日本艺术：历史，类型，风格 自动翻译

这是对日本五种重要视觉艺术类型的起源，影响和历史发展的简要介绍。

有关日本浮世绘版画和其他装饰艺术对欧洲艺术家的影响，请参阅： JAPONISM （c.1854-1900）。

绳纹陶瓷

“绳纹”是给的名字 古代陶器 在日本时代生产 史前艺术 ：即从公元前14500年至公元前100年左右生产的所有陶土锅，器皿和陶瓷小雕像。 绳纹文化由此开始于 旧石器时代的艺术 并持续了整个 新石器时代的艺术 （公元前10, 000-2, 000年）。 实际上，“绳纹”一词现在用于指整个日语 石器时代艺术 。 要了解绳纹陶器如何适应世界各地的陶艺发展史，请参见： 陶器时间表 （公元前26, 000年-1900年）。

绳纹船几乎可以肯定地受到了 中国陶器 ，自从 仙人洞窑陶 （公元前18, 000年）和 玉禅岩窑陶 （公元前16, 000年）。 公元前14500年左右，中国的技术跨境传入西伯利亚，从 阿穆尔河盆地陶器 ，可以追溯到公元前14, 300年，并且还可能越过日本海到达本州。 无论如何，我们知道日本陶器也是在这个时候开始的，从最古老的绳文遗址获得的放射性碳年代可以看出，即：御台山本一世遗址（东北）（公元前14540年）。 福井洞（九州）（公元前14, 000年）; 和卡米诺（Kanto）（公元前13, 500年）。

绳纹陶器 经历了六个时期的演变：初期绳文14500-8000 BCE； 最初的绳文8000-5000 BCE; 公元前5000-2500年早期的绳纹; 公元前2500年至1500年； 绳纹晚期1500-1000 BCE； 最终绳文1000-100 BCE。 看日语 古代艺术 适应世界各地手工艺品的发展，请参阅： 史前艺术时间表 （从公元前250万起）。

早期绳纹 陶艺 由未精制的粘土制成，在户外篝火中低火燃烧。 容器的形状仅限于具有尖头或圆形底部的简单碗和罐，而装饰仅限于外表面的绳索标记。 但是，随着新石器时代的发展，陶器制作变得更加精致。 （也可以看看： 中国的新石器时代艺术 ：公元前7500-2000年。）因此，船只的形状变得更加多样化，包括平坦的底座和更多华丽的装饰类型。 烧制技术得到改善，并引入了原始窑炉，而社会的变化导致了对新系列陶瓷制品的更大需求。 在适当的时候，创造了用于宗教或仪式仪式的新型船只。 绳纹中期和晚期见证了“ dogu”黏土小雕像的泛滥-一系列拟人化的人物，包括奇怪的“瞪眼”形式（见左图）。

佛教寺庙的艺术

日本是世界上一些最伟大的国库 雕塑 ，几乎所有佛教徒，起初都强烈依赖于 中国艺术 。 但是，日本的中世纪佛教艺术往往比中国或韩国的保存更好，而且由于缺乏相关的例子，通常很难决定是否要 宗教艺术 是进口的，或者是日本本地人，或者是移民。

佛教到来之前的日本历史分为三个主要时期，即 绳文 （约7500-200 BCE）， 弥生 （ Yayoi） （200 BCE-200 CE）和 Tumulus （200-600 CE），从这些时期开始，大部分是小型陶瓷雕塑。生存。 新石器时代的 绳纹 小雕像是灰色和红色的陶器，其身体特征是有山脊和浅切口，圆圆的眼睛赋予了抽象的图像生命， 古穆勒斯 时期的名称来自其统治者建造的巨大墓葬，其周围有大量 汉瓦（Haniva）的尸体 被发现-陶瓷缸上顶着固定器，妇女，动物和房屋。 根据古代文献， haniva 代替了曾经伴随着大帝进入坟墓的活人和真实物体，尽管考古学并未证实这一点。

佛教的第一波影响是从韩国的百济王国传入日本的。 据报道，朝鲜国王在538年向日本天皇送上了金铜佛像。天皇宣布自己对深刻的佛教教义深为感动，但由于瘟疫来临，礼物被扔进了一条运河。 但是，更多的图像，然后是艺术家（包括来自中国的一位知名大师，立藤-请参见 中国佛教雕塑 ），到了六世纪末，日本摄政王Shotoku王子公开欢迎佛教。 然后在奈良地区建立了著名的Horyu修道院，并开始大量生产图像。 起初，佛教雕塑只限于几个主题- 沙卡 （历史佛）， 弥鹿 （康复佛）， 密路 （未来的佛或弥勒佛）， 关 农 或 观音 （慈悲菩萨）和监护人北方，东方，南方和西方的国王。 两个佛教三位一体，佛陀的侧面是两个菩萨 青铜 是由移民Tachito的孙子Tori亲手录制的，Torito因其较高的社会地位而获得奖励。 早期日本雕塑的风格显然源自中国的例子（例如，与龙门和云岗的那些例子相比），通常是通过韩国媒介带到日本的-就像传统上归因于“库达姆（Paekche）观音”一样。韩国艺术家。 形式有些僵硬和拉长，平滑成带有渐变褶皱和优美褶皱末端书法的平缓渐变表面。 （注：要了解中国式手工艺品如何在东亚传播，请参阅： 韩国艺术 。）

有关中国早期佛教艺术的详细信息，请参见： 六朝时期的艺术 （220-589）和 隋朝艺术 （589-618）。

在七，八世纪， 木 成为日本雕塑家的青睐媒介。 它被雕刻和抛光成平滑的起伏体积，该体积由柔和的轮廓形成，或多或少地由线性图案激活。 （也可以看看： 玉雕 。）然而，这一时期最好的例子之一是青铜器，这是巨大的独立的佛教三位一体，可能在八世纪初在奈良的Yakushi寺举行。 悬垂的线条自由地环绕着宏伟而庞大的Yakushi。 菩萨也很丰满，象征着优雅。 如此巨大的图像，很可能是直接从中国唐人的原型中获得的，如今已经丢失了，在 奈良 时期（710-84年）经常从每个省订购这些图像，以庆祝瘟疫的过去，皇帝的加入等等。 幸存于奈良的东大神庙的那枚雕像由近五吨金属制成，尽管这些雕像是空心的，是用失蜡方法铸造的。 有关东方绘画背后的美学原理的指南，例如中国的绘画，雕塑和众多手工艺品，请参见： 中国传统艺术：特色 。

另一种雕塑形式是未烧制的黏土，出现在Horyu寺院 的《佛陀之死》 （711）的雕像中，是自由建模的哀悼门徒的小雕像。 每个门徒被视为一个独立的个体。 类似的现实主义也充斥着Toshodai修道院的创始人，曾被尊为日本圣人的中国僧侣Ganjin的宏伟的干漆肖像。 他似乎从中国带来了艺术家，并带来了新的影响力。 Toshadai寺中巨大的 观音 塔高5.5米（18英尺），其千臂（实际上是953个）在平静的面部周围形成了梦幻般的金光石，也是干漆。 赣进开创了一种新的强大的肖像雕塑传统，这肯定与中国的潮流以罗汉斯的个人主义风格达到顶峰有关，而观音则展现出一种新的沉重而静态的风格，带有沉重的弯曲褶皱。

在 平安 时代（784-1185），一个神秘的宗派- 真言宗佛教徒 开始兴盛。 他们长时间的仪式需要大量的图像，体现出精神力量四射的万神殿，每幅图像都具有独特的，通常是非常精美的属性。 在十一世纪，雕刻家诉诸于将雕刻木的拼合部分缝制成较复杂形状的技术（ yosegi ）。 镰仓幕府 （1185-1392）期间进行的精心制作的仪式不再受到国家的支持，尽管继续为他们制作了许多大型和高品质的雕塑，其发明日趋活跃，并始终坚持写实主义。 十三世纪的两个伟大的木雕家， Unkei 和 Kaikei 是著名的。 他们的守护神雕像令人生畏。

佛教寺庙不仅装饰有雕塑，而且还壁画上绣有横幅，花丝，插图手稿， 图纸 和大字印刷的卷轴。 私人拥有寺庙中图像的微型版本和小型便携式神rine，有时还用珍贵的材料雕刻而成。

禅墨画

“ 禅 ”是汉语“ 禅 ”的日语发音， 禅 是朝气蓬勃的，原教旨主义的佛教派，于20世纪90年代在中国兴盛起来。 唐代艺术 （618-906）。 它代表拒绝在大寺院中实行的传统佛教的繁复仪式和职责，以其庞大的礼仪，绘画和雕塑的宝藏； 禅宗僧侣通过个人奉献，节俭和集中冥想来寻求启蒙，并希望在日常活动的日常过程中达到这一目标。

镰仓幕府 （1185-1332年）期间，禅宗佛教被许多武士阶层采用。 幕府是以military皇帝的名义统治日本的军事独裁政权，幕府将其与他的臣民们视作ffe弱，轻浮，受到礼仪的束缚。 幕府则与禅宗佛教以及武士（“武士”）的种姓和法则形成了鲜明对比，后者的道德和才智是建立在禅宗的戒律之上的。 在他们的剑，弓和长矛禅宗武术中，获得启蒙的训练发挥了重要作用。 武士的动作必须是自发而立竿见影的，在需求和行动之间不需任何多余的思想。 在水墨绘画中培养了类似的品质。

到了14世纪， 室町时代 （1333-1573），水墨画-尤其是禅师的绘画-在日本占据了主导地位。 亚洲艺术 在中国大陆上。 它建立在 水墨画 中国宋的作品：纯黑色中国水墨（ suzboku ）是主要媒介，其题材也取材自中国曲目-最重要的是 景观 和季节，而且 画像 。 它的美学要求视觉的直接性，对自然的敏感性的自发反映-它紧密地基于中国经典，但通过禅宗禅修技术得以实现。 一系列画家在日本逐渐确立了这种中国风格，其中包括 Shubun （活跃于14世纪）和 Bunsei （活跃于15世纪）。 其中最伟大的是 Sesshu （1420-1506），他也许是日本最有特色的水墨画家，尽管他也像他的前辈一样受到当时那个时代伟大画家的强烈影响。 宋代艺术 （906-1279），包括禅宗和尚 慕其 ，还由明代画家 戴金 。 据塞苏（Sesshu）报道，他在中国学习期间（1467-68），他被认为是中国最伟大的在世画家。 实际上，塞舒的绘画线条比宋代画家的绘画线条更粗糙，更棱角分明，以更大的自由和更强的个性表达了他对自然的体验，超越了当时中国大师所追求的形式和精神的学术和谐。 后代的日本艺术家将继续借鉴他的榜样，尤其是 卡诺 家族学校的画家。

按照传统，卡诺画派的创始人是 卡诺· 雅 信 （ Kano Masanobu ，1434-1530年），他以大师级Shubun的柔和风格开始绘画，然后以明显清晰，平衡的构图表现出更具装饰性的表现，特别是在一系列作品中，禅寺的壁画和屏幕绘画大多遗失了。 他的儿子 卡诺 （ Kano Motonobu） （1476-1559）将 卡诺 （Kano）风格巩固在抒情的轮廓中，既体现了他对Sesshu的钦佩，也赞扬了中国宋代大师的风格。 像他的父亲一样，他在禅宗寺院工作，并且为使卡诺学校获得幕府地位而做了很多工作。

在 桃山幕府将军 统治期间（1568-1615年），为响应大炮的进口，贵族们在高耸的石头基座上建造的大城堡提供了大面积的彩绘墙面-卡诺艺术家们为此做出了积极的回应，想像力。 伟大的天才是本 野信子 （Kon Eitoku ，1543-90年）。 他在柔和的水墨风格中注入了大和电子世俗装饰传统的丰富色彩和金箔特征，在他的屏幕上以巨大的线条画着巨大的树木或岩石，与金色，朦胧，非物质的相映成趣背景。 不幸的是，他的手几乎没有幸免于他工作过的宫殿和城堡的破坏。 他的当代 长谷川东北 （1539-1610）也有大气，非对称设计的装饰屏风，但他以单色画和他悠闲的笔法的微妙而闻名。 卡诺画派继续蓬勃发展到18世纪，逐渐失去了灵感。

严格的禅宗绘画风格在 江户时代 （1615年至1867年）重新焕发了生命，当时水墨画家和武士剑客 Niten （1584-1645年）重申了朴素和直接的 作风 ，他们的笔法具有相应的迅捷，简洁的品质。 Niten生动的单色笔触与他同时代的 Sotatsu （卒于1643年）和 Koetsu （卒于1558-1637年） 相提并论 ，他们不仅是水墨画家（尽管不是禅宗风格的画家），而且还是装饰画家，对复兴 苏维埃 艺术起到了重要作用。浮世绘。 禅宗的概念到那时不再那么严峻了。 茶道最初是由僧侣作为沉思仪式进行的，后来被培养为一种美学而非一种宗教活动，而茶道则是从 桃山 和 江户时代 起才得以生存的，这是最精美，微妙的，装饰精美的器皿。 禅宗的更新也刺激了ku句的 隐喻性 ， 象征性的 ，17个音节的诗句形式的发展以及由诗人画家尤萨·布森（ Yosa Buson （1716-83））完善的海加画作。 禅宗僧侣们实践这幅画来检验他们的直觉洞察力是一种极为相似的美学-一种极端的“最小”原理，始终指导日本水墨画以最少的方式表现最多。

有关东亚文化发展的重要日期，请参阅： 中国艺术时间表 （公元前18, 000年至今）。

浮世绘

日本人本质上是世俗的绘画方式，称为“大和”，即“日本绘画”，最初 起源 于中国唐代风格，这种风格渗透日本并在中世纪早期被同化。 它最初是一种宫廷风格，与画作明显不同，直接受后来的以中国为主导的例子的启发 艺术 在 镰仓 和 室町幕府 （1185-1573）期间。 它更正式，更装饰，更丰富多彩的美学与禅宗水墨画家的自发性，直觉和个人表现（通常是单色的）完全相反，尽管正如我们已经看到的，两种模式在某种程度上相互作用。

大和绘的特征在 藤原高信 （1141-1204）的著名宫廷贵族肖像中很早就显现出来，反映出统治中世纪日本贵族交往的极其严格的惯例。 如今，这些面孔似乎已高度程式化，强调简单的图形设计以及装饰性细节。 然而，在他们的时代，他们的现实主义引起了一些丑闻。

大和的最重要的例子是画轴。 在 平安 时期（784-1185年），可能是从中国进口的唐代佛教卷轴激发了长篇叙事卷轴 和服 的发展，反映了朝廷的高雅文化享受。 其中最早和最好的一组是穆拉西夫人（ Murasaki）著名的 十一世纪宫廷生活小说《源氏物语》（The Tale of Genji），场景与文字交替出现。 用黑色墨水勾勒出的数字是根据公式绘制的； 正是他们时髦的长袍决定了他们的身份和地位，而不是脸庞变成空的椭圆形，鼻子由小钩子勾勒，眼睛由细小的黑tick子勾勒。 建筑物大多是无屋顶的，且投影时应允许观看室内场景。

其他类型不同但风格相关的叙事手稿则专门用于日本佛教圣人的生活或日本通常凶猛的历史，有时是讽刺性的，有时是戏剧性的。 十二世纪的 Ban Dainagon 卷轴也许是最具戏剧性的。 它们的出色之处在于，连续的情节融入了连续的画面中，以无数个生动逼真的动画人物的形式出现，高度只有几毫米，随着长卷轴从右向左展开。 从贵族到农民，所有阶层的人都被描绘成一系列表达暴力情绪的忙碌手势。

从这些早期的原型机开始，经过一连串的叙事长篇大片，实际上已经运用到虚线和装饰色中描绘生动活泼的风格的技巧得到了实践和发展。 该传统由 土佐 家族学校主导，该家族学校是在 京都 神圣皇室的保守和礼仪环境中建立的。 土佐早期的艺术家们培育了精致的表面装饰技术，色彩丰富，叶子多金； 在幕府将军初期，学校衰落了，但是在16世纪和17世纪，装饰性的辉煌重​​新进入了日本绘画的主流，并由 Tosa Mitsunobu （1434-1525）复活了。 从土佐学校的例子来看，艺术家 光 悦 （ Koetsu） 和 索达索 （ Sotatsu） （也因其水墨绘画而闻名，见上）在十七世纪初在京都发展出了一种色彩鲜艳的风格，由 绪方 晃林（1658-1716）采用，是Sotatsu的热心仰慕者。 Korin出色的屏幕和卷轴结合了传统图像的元素 国画 带有日本民间传说，采用引人注目的设计，并给人以非凡的色彩和质感。 与纯装饰作品的形式华丽相比，他还绘画了生动的自然主义研究。

大和 江 的最后一个杰出时期始于1615年将幕府从京都迁至现代东京都江户时代。江户市民的艺术是一种新的繁荣类型，与社会仪式无关也没有宗教表达，但纯粹是为了娱乐。 为了他们的奉献精神，将复兴的大和风格用于 流派绘画 例如 松浦 银幕，那位女士穿着华丽的现代服装。 这将是浮世绘的主题； 浮世绘艺术家的主要媒介是 木刻版画 ，它是在17世纪的江户开发的，特别是由 Moronobu （c.1618-94）开发的，他是最早使用这种方法的人之一。 书插图 。 Moronobu将自己视为大和江传统的追随者，并据此签了字。 所有江户艺术家都从事色情艺术创作。 Sigimura Jihei （活跃于17世纪后期）制作了精美的色情作品，非常受欢迎。

注意：江户时代发明的另一种日本工艺是 折纸 ，折纸艺术。

大和琴的表达范围从其早期的复杂形式扩展到了多愁善感，富裕的，有时甚至是粗糙的江户风格。 它的许多分支中，最重要的是漆画艺术。 几位著名画家曾尝试过漆器，包括17世纪的 Koetsu 和 Korin 。 中国漆器 自古以来就制成，并在 明代艺术 （1368-1644）。 在江户时代，日本人在画小漆杯和碗碟上，特别是在被称为 inro 的分隔药盒上，发展出了非凡的技巧。 这些通过一根用 蚊帐 ，木头，象牙或半宝石雕刻的绳子固定的绳子固定在佩戴者的腰带上。 无论是浮雕还是圆形，日本工匠都能在一个非常小的微型指南针中产生令人惊讶的奇妙效果。

浮世绘

浮世绘 的主题是“浮 空 世界的图画”，它首先出现在屏幕和挂轴上，但在十七世纪后期被木刻印刷者所采用。 浮世绘版画 在专业商店中制作，既作为小说的插图，又作为独立的图片出版。 版画 工匠到艺术家的设计，以及他们通常的书法风格，已经由 Kaigetsudo Ando （活跃于1700-14年）及其同事制作的手工上色版画形成。 在安藤海月堂的单幅照片中，著名的美女吉野（江户的妓院区）（现在的东京）将重点放在和服的华丽设计上，以和气的曲线和强壮的广角描绘，大胆地将两个尺寸组成。 （也可以看看： 木刻 。）

漆画大约在1720年出现，其中设计的某些部分（例如和服的腰带）涂有光泽的墨水，而其他部分则覆盖有胶水并撒上金属粉末 -Sharaku 在本世纪晚些时候采用了这种技术。 。 铃木春信 （1724-70）发明了多块彩色印刷品。1765年，春信的影像围绕着一个脆弱的女人，几乎是幼稚的女人，在大街上绊倒，或者在家里闲逛或在谈话中拍照，或者爱情：在18世纪下半叶，Harunobu确立了浮世绘的普遍情绪，以对日常现实的幻想和优雅的魅力投入其中。

在江户版画第一次成熟时，众多可观的艺术家中有三位巨人， 高丽寺 ， 清永和 宇多 郎太郎 。 起初， Koryusai 的风格（活跃于1765-84年）与他的主人Harunobu的风格非常接近，但是在Harunobu死后，他于1770年代开始设计一种新的更大的格式（很快成为其他艺术家的标准），并开始了漫长的创作。一系列的妓女图片-吉原的美人，站立或散步时独自或与陪同者合影-他以精美的构图呈现了他们的图像，使用线束定义了垂坠和褶皱的层叠。 他在鸟类和植物组成方面也非常杰出，并且与几乎所有其他江户艺术家一样，他创作的版画表现出了对行动的热爱。 Kiyonaga （1752-1815）擅长于在建筑或景观环境中扩展人物的构图，这些景观以非常微妙的空中视角而著称。 他的设计经常在多张纸上（两，三张或更多张）连续进行，从而使延伸的叙述触及印刷品。

Utamaro （1735-1806）通常被视为浮世绘版画中的佼佼者。 他演变出一种新的女性美，大体，柔软但强壮，在宽广的循环线条中令人回味-并在他的日本传说和民间传说插图中使用了这种类型。 他擅长于技术手段，引入效果来传达织物的透明度，并通过构图的边界来裁切人物，这一技巧值得人们赞赏和模仿。 印象派 。

这些艺术家在18世纪末期被年轻一代所竞争，其中包括神秘的Sharaku（活跃于1794-95年）。 人们认为他是传统上 能乐 剧院的演员。 在1794-95年间，他转向版画创作了10个月，并制作了至少136张歌舞act演员的杰出肖像。 他刻苦而刻苦的作风如今已得到人们的津津乐道，但他那刻薄的性格在当时似乎并未吸引公众。

北斋 相反（1760至1849年）的职业生涯却非常漫长：晚年他签下了自己的名头。 这位老太太疯狂地绘画 ，他的确是一位实验艺术家，对生活和艺术的奇异之处充满幽默感和欣赏力。 直到1823年左右，他才制作了比较传统的演员和妓女版画，并在1798年创作了一系列很小的 《江户 风景》，这是他的第一幅风景画。 然后在1823年和1829年之间，他以其《 富士山的 三十六幅 风景图》 （后来共制作了46幅版画）而声名：起：以前的浮世绘艺术家对风景戏剧没有如此直接的兴趣，这种机智和幽默感十足。大胆的设计。 他非常多产，不仅在版画上，而且在鸟类和花卉图片，插图贺卡以及1814年以来收集的图纸（他的 漫画 ）中共13卷。 见他的 富士山在晴天 （c.1829）在 英国博物馆 ，伦敦。

北斋是一位主要的艺术家，但也是一个过渡人物，将18世纪与19世纪联系在一起。 在检查员的压力下，版画的主题发生了变化。 它是 弘成 （1797-1858）成为最伟大的风景画家。 尽管他的观点当然受到北斋风格的影响，但他抛弃了他的勇气，充满了诗意的气氛，对老百姓的日常事务表示同情。 国吉 （1797-1861）发展了另一种模式，即日本丰富的传奇剧目，即“武士战争”。 在大型印刷品中，包括一些 三联 格式中，他举例说明了与可怕的赔率和怪物作战的英雄。 但是国芳和弘重的工作是可变的。 西方影响力和技术水平的下降正在侵蚀日本版画的质量，而与此同时，西方画家开始狂热地收集它们，并将其大胆的设计和极好的装饰色彩融入到自己的作品中。

有关亚洲艺术的更多信息

有关在亚洲实践的手工艺品的更多信息，请参见以下内容：