箱 。 （看到 艺术摄影词汇 。）可以使用称为 缩放 仪的跟踪工具按比例缩小或放大比例。 借助椭圆形罗盘，弯曲的直尺和 模版 ，可以完成更多的专业任务。

图纸类型

迄今为止，西方世界中数量最多的艺术作品涉及人物。

肖像
肖像画通常包含纯轮廓和四分之三轮廓。 例如，皮萨内洛（Pisanello）或扬·范·埃克（Jan van Eyck）的15世纪肖像画，以及杜勒（Durrer）绘制的马克西米利安皇帝（Maximilian）皇帝的素描。 法国的让·弗朗索瓦·克鲁埃（Jean and Francois Clouet）和瑞士的汉斯·霍尔拜因（Hans Holbein the Younger）以及后来的英国的作品赋予了肖像画特别的自治权，尤其是用各种颜色的粉笔完成时。 在18世纪，昆汀·德拉图尔（Quentin de La Tour），弗朗索瓦·布歇（Francois Boucher）和让·巴蒂斯特·查丁（Jean-Baptiste Chardin）被认为是粉笔肖像画的代表人物。 更吸引人的心理方面 肖像艺术 19世纪和20世纪晚期的肖像画家偏爱柔和的蜡笔，这些蜡笔更容易反映出他们的艺术冲动。 里昂·巴克斯特 ，是Diaghilev和 芭蕾舞团 ，是另一位出色的制图员。

景观
正如雅各布·贝利尼（Jacopo Belllini）的15世纪素描本所表明的那样，到15世纪，风景也已成为独立绘画的可接受主题。 但是，直到本世纪末杜勒（Durr）的出现，风景才被完全视为其本身的主题，而没有参考其他作品。 他的两次意大利之旅，纽伦堡地区以及他的荷兰之旅的绘画都代表了最早的纯景观绘画。 几百年过去了，这样的“纯景观”图纸再次出现。 景观元素还出现在16世纪的德国和荷兰绘画和插图中，特别是那些 多瑙河学校 喜欢 阿尔布雷希特·阿尔特多夫（Albrecht Altdorfer） 和Wolf Huber。 该 荷兰文艺复兴 画家彼得·布鲁格·埃尔古（Pieter Bruegel the Elder）还绘制了地形图以及免费的景观构图，在两种情况下均为独立作品。 在17世纪， Accademia degli Incamminati （ Domenichino路 （例如），将古典和神话主题与英雄风景相结合。 此外，驻罗马的法国古典主义者 克劳德·洛兰 尼古拉斯·普桑（Nicolas Poussin）也制作了理想的阿卡狄亚山水画。 在18世纪的意大利，随着像威尼斯人一样的“风景画家” Vedutisti的出现，地形图上的山水画达到了一个高点。 卡纳莱托 （1697-1768）和 贝纳多·贝洛托（Bernardo Bellotto） （1720-80），和罗马人Giambattista Piranesi（1720-78）。 在19世纪初，风景画在英国第二次开花。 特纳 和亚历山大·科曾斯（Alexander Cozens），而在法国， 卡米尔·柯罗（Camille Corot） 然后， 梵高 。

形象体裁作品
相对于肖像画和风景画，自动绘图的重要性要小得多，人物画通常与绘画中发生的事情紧密相关。 例如，在17世纪的荷兰现实主义画派，18世纪的法国和英国以及19世纪的法国（Honore Daumier）中，流派场景的绘画相对盛行。

静物画
自17世纪以来，静物画，尤其是花朵的绘画，例如阿姆斯特丹艺术家Jan van Huysum（1682-1749）的绘画，就很受欢迎。 在其中一些作品中，与绘画的相似性非常接近。 以19世纪法国画家的粉彩为例 奥迪隆·雷顿（Odilon Redon） （1840-1916）或20世纪德国表现主义画家的作品 埃米尔·诺尔德（Emil Nolde） （1867-1956），两者都跨越了绘画与绘画之间的分界线。

幻想图纸
描绘虚构，超现实或有远见的主题的图纸，例如 Hieronymus Bosch ，早已流行。 另请参见16世纪拉斐尔（Raphael）的 怪诞 ， 皮特 · 布鲁格 （Pieter Bruegel）寓言中的农民场面以及17世纪法国艺术家雅克·卡洛特（Jacques Callot）的狂欢节蚀刻版画。 其他绘画的作品超出风景和肖像范围的艺术家包括：18世纪的意大利雕刻家Giambattista Piranesi，盎格鲁-瑞士艺术家 亨利·富塞利 （1841-1925），十九世纪英国插画家沃尔特·克兰（Walter Crane）（1845-1915），法国有影响力的象征画家 古斯塔夫·莫罗（Gustave Moreau） （1826-98）和20世纪的超现实主义者。

插图
说明性绘图也许不仅仅限于对一段文字的简单图示说明，但即使如此，它仍可以满足最高的艺术要求。 伟大的艺术家们一次又一次地说明圣经文本以及各种文学。 著名的例子包括Botticelli的但丁 神曲喜剧 插图画和Durer的马克西米利安皇帝祈祷书的插图插图。 一些艺术家作为插画家比作为独立的制图员取得了更大的成就。 这样的人包括18世纪的德国雕刻师Daniel Nicholas Chodowiecki（1726-1801），19世纪的漫画家Honore Daumier（1808-79），19世纪的图形画家威廉·布希（Wilhelm Busch）（1832-1908），他以押韵的图画故事而闻名（Max und Moritz）和20世纪奥地利的 Blaue Reiter 画家兼插画家Alfred Kubin（1877-1959）。

漫画
与说明图相关的是 漫画艺术 ，它通过夸大一个人或情况的视觉特征来创建有力的暗示性图片。 这种形象化的绘画作品例如安妮·比尔·卡拉奇（Annibale Carracci（1560-1609））等名人-莱昂纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci），杜勒（Durer）和巴洛克艺术家贝尔尼尼（Bernini）以及第18世纪意大利艺术家Pier Leone Ghezzi（1674-1755），18世纪英国艺术家 威廉·霍加斯 （1697-1764）是英国漫画家托马斯·罗兰森（Thomas Rowlandson）（1756-1827），主要从事水墨和水彩画工作； 19世纪的法国人让·伊格纳斯·伊西多尔·杰拉德（Jean-Ignace-Isidore Gerard），被称为格兰维尔（Grandville，1803-47），也许是最伟大的所有的漫画家， 罗纳·多米耶 。

地面类型

人们几乎可以在任何具有平面的物体上绘画-不论是否齐平-包括纸莎草纸和羊皮纸，布，动物皮，木材，金属和玻璃。 但是，自15世纪中叶以来， 纸张 一直是最普遍和最受欢迎的领域。

在过去的2000年中，造纸的方法实际上保持不变。 将桑树皮，韧皮，大麻和亚麻布的纤维状残渣压榨，并在平面模具中干燥。 （在19世纪中叶引入木浆并不是针对美术纸，因为木材含量大的纸会很快变黄，因此不适合用于绘画目的。最初，是为了使纸具有足够的光滑度和均匀的表面在书写或绘画时，可将其用骨粉或石膏粉在很薄的胶水和阿拉伯胶溶液中摩擦，但自15世纪末以来，将纸浸入胶水或明矾浴中也可达到相同的效果。纸浆中还加入了颜料和染料，其中蓝色“威尼斯纸”尤其流行。17世纪偏爱半色调的蓝色-灰色，棕色和绿色；第18世纪偏爱温暖的颜色，例如米色或象牙色， along with blue. Since the 18th century, drawing papers have been produced in almost every conceivable colour and shade, while quality has also greatly increased.

颗粒状且较软的绘图工具（例如粉笔，木炭和石墨）不像特定纸张类型（如水彩画，粉彩或钢笔墨水）那样依赖； 但是，由于它们的粘附性较弱，因此它们通常需要与基础形成更牢固的结合以及进行某种表面保护。

图纸简史

在石器时代的艺术时代，绘画开始于洞穴和岩石庇护所，当时使用锋利的石头创作 史前版画 ，然后用木炭创作了像 Nawarla Gabarnmang木炭画 （公元前26, 000年）。 在西方艺术中，绘画作为独立的艺术文献的历史，而不仅仅是其他事物的初步草图，始于14世纪末。毫不奇怪，最伟大的制图员也曾是杰出的画家，插画家，图形艺术家或版画家，因此绘画的中心和最活跃的时期通常与其他类型的绘画的中心和时期重合。 美术 。

在阿尔卑斯山北部的图画中，最有成就的早期起草者是本来 就不为人所知的 15世纪末期的德国 房屋大师 （从沃尔夫格城堡发现的房屋簿中的许多图纸中得出的称呼）及其当代的 马丁· 尚高尔 （ 1430年至1491年）。然后，年轻的杜勒（Durr）代表了 德国文艺复兴时期的 制图技艺的创新精确度和方法论 。 他是一位永不倦怠的制图员，精通所有技术，并产生了持久而广泛的影响力。 Durer的风景画以及Altdorfer和Huber的风景画表现出对自然的惊人感觉，几乎可以称为浪漫主义。 汉斯·霍尔拜因 （ Hans Holbein the Younger） 的人文主义肖像画 对当代人也产生了重大影响，法国父子让（1485-1540）和弗朗索瓦（1510-72）Clouet的肖像的线性度也更加严格。

同时，在阿尔卑斯山以南，作为意大利文艺复兴时期的一部分，绘画正经历着更大的革命时期。

意大利文艺复兴如何影响绘画

直到十四世纪，绘画很少被视作 艺术 本身的形式。 相反，它仅被视为绘画或雕塑的初步设计。 意大利画家塞恩尼尼（Cennini（c.1369-1440））将其描述为成功绘画的门户，从而赋予了它一定的敬意，但是直到 意大利文艺复兴 一个世纪后，达芬奇（Leonardo Da Vinci）和米开朗基罗（Michelangelo）等艺术家的到来（以及更广泛的纸张可用性）使它成为一种独立的艺术形式。 有关详细信息，请参见： 文艺复兴时期的最佳绘画 。

早期的意大利文艺复兴时期在绘画和绘画的视角掌握方面取得了重大进展。

所有 具有任何形式背景知识的 自然主义艺术 都需要深入。 也就是说，背景必须相对于前景显得遥远。期限 线性透视 表示深度的创建，从而使平面图中的背景图像显得更远。 从艺术家的角度出发，控制“消失点”（线条趋同）至关重要。 谁率先线性透视的规律意大利文艺复兴时期的起草人包括：安德烈亚·曼特尼亚（1431年至1506年），皮耶罗·德拉·弗朗西斯（1420至92年），在他的画 中 基督鞭打 （约1470年），拉斐尔（1483-1520）在他的作品中 雅典学校 （c.1509）。

文艺复兴早期艺术家（c.1400-90）

15世纪的意大利文艺复兴时期见证了各种媒体和支持者的大量尝试。 以下是意大利制图员及其图纸的简要清单。

弗朗·安杰利科 （ Fra Angelico） 使用钢笔和墨水为 先知戴维（Playing Psaltery ） 创作的先知大卫 （1430） 使用了钢笔和墨水 。 英国博物馆 伦敦； Antonio Pisanello 使用了钢笔和墨水，水彩。他的 野猪 （1434年，罗浮宫）用 白色水粉画和黑色粉笔或金属点的痕迹 ； 雅各布·贝里尼（Jacopo Bellini） 使用了圣尤斯塔斯 视觉 （ The Vision of St Eustace） （1445，伦敦大英博物馆）的 线索 ； Fra Filippo Lippi 在黑色粉笔上用了金属笔和棕色洗手液，并在鲑鱼色的准备好的纸上用白色加白，以表示他的《 女圣人，站立》 （大英博物馆 ， 约1440年）； 贝诺佐·戈佐利（Benozzo Gozzoli） 在o石准备的纸上为他 的僧侣头像 （1447年，尚蒂伊博物馆，孔 塞博物馆） 使用了金属笔上的白色高光和棕色水粉 。 安德里亚·曼特尼亚（Andrea Mantegna） 用钢笔和墨水在黑色粉笔的痕迹上创作了《 一个躺在石板上的男人》 （1470年代，大英博物馆）； 安德烈亚·德尔·弗罗罗基奥（Andrea del Verrocchio） 用钢笔和墨水进行了 《婴儿五项研究》 （1470年代，罗浮宫）； 桑德罗·波提切利（Sandro Botticelli） 在粉红色的纸上用钢笔墨水和淡褐色的墨水在黑色粉笔上用黑色粉笔洗净，然后用白色加高以创建“ 丰盈 或 秋天” （大英博物馆，1480年代）。也可以看看： 佛罗伦萨的文艺复兴 。

高文艺复兴时期的艺术家（c.1490-1530）

卢卡·西诺雷利（Luca Signorelli） 使用黑色，红色和白色粉笔，用黑色粉笔和棕色墨水摆正，用于他 的《奥尔维耶托敌基督者放债人研究》 （卢浮宫，1500年）中。 莱昂纳多·达·芬奇（Leonardo Da Vinci） 使用带有灰色蛋彩和白色高光的笔刷，在亚麻布上使用刷子和黑色墨水的痕迹创建 了“坐姿人物窗帘” （1470年代，罗浮宫）。他用钢笔和墨水在笔针和铅笔上留下痕迹，制作 了《贤士的崇拜》 （1481年），并为他 的《伊莎贝拉·德·埃斯特肖像》 （1499年） 绘制了 黑色，红色和o色的白色粉笔 。 米开朗基罗 用红色粉笔绘制 《哈曼的躯干研究》 （大英博物馆，1511年）， 为亚当研究 （约1511年，大英博物馆）； 用黑色粉笔在手写笔上绘制白色的痕迹，以绘制 伊格努多 （c.1511），并用钢笔和墨水清洗，以创建 先知戴维打球 （1430，大英博物馆）； 拉斐尔 使用红色粉笔 研究阿尔巴麦当娜 （1509），使用黑色粉笔 研究 托伦蒂诺圣尼古拉斯 的祭坛 画（1500），使用金属笔用于 圣母子头 （1504）。也可以看看： 罗马的文艺复兴 。

16世纪

矫饰主义时期（1520-1600年）的文艺复兴后期绘画 以佛罗伦萨 的 Jacopo Pontormo （1494-1556）， 意大利北部的 Parmigianino （1503-40）和 威尼斯的 Tintoretto （1518-94）为例。用金属笔和钢笔作为表达的基本工具。 他们的绘画在内容上以及在敏感轮廓和大胆 缩短 的图形方法上都与绘画紧密相关。 。

16/17世纪

博洛尼亚（Bologna）是16世纪后期制图学的重要中心 Annibale Carracci 和他的兄弟 阿戈斯蒂诺·卡拉奇（Agostino Carracci） 和表弟 卢多维科·卡拉奇（Ludovico Carracci） ，成立了“ Academy degli Desiderosi”（后来更名为“ Academia degli Incamminati”），形成了 博洛涅塞画派 （c.1590-1630）。 卡拉奇学院倡导了古典艺术风格，这种艺术风格非常注重细致，牢固的绘画。看到： 意大利绘画中的 古典主义和自然主义 。

17世纪

在17世纪初期，雅克·卡洛（Jacques Callot，1592-1635年）在法国艺术中扬名，尤其是他的三十年战争插图。 在佛兰芒安特卫普， 彼得·保罗·鲁本斯 （1577-1640）进行了大量的研究和素描，这些素描和素描构成了他创造性作品的组成部分。为了传播他的绘画主题，他开设了自己的制图员和雕刻师学校，其学生包括 Jacob Jordaens 和Anthony Van Dyck。荷兰艺术家赫拉克勒斯·塞格斯（Hercules Seghers，1590年至1633年后）在解释旧约图案和对所有绘画技术的广泛掌握方面具有极大的创造力。 17世纪荷兰黄金时代的大多数画家，包括Brouwer，Van Ostade， Pieter Saenredam （1597-1665），Paulus Potter（1625-54）和无与伦比的伦勃朗（伦勃朗（1606-69））都是资深的起草者，他们将主题思想记录在大多已完成的图纸中。 在17世纪的意大利，美术学院的课程中，尤其是博洛尼亚，佛罗伦萨和罗马的课程中，绘画已完全确立。 同样重要的是，由卡拉奇（Carracci）兄弟，多梅尼奇诺（Domenichino）和 救世主罗莎 （1615年至1673年）。 总部位于罗马的法国画家克劳德·洛兰（Claude Lorrain）走得更远，几乎创造了自己的露天意大利山水画风格。 法国古典主义者尼古拉斯·普森（Nicolas Poussin）和荷兰艺术家扬·阿瑟琳（Jan Asselyn（1610-52），克劳斯·贝赫姆（Claes Berchem）（1620-83）和卡雷尔·杜哈尔丁（Karel Dujardin）（1622-78）等人也实践了这种正气画法。

18世纪

在法国， 让·安托万·沃托 像许多其他人一样，他也为自己的画作了画作“保持他的手”：画作中的大多数人物都是基于较早的画作。 更有活力的是18世纪的艺术家 弗朗索瓦·布歇 ，让·霍诺尔·弗拉戈纳尔（Jean-Honore Fragonard），休伯特·罗伯特（Hubert Robert）和加布里埃尔·德·圣奥宾（Gabriel de Saint-Aubin），他们的绘画作品涵盖了风景，形象研究和类体作品。

在18世纪的威尼斯，卡纳莱托（Canaletto）绘制了这座城市的非凡建筑图，随后又绘制了一组光辉的钢笔画。 詹巴蒂斯塔·提埃波罗 （1692-1770）和他的家人。 然后，建筑师Giambatttista Piranesi绘制了他的有力的建筑内饰和怪异拱顶（“ Carceri”）图纸。 18世纪末，西班牙艺术家 戈雅 结合了Tiepolo绘画的光彩效果和伦勃朗风格的 明暗对比， 创作了他的创新的画笔和便血画 。

十九世纪

19世纪初，绘画风格重新强调了线性元素。 其伟大的大师之一是学术画家贾德·英格里斯（JAD Ingres，1780-1867年）。 德国的拿撒勒人，以及菲利普·奥托·朗格（1777-1810）和 卡斯珀·大卫·弗里德里希（Caspar David Friedrich） （1774-1840）对硬性指标的使用仅略逊一筹。 其他线性倾斜的 制图 员包括拉斐尔前 派人士约翰 ·米莱斯 （1829-96），美国现实主义者 托马斯 · 埃金斯 （1844-1916），以及巴黎大师如毕加索，马蒂斯和莫迪利亚尼。 同时，多米埃尔（Duumier）的绘画作品采用了图形化的 明暗对比 效果，以有力地表达对社会的批评。

实际上，整个法国，尤其是巴黎，仍然继续是绘画艺术的主要中心，这种形式在法国杰出的发明作品中得到了体现 德加 （1834-1917）， 图卢兹 – 劳特累克 （1864-1901），梵高（1853-90）和 塞尚 （1839-1906）。 该 新艺术运动 它的弯曲线和非几何曲线的惯用法在附图中得到了体现 奥布里·比兹利（Aubrey Beardsley） 。

20世纪

德国表现主义画家以强烈的描写和夸张的形式演变出特别强调的绘画风格。 著名的例子可以在恩斯特·巴拉赫（Ernst Barlach）（1870-1938），凯瑟·柯尔维兹（Kathe Kollwitz）（1867-1945），阿尔弗雷德·库宾（Alfred Kubin），欧内斯特·路德维希·基希纳（Ernest Ludwig Kirchner）（1880-1938），卡尔·施密特-罗特鲁夫（Karl Schmidt-Rottluff）（1884-1976），马克斯·贝克曼（Max Beckmann（ 1884-1950年），奥斯卡·科科斯卡（Oscar Kokoschka）（1886-1980年）和乔治·格罗兹（George Grosz）。 其他绘画重点包括 瓦西里·康定斯基 （1866-1944）的崇高钢笔画 保罗·克莱 （1879-1940）和奥地利艺术 大师 的具象作品 埃贡·席勒（Egon Schiele） （1890-1918），以及他的当代同行 露西恩·弗洛伊德（Lucian Freud） （b.1922）。 在 巴黎高等 画家的作品中，绘画尤为重要 ，例如 皮埃尔·苏拉奇斯 （生于1919年）和汉斯·哈通（1904-89）。 当然，巴黎学校最丰富的制图员是 巴勃罗毕加索 ，这位艺术家确切地知道如何利用其各种技术可能性。 他可以说是20世纪最伟大的制图员，也是20世纪最伟大的制图员之一。 艺术史 。