中国画：特征，类型，历史 自动翻译

介绍

中国艺术 有着悠久的传统 绘画 以及相关的书法艺术。 最早的形式之一是 中国陶器 例如，在上世纪末，所谓的彩绘陶器文化就是例证。 新石器时代的艺术 ，石器时代的最后阶段。 有关详细信息，例如， 中国的新石器时代艺术 （公元前7500-2000年），以及以 商代艺术 （公元前1600-1000年）和 周代艺术 （公元前1050-221年），其传统和做法被 秦代艺术 （公元前221-206年）和 汉代艺术 （公元前206年-公元220年），见证了 中国瓷器 ，大约在公元100年。

与西方艺术相比，中国绘画更关注水基技术，而不是油或丙烯酸。 此外，与西方类型相比，中国画在传统上更具风格，更抽象，更不现实。 它还强调了空白的重要性，可以说是对空白的支持 山水画 在肖像画上，或 人物画 。

中国传统绘画（“国画”）与 书法 -它本身被认为是绘画的最高形式-并用蘸有黑色墨水（由松木煤灰和动物胶制成的墨水）或有色墨水的刷子（由动物毛制成）执行。 通常不使用油。 最受欢迎的媒体类型是纸张或丝绸，但有些绘画是在墙壁或漆器上完成的。 然后可以将完成的艺术品安装在卷轴上，将其悬挂或卷起来。 另外，传统画家也可以直接在专辑封面，墙壁， 中国漆器 ，屏风和其他媒体。 简单来说，“国画”有两种类型：第一种，称为“工笔”或细致的风格，也被称为宫廷风格的绘画。 第二种，称为“水墨”或“写意”或写意风格，也称为水墨画或“文人画”，由业余学者艺术家实践。

我们对 古代艺术 国画的来源来自铁器时代晚期（公元前450年）以后的墓地。 这些墓葬画是在丝绸横幅，各种漆器和墙壁上完成的。 他们的主要功能是保护死者或协助他们的灵魂进入天堂。 汉代（公元前206年-公元220年）墓葬绘画和雕塑达到了高潮。 有关构成中国美术的主要原则的指南，请参见： 中国传统艺术：特色 。

有关绘画的历史和发展（水墨，山水），请参见： 中国艺术时间表 （大约公元前18, 000年-现在）。

对于一个持续的西方迷恋的想法 亚洲艺术 -特别是中国风格的图像-请参见： 中国风 是18世纪在欧洲盛行的伪中国式装饰。

中国水墨画

在中国繁荣时期发展的中国 唐代艺术 （618-907）， 水墨画 是王伟发明的，他是第一位将色彩应用于现有绘画形式的艺术家。 水洗绘画（“画笔绘画”或“ 水彩画 ”在宋朝（960-1279）期间得到了进一步的完善，然后佛教僧侣将其引入日本，直到日本室町时代（1338-1573）达到顶峰之前，它在日本逐渐流行。

水墨画中使用的材料与书法中使用的材料非常相似。 洗涤画家通常使用墨水棒和磨石来研磨自己的墨水。 墨棒通常由密集堆积的竹炭或松煤灰中的木炭灰与从鱼骨中提取的胶混合而成。 刷子可以用山羊毛，牛，马，绵羊，兔子，貂，badge，鹿，野猪或狼毛制成。 头发逐渐变细，这是Wash绘画中的基本要求。

如 油画 ，不同的刷子有不同的质量。 细到锥形的小狼毛刷可以提供均匀的墨水（很像笔），而宽毛刷则可以提供大量的水和墨水。 一旦进行了笔触，就无法更改或擦除。 这使得水洗绘画成为一种特别苛刻的艺术形式，需要多年的训练。

水墨画中描绘的传统主题是“四个贵族”-即四种植物：竹，兰花，梅花和菊花。 在中国哲学中，这些植物分别代表四个季节-冬季，春季，夏季和秋天-以及理想的儒家人的四种美德。

中国画家 因其在水墨画上的技巧而著称的有：米尤人，齐白石，八大山人，大千巨石，苏Shi和徐悲鸿。

中国画的特点

绘画是最有特色的 艺术 中国。 中国雕塑在外部世界中部分地相互匹配； 从来没有一个地方完整，而是Luristan（波斯）的一部分，印度的另一部分，中世纪的法国的另一部分。 即使是巨大的食人魔也应归功于以其他地方为中心的欧亚风格。 只有坟墓人物完全是中国人，没有外国血统的嫌疑，并且普遍公认是中国人。 但是这幅画是独特的，受这一民族的智慧，爱和沉思所塑造，在全世界范围内都是无与伦比的。

在这里，民族艺术精神得到最强烈的表达。 中国经典 美学 它以绘画本身而不是所描绘的生命或物体的生命力来固定绘画的卓越性，而这种生命力更关心的是为心灵开辟道路，而不是向心灵报告-这种教规最隐含于滚动和专辑绘画的主体。 东方画家是哲学家，先知和生活画家。 他通过精神的吸收和对积极思想的严格管控，为自己的创造性表达作准备。 在理解了神秘的意义和宇宙和谐之后，他保持了自信的个人自我，他以其总体的感性目标来到了他的笔墨和丝绸领域。

画家和诗人之间不仅有同情的联系。 经常将两者合而为一-部分原因是画家的毛笔是中国唯一的书写媒介，而书法本身是在画家的照顾下练习的。 因为作者线条的阴影支持他的意思； 笔触传达了他对物体的感觉和特征。 两组艺术家的目的是相同的，在西方绘画和诗歌中没有相似之处。

在大多数西方绘画中，都有一种雄心勃勃的雄心壮志-表现主义的精神，个人情感的展现，精湛的游行队伍。 在非常长的时期内，也有与自然抗衡的努力，这在科学上是正确的。 东方画家很谦虚。 他的照片，雕像和地毯散布着极大的个性。 复制自然方面，限制自然的影响，是他最少的事业。 他在大自然中学习自然，专注于理解她最大和最小的现象，与她一起沉思。 但是他的照片不是对所见事物的报道，而是对情绪或精神感觉的升华。 他最有力的语言不是观察到的构图的细节或轮廓，而是沉思中得到的暗示。 他以抽象的颜色，线条，平面和空间体积来打扮，并以此传达出无法表达的意思。 素描 （或准备 画画 ）不属于东方组成部分。

中国人说，没有心灵的和平就不可能有艺术创造。 保持报告感和思维思维的能力，扩大灵魂的能力，从众生的中心默默地，甚至狂喜地凝视的能力-这种能力比解剖学知识和明暗的阴影更有价值精密。 甚至可以从东方的智慧中得出，如果没有内心的和平，就不可能有深刻的艺术享受。

这并不是说东方艺术缺乏壮丽或强烈的“这个世界”活力。 它是饱满，充满活力和丰富的。 有时，它会变成色彩，装饰或无意义的重复形式的奢华。 但是，即使过于夸大，非人格性也可能会保留。 小说的情怀与强迫 希腊雕塑 例如，在远东地区，由于对故事和个人情感的强调，不亚于其现实意图和缺乏正式的组织，这将是不可理解的，标志着这种发展与东方的意图和精神完全不同。

表现主义（不是象征主义）

一些评论员将东方艺术解释为主要是象征性的。 甚至日本作家都强调这种解释是东方成就与西方享乐之间的桥梁。 的确 日本艺术 -绘画和雕塑-都带有更多标记 象征 比中国艺术家的作品 但是那些完全品尝并欣赏了宋山风景或汉族“非自然”野兽的人很可能会在寻求符号者入侵时哭泣起来。 在一般的理解中，象征性的工作是建立一个智力概念来提出另一个智力概念的工作。 象征主义是思想思维的问题-智能化离东方艺术的核心很远。

相当 表现主义 这在亚洲艺术的主体中得到了典型的说明。 即使当前的现代主义者在狭义上使用了该术语，但与西方艺术的任何大发展相比，它更适合东方艺术 后印象派 。 表现主义的三个显着特征或品质可以被标记为中国艺术的基本要素：最大限度地利用艺术的独特材料和方法，从而形成逻辑形式的组织和丰富的感性价值； 极其依赖抽象手段和普遍节奏； 和表达是根据主体的内在理解或本质“结构”来表达的，而不是外在或偶然的方面。 目的是修复事物的感觉，而不是重现其尺寸，轮廓和材质细节。 值得一提的是，中国人在绘画的第一门绘画中讲的是有节奏的生活或形式上的动作，而日本人则经常讲装饰性和象征性的品质。

通常，东方艺术中的符号是附加的而非基本的兴趣，超出了所创建的，美学上动人的形式元素的价值。 如果“符号”一词的使用较为宽松，则不是在某种意义上代表一种想法，而是在某种意义上是一种景观，它暗示着比自己更大的感知力​​-唤起一种和平感，并通过进一步扩展而引起一种从城市存在的动荡和尘埃中释放出来的感觉-那么东方绘画也可以说是富有象征意义的。 但是只有在宗教绘画（主要是佛教绘画）中，一组符号（例如代表智力概念的物体，态度或标志）才是常见的。

依赖象征主义作为一种解释似乎是由于西方思想的需要 艺术评论家 寻找一些原因使东方艺术在众多人中占有一席之地。 过去，对形式卓越的欣赏并不是欧美受过良好教育的“艺术爱好者”的共同成就。 他学得越多，对抽象，可塑和深沉的节奏价值的感觉就越少。 每个人都在忙于指出画家如何巧妙地掌握了解剖学知识， 线性透视 以及出色的表示保真度，并增加了有关主题意义的说明。 观察者自然会在中国或日本艺术画廊中错过这些“基本美德”。 透视图不存在； 忠诚是对从未引起他注意的自然方面； 如果存在一个故事元素，那是来自外星神话或一种鲜为人知的生活方式。 在学术上讨论和赞扬的所有论点上，他都感到困惑：内容，技巧，真理，道德目的。 他被告知东方艺术出类拔萃，这是他抽象的，至关重要的和表现形式的价值。 但是，每位从西方知识化艺术到东方形式化艺术的毕业生都将告诉您，东方提供了最纯粹，最令人满意的艺术体验。

东方与西方艺术之间的差异

对于希望欣赏东方艺术的人的最终答案是，他必须将自己置于不断接触实际绘画和雕塑的方式中。 经验无可替代。 只要他保持胸襟开阔，他一定会来欣赏他们的。 同时，他可以通过记住以下几个基本差异来帮助自己的理解进程：东方艺术既不现实也不是生殖。 它的从业者认为它是一种创造方式，它关注的是生命价值，这些生命价值不能通过外在性质的偶然和短暂的方面来观察或说明。 它首先取决于感觉的提炼，然后取决于以下形式的表达-如果不是全部 抽象主义 -然后是几乎抽象的元素。 在欣赏方面，艺术也被视为一种精神关怀。 像所有精神活动一样，它以思想和心灵上的平静为前提，以灵魂上的安静为前提。 反过来，它带来了和平，使人们对生活充满了幸福。 如果人们坚持用大脑活跃，诡计多端，要求苛刻的生活； 如果人们继续不信任逻辑和视野之外的一切； 简而言之，如果一个人在某种程度上拒绝成为神秘主义者，那么除了他们华丽的感性色彩和正式的图案之外，不妨忽略东方的艺术。 但是对于努力工作并实现再教育和新的接受能力的他来说，那些卷起的卷轴有着空想的乐趣。

持续发展

当印度佛教雕塑传入中国并完全成熟时，一种同样习俗化的艺术 壁画 随之而来。 （有关更多信息，请参见： 印度，绘画和雕塑 。）洞穴神社中仍然零碎存在的例子，经中国思想和方法的修改，绝不算微不足道或无趣，它们导致了一种公认的成语。 中国佛教雕塑 ; 但由于外来因素的影响，它们超出了特色本土艺术发展的主线。

注意：有关早期佛教绘画的更多信息，请参见： 六朝时期的艺术 （220-589）和 隋朝艺术 （589-618）。

很久以前就有专家和原始做法。 如果人们倾向于怀疑将肖像画活动，传奇故事和历史插图以及纯粹的装饰画归功于基督之前的几个世纪的文学记录，那么在不迟于公元前二世纪就可以制作出伟大的彩绘建筑瓷砖。绘画的未来方向似乎已经确定。 人物在生活空间中的漂浮，细腻的笔触，线条的书法敏感性，对要素的表现主义专注-所有这些似乎都是艺术家们早已学到的。 的确，这里存在着一种直接和自然扭曲的感觉，而不是原始主义的感觉，而是成熟地被认为是可塑性表达的感觉，这是沿着一条直接远离现实主义的道路感觉到的。 在从Execias和Euphronius精美的形式主义经过漫长的发展之后，希腊绘画此时已到达自然主义的另一端。 在主题上，中国画的主要道路也已经指明了-不是通过眼睛而是通过更深刻的感性。

实际上，随后八百年的每幅绘画作品都已丢失。 但是，如果有人将唐诗或宋画卷放在这些早期的瓷砖旁边，就可以清楚地看出，在此中间的几个世纪中，八，十或十二个世纪，一直走着一条直线路，艺术是逐渐完善和完善而不是改变。 脾气暴躁，言语诗意浓郁，对光敏感的方法是种族特征。

该千年遗失的某些作品的书面记录得以保留。 他们毫不怀疑，这种艺术几乎是不断被培育和欣赏的。 也许太过分了。 例如，在公元八世纪，一位军事领袖委托18名画家装饰了一座寺庙。 此后，他认为他们的作品如此无与伦比，以至于他立刻将18个人全部处死了，这样他的对手再也无法重复这种工作。

甚至有一些罕见的例子归因于该时期的知名艺术家。 公元四世纪的顾启智（Ku Kai-chih）是佛教符号绘画和体裁作品的专家，现在在书中以连环画作代表。 英国博物馆 ，被称为 《宫廷教官的训诫》 ，并在华盛顿的Freer Collection中被大量刊登。 两者都表现出非凡的微妙性，表现力线的特征掌握和构图信心。 它们可能是后来的大师或黑客的复制品，因此比原始版本更好或更糟。 复制在整个以后的时代都是一种光荣而有用的活动，在中国认为艺术作品本身就是活的，赋予生命的实体的中国信仰中，有合理的，甚至不是精神上的证明。 它赋予生活的一种方式可能是启发后来的艺术家复制原始创作，或在同一主题上稍有不同的表达方式。

对作者而言，为西方读者勾勒出中国画的时期，学派和人物似乎无济于事。 我们对东方历史背景的了解如此模糊，以至于无法在艺术品与政治和社会框架的变化之间建立任何关联。 因此，在引言和解释中，似乎更有用的是表明中国画家的意图，并在可能的情况下传达其作品的精神，并仅提供丝毫按时间顺序进行的事实指导。

山水画

最好在许多世纪以来绘画盛行的过程中，只留下批评和传奇而不是榜样，并进入唐朝时代（618-906年），当时艺术随着皇帝的官方祝福而繁荣起来。 。 中国从来没有对外国影响开放过。 那时她与西亚和欧洲有贸易往来。 但是中国艺术再也没有如此独特。 甚至邀请的印度艺术家也很快被吸收。 到那时佛教是一个完全中国化的机构。 最初，绘画的风采在佛教象征性作品中形成。

吴道子被中国人视为最伟大的大师，他被认为在八世纪为绘画增添了新的力量和重要性。 他在早期的作品中刻意的细微和轻描淡写的言辞不合传统，而被更完整，更强大的风格所取代。 历史学家谈到了惊人的力量和雄伟的宏伟。 实际的壁画和丝绸画仅在描述中已知。 吴韬子创作了数百幅壁画，并因其他佛教作品而闻名。 从他的时代开始，尚存的作品（不是他自己的作品）而是其他提供了有关方法，风格变化，标准改变的信息的作品，主要是佛教奉献的画像，菩萨和其他近乎天体的生物以及天堂或肖像。 在更复杂的绘画中，以一种等级主义的精神完成，在印度的习语中仅作了少许修改，偶尔会出现一些边缘部分（也许是捐赠者的肖像），这表明了另一种更为严格的中国风格。

唐山风景图片

但是在唐代，山水画成为最典型的表现形式。 到八世纪，已经建立了景观处理的传统。 所有这些都远远超出了风景名胜区的意图 自然主义 这当然是西方直到八世纪后才发明的。 与“山水”一词相对应的中文术语从字面上表示“山与水”。 的确，历代以来，所有中国山水画家的目的一直是试图提炼这些最自由的自然元素，山脉，静水或流水的本质。 道家圣贤在远离城市，战争和尘土的安全区域中寻求安息和神圣识别的秘密，因此画家寻求在山水画中修复宇宙渗透的感觉和绝对的灵性。

书法与绘画的联系

在八世纪已经有不同的方法和流派。 一种特别安静的风格 微型绘画 归因于第一批大师。 也有诗人画家，他们在丝绸上的素描中固定了文字图片的情感特征。 在设计的线性部分经常提到的书法特征方面，人们还回想起了文学联系。 在中国书法中，符号来自象形文字。 就是说，这个词是对命名对象的简写，现在已经接近抽象，尽管有些微弱的相似。 在线的流动方式中，符号的标注方式还有其他含义，即其脆性或柔软性，其美味或活力。

毫不夸张地说，在这样的条件下写作成为一种 美术 在自身。 例如，“人”的单个字符可以被阴影化和“组成”以表示软弱的人或强壮的人、, 夫或英雄，部分地是由于笔触的软弱或有力和柔和的。 当中国诗歌被带入非象形文字时，这是无法翻译的元素，而且我们通常会留下变性的智力对等物。

因此，书面诗歌之所以具有艺术性，一定程度上是由于书法的敏感性和创造性阴影以及手稿的整体视觉效果。 画笔的处理变得熟练且富有表现力，达到了西方世界无法想象的程度。 而且自然地，东方的诗人和画家在意向上如此接近，在主观情感和直觉上都找到了他们的素材，在暗示上找到了他们的方法，这在画中产生了强烈的书法性，几乎可以在轮廓中看到令人难以置信地展现并发挥出流畅而断断续续的效果，就像编织的对位线。

二十世纪英国艺术史学家劳伦斯·比尼昂（Laurence Binyon）竭尽全力宣称“绘画对中国人而言是笔迹的一个分支”。 两种材料中的主要材料，画笔和中国墨水（一种几乎具有神奇的色调可能性的墨水）是相同的。 直接涂在丝绸或软纸上的方法排除了“修整”或校正的所有可能性； 因此，这些画作为一个整体，鲜有生气，鲜为人知。 也可以看看： 钢笔和墨水图纸 。

Binyon是西方东方艺术的先锋诠释者中最敏感的一位，他生动地解释了书法方法和诗人的方法是如何在重要领域，生命力的那些领域中产生线条和色彩和物体所没有的那些区域的。 他写道：“这位艺术家密切观察并把他的观察结果保存在他的记忆中。他构想了设计，完成了他打算绘画的心理形象后，便迅速而有把握地将其转移到了丝绸上。中国人用竹子作的小水墨画，是初学者和大师都喜欢的主题，是用精美的笔迹所珍视的，只有敏锐地欣赏了主题中生命和自然品格的同时欣赏。据说在大师的作品中，“即使没有通过刷子，这个想法仍然存在。” 值得注意的是，建议的价值，保留和沉默的价值，是值得注意的，因为没有其他艺术像中国人那样了解如何使空白空间成为设计的有效因素。”

对于中国雕塑，请参见： 玉雕 （从公元前4900年起）。

宋朝（960-1279）：中国绘画的黄金时代

当然，山水画也可以分为其他类型：例如，带有人物的风景导致 体裁绘画 ，最终。 在另一个方向上，有大师专门致力于 静物画 ，花卉研究以及鸟类和动物绘画。 所有这些都与宗教绘画的发展平行，以自己的方式展现和美丽，以及 肖像艺术 。 在唐朝时期和随后的五王朝时期（907-60年），样式和方法也有许多波动。

然而，绘画不像雕塑，只有在那个时代才达到极致。 宋代艺术 （960-1279）。 有个画家皇帝惠宗（统治1100-26年），他开始将他的宫廷设在 视觉艺术 并通过官方推广文化活动来改变自己的境界。 他在最早的“国家美术馆”之一中收集了五千幅画作，并成立了一个学院。 也许像埃及的伊赫纳顿一样，他对精神和艺术上的事情过于关注，而忽略了军队。 塔塔尔人不顾一切地占领了他的帝国，使他流亡，在那里他死了。 在这个国家吸收新征服者所花的一个世纪左右的时间里，据说画家们沉迷于已经成熟的品味，以摆脱活跃和陷入困境的世界。 那时，艺术是最有说服力的地区，它们有利于精神安宁和安息：灵魂的内向世界，高山的坚牢度以及迷雾笼罩的梦幻田野。 因此，回避了许宗在位期间对现实主义的轻微影响。

在宋末期，李唐和他的学生夏奎和马媛，根据宾扬的观点，发展了“最好的风景；概念上的综合，对执行的热情，将朴素与宏伟结合在一起”。 即使李成年在进行 历史绘画 以及转录当代生活； 而其他人正在改变佛教 宗教艺术 进入装饰华丽的装饰中，还有其他人对自然主义的准确性感到高兴。 宋代有八百个中国画家的名字。 所有这些潮流一直延续到明朝（1368-1644）。

在Song景观中如此重要地象征着什么？ 当然，它是整体的美学效果或令人着迷的东西-难以定义且难以捉摸。 没有其他类型的艺术可以使卓越性在分析面前退缩。 但是由于东方绘画在西方人眼中的奇特之处，使人们似乎一次很有用，可以找到各种构成要素，实际上是将这些脆弱的作品中的一件挑选出来。

有关蒙古人的绘画，请参见 元代艺术 （1271-1368）。

一幅中国画的分析

在史密森尼美术馆的弗里尔艺术馆中-有山水风景，题为 “皇帝遇见贤者慈雅” （12世纪）。 显然，该主题对情人不是最重要的。 对于熟悉情况的中国人而言，情况和传说的知识无疑增加了额外的意义，从而证实了这种特殊设置以及画家沉稳与宏伟的融合的正确性。 但是，不需要文学或历史的钥匙就可以识别出该作品是正式的杰作。 除了人物和传说之外，还有另一种主题-自然景象的叙事或提炼，构成了“简单而富丽堂皇”的典型实例。 具体来说，您可能会注意到基本的树木特征，岩石结构以及水的宁静，所有这些都在山区宏伟的氛围中得到缓冲。

然而，所有这一切似乎仅次于形式元素的交响音乐编排。 行动感非同一般； 然而，画面保持平衡，保持静止。 一半视场中的每个设计元素-从翻滚的体积，激进的线条和碰撞的平面开始-与另一半的悠扬，融化，抒情的平面，线条和体积形成对比。 整形的主要塑性节奏的活力也不会破坏平整度，平整度是装饰画的第一定律。 缺少自然阴影和采用东方的“布局”图片方法而不是采用科学的视角，都导致了该领域的这种浅层影响。

顺便说一句，这是一个构图，在观察者注意到惊人的划分后，将其划分为一个丰满的，“向前”的左半部分以及一个宽敞，明亮而遥远的右半部分，以细腻的小点奖励漫游的眼睛：这两个数字； 右下角的小树，特征为树，但在正式合奏中充当纹理丰富的位； 和隐藏的入口在左中途。 但是，从结构和心理上来说，关注的焦点是视线静止的位置，在视场的每一次进一步的运动之后，眼睛都非常高兴地返回到该点，即上部中央的朦胧，和谐，居住的空间。

这使我们得出一个事实，即画家的意图和成就最终都集中在既无法描绘也无法描述的事物上。 这张照片中构成的最后一件事是无形的-一种情绪，一种唤起。

客观地说，这是通过轻描淡写实现的。 更深层次的交流是通过抽象的方式，通过形式元素的特有的全面综合，很少使用客观手段。 就像艺术家的方法一样，结果是旁观者的回应，更接近沉思而不是观察。 人们知道，自然已经被渗透，深刻地理解，被反思。 然后调和，朝先验提升。 对于神秘主义者来说，自然并不是作为享乐展览而提出的外部事物。 更深入的服务是将人的意识带到存在所有人类和所有自然现象的地方。

就像人们可能会停留在那些看起来“特别”合适的地方-在一些小巧迷人的段落中一样-所以人们可能会停下来分别欣赏线条或色彩等单一形式元素的精湛技巧。 敏感的书法线条也许可以在对鸟类，花卉或动物的经济描绘中得到更好的研究，而这种描绘在西方绘图员中令人绝望，因此划界是无与伦比的。 在马原的《 桥与柳》风景画 和陈静的《 九龙》 卷轴画中，形式和人物之间的精妙平衡也是如此！

国画色彩

颜色 在中国山水画中很少强调。 可以将最轻的触摸或最模糊的清洗添加到单色图片中，或将其省略掉。 但是中国墨水中的单调不是西方意义上的单调。 影响范围是巨大的。

然而，在宋元画中，色彩上升到一个主要的位置。 在某些佛教吊画中丰富的色调和质感发挥作用是无法描述的。 我们看到刺绣和编织的丝绸中经常出现野蛮的富裕，尤其是在ro中，因为这些被保存下来并带到西方了。 但是有一些稀有的画质。 在西藏，尤其是在韩国，发现这种色彩饱满，色泽饱满的画作极为壮观。 （关于中国画，雕塑，玉雕和 古代陶器 关于韩国​​文化，请参见： 韩国艺术 （从公元前3, 000年起）。）

中文 壁画 达到了世界上任何其他表现形式所无法比拟的丰富装饰水平。 人物的节奏调整，强烈的线性相互作用，无与伦比的中国图案以及诱人的色彩-所有这些都被认为是至关重要的，即使是零碎的构图也是如此。 这就是 1551年的明壁画《 观音 》。 波士顿美术博物馆 。

卷画

中国和日本的卷画是西方所不知道的。艺术家从一串丝绸的一端开始画画，然后将他的情节传奇或风景不断地延伸到另一端。这项工作通常保持滚动状态。就像在我们的博物馆中一样，它可能会以特别悦人的通道开放。或者，以东方方式，逐渐坐着展开，并在整个过程中一点一点地享受。不寻常的连续形式需要一种特殊的流利技巧：图片必须有节奏地前进，可以这么说，但在每个片段中都呈现出统一的图形实体。

展现大师画家的风景，取悦自己的暂停，在缓慢变化的视觉体验中失去外在自我的乐趣，是一种审美享受的形式，不同于西方人所熟知。展开和重新展开丝绸场的机制就像在人们穿过树林和草地时看到不断变化的景观一样自然，就像翻开一本吸引人的书本一样自动。

同样，最后，当一个人在中国山水画集里徘徊时，情绪才是最重要的。 如果我们内心平静地睁开眼睛，我们将发现自己完全被吸收。 这不是消极，没有经验，仅仅是退缩； 这些事物有动态的运动，是积极的正式经验。 但是，经验是通过一种使观察者准备好静下来思考的方法来传递的，这是一种在平静中的享受。