中国传统艺术：特色，美学 自动翻译

东方艺术与西方艺术的比较

从波斯到中国的东方国家发达 文明 杰出的 古代艺术 充满了精神气质。 希腊人的方式是拒绝不可知的事物，不信任大脑无法识别的事物，（而是）通过知识化推进，将自然美，理性，演绎的理想固定在艺术品中。 从而 希腊艺术 从敏感的观察中产生出来，并产生清晰，逼真的表示形式；或者在建筑中，形成稀疏装饰的逻辑，功能结构。

东方 方式-例如 中国艺术 -就是要淡化观察到的自然现象，以直觉的价值，精神的内蕴以及色彩和创造性正式组织的抽象元素寻求生活的本质。 东方艺术，而不是明显的人文，自然和知识，为这种精神注入了活力。 它的荣耀是在近乎抽象的，沉思的，神秘的和富有感情的领域中实现的。

当来自东方的势力浪潮涌入时，西方艺术最好的出现了。 正如欧洲最深远的宗教来自亚洲一样，欧洲的 视觉艺术 当西方神秘主义，色彩（从最广泛的意义上讲）以及来自中东和远东的入侵者所提供的精致美学使西方的光秃秃的古典主义和知识分子得到充实时，最富有，最温暖和令人满足。 毫无疑问，今天西方人对其文艺复兴时期后的艺术抱有幻想，最后意识到，希腊人的成就，尽管形式完美，但仅限于向该领域开放的一小部分。艺术家; 更大的精深艺术作品属于中国和波斯，而印度，印度尼西亚和日本则只占较小的比例。

为了表达这种无法表达的观点，印度哲学家提供了一个有助于西方观察者为东方艺术的表面怪异而沮丧的形象。 他说，灵魂是 内在的眼睛 。 它不是将目光投向外部世界，而是面向永恒的现实。 它从本质上，在精神意义上看待宇宙。 东方人用这种内在的眼神来表达他的艺术，而不是试图通过熟悉或巧妙的模仿来取悦外在的眼神，或者通过理性的表达来使智者取悦。 艺术中的抽象元素-色彩，节奏，形式活力-是一种灵魂易懂的语言，并欢迎内在视觉。

这种意识中心的眼睛可以睁开，在使用过程中变得敏感，这种眼睛在大多数西方人中由于疏忽而萎缩，或者由于推理而故意失明。 仅凭它就能发现艺术可能带来的最欢乐和最深刻的乐趣。 它关注与感觉相关的价值，而不是与陈述相关的价值，不要求通过感官和大脑进行翻译，而是将旁观者立即转移到艺术家发现灵感和构想其形象的来源。

可以真正说的是，西方人一直在寻求事实，紧张，渴望客观的报道，鄙视陌生的事物。 它一直是盲目和想不到的。 但现在是自 文艺复兴时期的艺术 ，许多西方人都试图理解内眼的象征意义。 他们认识到，如果不动脑子，不发展内在的沉思视野，就无法希望理解信息并欣赏周青铜或宋山水画的形式美。

国画 之所以很奇怪，是因为它表达了灵魂的静ude，精神上的沉思。 它的语言更多是抽象和普遍的运动和情绪，而不是观察到的效果和具体的自然细节。 它对那些安静地与安静地相遇的人说出最好的话，而这些人却无辜地达到了现实的期望。

即使是由汉雕刻家雕刻的充满活力的怪物，也更像是怪物想法和石块所唤起的感觉的产物，而不是表象。

真诚地希望体验东方艺术作品的观察者-至少希望突破智力对创作的束缚的艺术家-很好地思考了存在中心的眼睛符号。 在思考和理解之后，他可能会在生活中找到新的平静。 沉思中的新见解，甚至是狂喜； 在他面前，东方艺术领域开辟了正式享受的新世界。 充其量，他可能会体验到灵魂的光芒，对内在生命的令人陶醉的照耀，这伴随着对灵魂的投降以及它对存在的有节奏的创造性秩序的参与。

作为关于亚洲艺术精神和意图的最后一句话，也许有人会说它并没有作为展览的景观。 它的目的是使旁观者以创造秩序来感受他的一体性，即一切生命之源的和谐一体性。 类似地，亚洲的宗教绘画和雕塑也存在，而不是像西方那样指导，印象和美化 宗教艺术 ，但要给人一种完全和平，正义和令人愉悦的喜悦的感觉。 这种艺术既是直接的，令人愉悦的视觉体验，又是实现宇宙自我认同的手段，是有序感觉的传递，是精神物质世界的基础。

无论个人做出何种反应，都不再能够拒绝将亚洲艺术的地位放在任何其他大洲之上。 在众多的杰作中 绘画 和 雕塑 留给以后的时代，一个时代接一个时代的人们对艺术生活的光辉和敏感性，尤其是所谓的次要艺术在塑料和感性上的丰富性，在陶器和瓷器中，在纺织品和服装中面料，以及玉雕和 漆器 ，东方优越。

对于西方人而言，在东方人低估西方艺术的前提下，西方人以其优越性（也许在科学，发明和战争领域有充分的​​立足点）而感到惊讶。 他们研究了现实主义，并发现它是一种劣等的表达方式。 他们错过了宇宙平静的口音，精神渗透的抽象标志，沉思后的宁静。

在世界艺术流中，目前没有潮流，除非可能 埃及艺术 像中国人一样流传了千百年，具有独特的口音。 该 古代波斯艺术 每隔一段时间开花一次，但间断。 除了这两个 日本艺术 文化似乎还比较陌生和不成熟； 然而，它拥有一千四百多年的不间断历史，并且在英语诞生之前，它的艺术就蓬勃发展了几个世纪。

现在是时候了，我们新世界，欧洲和美洲承认这种古老的亚洲文化，我们接受了它作为世界重要艺术流中的主要潮流。 在将我们的西方成就与它联系起来时，我们不仅需要承认其超凡的美，还需要承认其对我们自己的视觉文化的丰富影响，不仅是在 拜占庭艺术 和 拉文纳马赛克 ，但在十九世纪的欧洲的摩尔人西班牙，威尼斯； 也许也是如此-在亚洲穿越白令桥的一些无人发现的环路中-影响 海洋艺术 也许是走回欧洲衍生的美国文化的道路。

中国早期艺术的辉煌

旧石器时代的文化 在中国产生了早期的普通陶器，石器和骨器 工艺 和工艺。 与许多其他新石器时代文化中的陶器相比，陶器的装饰更为复杂和灵敏。 从考古学家的发现和结论中获得的重要信息之一是，历史悠久的中国人是居住在同一土地上的石器时代祖先的后裔。 这一直受到挑战：西方学者长期以来一直认为，中国文化是从某个地区向西方传入晚期的。 现在，从不晚于公元前3000年的坟墓和青铜时代遗骸的证据中，证明了连续性。 这并不排除一次又一次感受到外界影响的可能性，甚至是确定性。 也可以看看： 中国的新石器时代艺术 （公元前7500-2000年）。

某些特征的历史顺序最早是在一些模糊的“公元前14世纪之后”的青铜器皿中建立的，但是宏伟的装饰和精湛的工艺显示出很长的试验和成熟时期。 大锅，酒杯和钟的礼仪性格，通常都刻有纪念铭文，毫无疑问，这里 青铜时代的艺术 已经以深厚的技巧和使用华丽的材料而著称。 封建贵族或战争领主很可能在极端野蛮的剥削和大规模谋杀的条件下以及在迷信的背景下享受着他们的文化。 但是的遗物 艺术 然而，仪式和仪式对于先进的，甚至是野蛮的文明是辉煌而永恒的。

尽管中国历史记载于公元前1000年左右，但直到公元前三世纪，学者们才详细描述了生活形式。 然后，牧师国王和封建领主让位给了第一位环球皇帝-他正式取名-将这个国家团结成一个帝国，建造了长城，并建立了既定的宫廷风俗和艺术。 他的王朝取代了最早的雕刻艺术开花期，即汉朝，始于公元前206年至公元220年。 这是整个世界历史上真正杰出的雕塑时期之一。 在同一时期，绘画的目的和方法得以固定。 但是，这些作品几乎全部丢失了。 陶器也进行了新的改良。

有关中国传统工艺发展的重要日期，请参见： 中国艺术时间表 （公元前18, 000年至今）。

佛教宗教进入中国艺术

由于中国的艺术与精神生活息息相关，因此很高兴提醒自己，在公元前六世纪，该国曾有两个有史以来最伟大的宗教先知，道家老子和老子。孔子。 那是佛陀来到印度的一个世纪，也是希腊亵渎哲学和知识探索兴起之前的一个世纪（此后在古典世界中，这些宗教在很大程度上取代了宗教）。 宁静，精神为中心的中国画与道家哲学之间的联系不容错过。 在佛教时代有效传入中国的佛教 汉代艺术 （公元前206年-公元220年）带来了自己的方法和标志，这些方法和标志在没有到印度佛教艺术的挥之不去的影响的情况下，被吸收到了魏朝后期的中国雕塑和绘画实践中。在汉唐时期之间的四百年间。

那是在 唐代艺术 东亚文化取得了最大的胜利。 在这个王朝的三个世纪的统治时期（公元618-906年），艺术扩展到吞并的土地并确定了其发展方向。 韩国艺术 以及日本。 中国佛教的发展路线是固定的，有点偏离印度的禁欲主义。 更人文主义的注释暗示了老子的幸存影响，预示了后来的道教，在这两种宗教中和谐相处。 在绘画和雕塑中，在瓷器中和小规模 兵马俑雕塑 在纺织和玉石领域，这是当今世界上最多产，最激动人心的时期之一 艺术史 ，与欧洲停滞的黑暗时代相对应。 诗人，画家和学者被邀请参加朝廷，并鼓励他们在朝廷的慷慨赞助下继续他们的工作。

大多数当局将绘画视为时代的关键文化成就。 宋代艺术 （960-1279）在绘画领域更为精通，尽管他同意雕塑随后被拒绝了。 如今，这一时期以更多实际作品为代表，其中包括第一个伟大的尚存遗体 山水画 -通常直接与道家对内在和抽象价值的强调有关。

还有另外一个值得注意的，更不用说可爱的中文阶段 陶艺 在明朝时期（1368-1644）。 但这与西方世界后期的文艺复兴时期相对应。 同时，唐朝和宋代的艺术品需要引起注意，因为它们与时间有关。 中世纪基督教艺术 西方人民-在造型艺术中，我们还必须考虑 青铜雕塑 从以前的朝代开始。

礼仪青铜器

从公元前第二个千禧年末开始，就认为工匠是中国文化社会中的重要人物，这可以从当时和随后的十五个世纪生产的礼仪青铜中推断出来。 通常只用“ 美术 “装饰船有时被视为精湛设计的典范。但是，汉代前时期的精美青铜花瓶，祭祀，和大锅具有宏伟，甚至不朽的品质。（作为对比，请参见La Tene风格： Gundestrup大锅 约公元前100年）

在他们身上，中国人将大形状的创意处理与非凡的装饰性结合在一起。 功能表达和装饰的协调与任何文明的功利或礼仪金属制品的输出一样，几乎是完美的。 罗马著名的高浮雕银器似乎在这家公司中缺乏正直和克制。 需要注意的一点是，尽管装饰丰富，甚至装饰繁多，但一般船只的轮廓都被强烈地勾勒出来，结构和功利价值被强调而不是被遮盖。

中国人的主题 金匠 随随后的时期和国民生活的变化而有所不同，装饰的类型从最精致，最复杂的整体样式到最明显的动物形式或几何图形的高浮雕化惯例都不同。 较早可识别的图案就像是龙和食人魔等奇特动物的形式化形式，几乎是抽象的形式，其来源可能是古代万物有灵的宗教所寻求的。

汉代青铜器具有如此早期的特征性。 但是装饰就被限制了。 有时会有丰富的表面图案，但重量较轻，通常会被雕刻-较早的铸造整个容器及其装饰物的习惯是将其切成一体，从而产生更深的切口和更强烈的动态浮雕。 汉族画家应具有精致的装饰，而又不损害物件的更大生命力和可塑性，并保留轮廓的纯度和强度，这证明了其卓越的创作敏感性。 那个时代的简单，令人赞叹的功能性容器将在其他地方被判断为来自艺术发展的早期，最有活力的时期，而不是代表该领域经过一千五百年的专业生产之后的阶段。

在后来的例子中-直到唐宋时期，铜器的制造仍在继续，尽管部分地被瓷器代替，但强度和形式上的创造力却得以渗透。 nce废的通常权宜之计-无生命的复制，使用实物图案和过度装饰装饰-最终关闭了独特工艺的历史。 引起许多类型船只使用和装饰图案的宗教习俗很可能随后消失了。 他们为艺术家提供了灵感并鼓励了赞助人。 但是当仪式改变时，艺术就下降了。 众所周知，青铜器被束缚在坟墓中（对祖先崇拜的中国人来说总是很重要的），在文学上也提及牺牲和纪念仪式。 唐铜镜通常以相当丰富的方式进行精美的装饰，但是在这种情况下，早期的铜镜也更具吸引力和活力。

玉雕

铜制器皿和钟的装饰方式在汉代前的翡翠护身符或签名上以微型重复。 顺便说一下， 玉雕 -如观赏性青铜器-与墨西哥和中美洲玛雅文明的装饰性成分惊人地相似，这引起了有趣的假设，即亚洲与亚洲之间可能存在文化联系 前哥伦布时期的艺术 在美国，尽管历史上没有证明。

中国玉器是对世界的杰出贡献 珠宝艺术 。 它们的范围从圆盘，戒指或片剂形式的未经装饰的护身符，其形状通过抽象的装饰性标志，以增强半透明的石头的自然美感（本身就足够美丽，就像“月光的结晶点”一样），还包括抽象的装饰性标志和微型人物雕像。 在后者中，形式化通常是严格的，只对动物进行简要概述。

尽管今天的古代典范以其坚定而又像珠宝般的雕塑之美吸引了我们，但在早期，它们对于艺术家和使用者而言具有附加的象征价值。 如果我们可以通过将它们放在死人的嘴和眼睛上来判断，它们不仅会在坟墓中发现，而且通常被用作魅力或迷信。 也许是值得怀疑的，是中国学者在晚些时候建立的精确的象征意义的精细结构，他们为每种颜色，图案或装饰动机赋予了特定的含义。 但人们可能会相信，从古老但逐渐变化的对自然和祖先的崇拜中产生的思想赋予了这些魅力更大的意义。 因此，具有传统形状的绿色，红色，白色和蓝色翡翠可能代表着北，南，东和西，而天地，生育力和和平都有适当的“标志”。 并排的两种自然形态可能代表着幸福的婚姻。 所有这些都与复杂的仪式，祭祀和丧葬习俗网络联系在一起，这些网络奠定了佛教传入之前的宗教信仰基础。 但是今天重要的是，玉雕被赋予了高贵和正式的生活，我们有时称其为美丽。

陶器

中国陶器 在雕塑和绘画以所谓的“中国特色形式”出现之前，这是在早期超越掌握的第三例。 从远古时代开始，中国的陶器就进行了特殊的改良。 [为世界上最 古代陶器 ，请参阅 仙人洞窑陶 ，公元前18, 000年，来自中国江西省； 和 玉禅岩窑陶 ，公元前16, 000年，来自邻近的湖南省。]这种工艺的优越性一直延续到后来，直到“中国”成为世界上最成品的陶器的名称，无论它在哪里生产。 波斯人和中国人是这一领域的至高无上的大师。 中国陶瓷艺术就是非凡的典范 兵马俑 （c.246-208 BCE），创建于 秦代艺术 （公元前221-206年），并享誉世界 中国瓷器 特别是在20世纪80年代开发的青花瓷 明代艺术 （1368-1644）在康熙晚期的景德镇。

雕塑

超大的石头怪兽，令人印象深刻，无与伦比的精神，华丽的装饰； 小小的古铜色或金质斑块，腓骨和饰物，轮廓和整体上富有节奏感，强烈地形式化； 陶土，瓷器，马球运动员，骆驼和宫廷淑女中无与伦比的优美人物，令人难以置信的雕塑丰满和精致-这些是提及中国雕塑时想到的图像：三个完全不同的分支 造型艺术 雕刻，每个都掌握在一种文化中。 即使到那时，也没有人提及仅次于印度教徒的佛教洞穴雕像，以及一种非常特殊的低浮雕壁画艺术，以及构成菩萨中最崇高和最宁静的菩萨类型的中世纪全轮菩萨雕像。历史上的宗教雕塑。 从微型匾到巨大的雕像，从最简单的朴素表述到华丽精致的装饰，从沉稳，富裕和昂扬的优雅，没有其他地方能够在单一艺术中展现出如此卓越的成就。

但是，首先要对这些令人兴奋的纪念碑和人物以及类似宝石的徽记进行描述，让我们先回到公元前206年汉人加入之前的阴暗时代。 传说或历史说，那里存在着巨大的青铜 雕像 ，但在后来的政权下，它们似乎大多已被金钱融化了。 实际上，考虑到对铜器皿，花瓶和铃铛的设计和铸造以及微型玉饰的精湛工艺的精湛造long，圆形雕塑几乎很少。 美术存在于功利主义青铜的辅助人物中。 雄伟的小动物像哨兵一样站立在礼仪船只的角落，或者紧紧地靠在盖子上，这并不罕见。 而其他形式更为正规的构成句柄或喷口，或只是借以构成口音。 通常，它们几乎都以几何抽象的形式消失。

但是，在汉代，我们可以看到它们下降了，可以这么说。 很快就有青铜动物，石头动物和黏土动物。 小铜熊特别出名。 它们中有一种趋向现实主义的趋势，但是它们非常简单，并且在形式上具有广泛的比例。 各种各样的喜欢的宠物以微型的形式出现在泥土中，作为在坟墓中存放的数字，以便死者可以在他身边拥有他一生中珍视的同伴。 在这方面，还有精美的女士雕像，表示礼节方面的喜人变化。 一位妻子以前是和死去的丈夫一起活埋的，但现在埋葬了一个粘土雕像作为替代品。 伴随着妻子和仆人的是迷人的小猪，母鸡和鸭子。 几个世纪后，几乎没有任何人类人物或动物与唐代真正超越的雕像相提并论。 但是有许多吸引人和令人回味的例子，来自中国古代埋葬地之一的稀有娴静的女孩或奔放的马匹仍令我们最敬佩。

考古学家在何楚平将军墓前向西走到波斯边界，这具纪念性的雕像刻于公元前117年左右，是至今尚存的最古老的一种纪念形式之一。在中国发展了数百年的艺术。 但是最好跳过汉代和六朝大部分时期的这个和其他大型雕塑，到公元五，六世纪真正的大石头动物。 它们可以分为两种：狮子或多或少是普通的，以及加上了狮子的狮子使它们变成了超自然的怪物-嵌合体。 实际上，雕塑的构思和处理是如此直接，简单和富有创造力，以至于人物被提升到正式贵族的水平。 它们充满了动物的精神和创意雕塑的精神。 在集结，比例和节奏感方面，他们令人印象深刻，富有活力，甚至富有戏剧性。 在这里，书写大，是相同的雕塑生命力或运动能量，结合了温和的，有节奏的惯例，在小型动物青铜器中最高见。 在这两个领域中，都存在表面的线性富集，在切割线中回荡的轮廓的使用，重复和并置的较小圆形的形式。 在所有历史中，很少有雕塑展览如此激动人心，很少有纪念性雕塑如此如此地正确。

较大的仍然躺在他们的创作者放置它们的地方，通常完全或部分地被时代的污垢覆盖。 今天，在农田或田野中出现了许多未发现的事例，让人联想起十四世纪前中国人生活的光辉。 还是应该说“中国死亡的荣耀”？ 因为这些是葬礼人物，标记指向了一个著名人物的坟墓之路，或者也许表明了坟墓中精神之道。 除了埃及以外，其他地方都没有像人类一样终身沉迷于死亡的生命。 这两个古代文明的葬礼和纪念艺术提供了比较研究的丰硕成果。

汉代的艺术延续了前几时期的装饰主义，并且富有生机。 尽管线性描画，添加在狮子和嵌合体的山区以及小的青铜器上，但简化的汉字和统一的节奏一直延续到汉代以后的雕塑中。 在寻求这种影响力在大型和小型作品（主要是动物形象）中的渊源时，一种观念被带回了艺术史上最引人入胜的理论之一。

中国金属雕塑的镰刀时代起源

这种理论认为，几个世纪以前，在遥远的北亚或西亚，已经出现了一种独特且可立即识别的金属雕塑，直到最近才被称为“镰刀动物艺术”。 随着时间的流逝，欧亚草原的野蛮人先后向南和向东，然后向西地反复迁移，这种风格被带到了波斯和中国的上游山谷，并在此扎根，并成为一种佛教前雕塑的主要根源，在西部，是从芬兰和维京人之地到西哥特人西班牙和伦巴第的“野蛮文化”分散地区。 从本质上讲，这是北部游牧部落的艺术，从那座不远古时代转移和混合的部落-亚利安人和蒙古人-涌出的亚洲水库中倾泻而出，这些历史后来被人们以阴暗的方式称为Scythians，Sarmatians和Huns。

从艺术本身的存续中看到的证据强烈支持波斯的卢里斯坦动物雕像，中国的早期动物雕塑以及在下俄罗斯发现的斯基底人的原始物的共同起源。 北欧的罕见例子在图案和雕塑感或方法上都非常相似，以至于假定的关系至少是可以辩护的； 甚至有理由怀疑 伊特鲁里亚 形式化（在古典罗马人放下手枪之后不久就被扼杀了）可能不是由于与 俄罗斯雕塑 Scythia。 近来，考古学家的趋势是不再使用“ Scythian art”（代称“欧亚动物艺术”或“草原艺术”）的名称。 一些当局试图使艺术术语与一种或另一种种族分类保持一致，称这种发展为印度-德国艺术或伊朗-欧洲风格。 至少有一个机构扩大了这个想法，并将其标记为“美国”。

唯一可以确定的是，雕塑艺术的伟大表现之一是存在于金属中广泛散布但可识别的相关动物展品中，这些动物展品出现在俄罗斯南部和西伯利亚的Scythian首领墓中，以及西部的Luristan战士的坟墓中。波斯，以及中国西部边界的坟墓。 在这三个主要藏家中发现的许多例子，与在欧洲青铜时代艺术品中发现的奇数件相匹配。

Scythian风格，如果我们仍然可以这样说的话，会在自己的土地上消亡，除非它与俄罗斯-拜占庭式艺术的活力息息相关。 在波斯，尽管它影响了其他视觉艺术，但它在受限地区曾经开花一次，但它却无法见到。 仅在中国，它就被吸收，或者说它取得了胜利，并在许多世纪的时间里找到了持续的生命。 它的精神从微型的青铜熊，野猪和鹿到巨大的石头嵌合体传播。

风格的标志是三个：（1）严格的装饰形式化； （2）非凡的塑性活力； （3）主要主题的强烈简化以及次要形式的丰富反作用。 力量，丰富内在的统一，可以说构成了所有艺术的基本美德，在这种艺术中，形式上的卓越和感性的装饰被巧妙地结合在一起。 但是，在许多胸针，护身符和饰板中，在一个充满装饰性的构图中集中了精力，精神活跃的效果已经被超越。 无论是来自Scythia本身的金扣，还是Luristan吊带环，还是来自鄂尔多斯沙漠的青铜制装饰小鹿，都具有至关重要的运动，即占主导地位的，引人注目的单一动物节奏，装饰在装饰轮廓和图案中附件。

即使是小块，也有很大的印象。 实际上，总是存在物体变形的现象，就像照相机会看到的那样：这里没有呼吸的真实感。 美索不达米亚雕塑 或希腊或罗马。 它是 装饰艺术 而不是艺术家本来打算的自然主义：充满活力的，直率的观赏主义，以及始终非凡的勇气和活力。 几乎总是也总是避免对称，这在任何如此动态且如此个性化的技术中都是不可避免的。

该样式的大多数微型示例（到目前为止，占整个系列的较大比例）处于低浮雕中。 即使从技术上来说“全面”，这一数字也相当平坦。 单个或成组的动物按几何形状排列，直到其轮廓形成自己的框架，这些动物都是自由造型的，刺穿的装饰性斑块使轮廓更加清晰，用力雕刻的匕首手柄-这些都是典型的。 还有其他一些不切实际的感觉，就是通过表面图案（有时​​是通过描线）来增加形式上的优雅。 像雕塑一样，更经常地是通过重复较小的膨胀形式，例如在鹿角或山羊的角上，或在马或狮子的鬃毛中。 这种特殊的雕塑对位在任何地方都无法通过这种明显的效果进行操纵。

“动物风格”何时进入中国尚不确定。 它可能是逐渐注入的，因为来自模糊的“西部”的侵略者一浪又一浪涌进来。汉前青铜器有可能获得了动物的面具和爪子，偶尔还有与动物接触的完整动物形象。西方，如果不是从那个季度开始入侵的话。 当然，在较早的示例中，各种各样的装饰图案都可以说明这一点。 当独立雕塑出现时，主题就只能让人认为是外国血统。 这些动物通常对狩猎者而言是重要的，而不对像中国人这样的农业人士而言是重要的。

最接近Scythian和Luristan原型的实际例子是在旧中国的西部边界上找到的-主要在鄂尔多斯沙漠中，从中可以得到鄂尔多斯青铜器的称号。 来自同一方向的主人和领袖们一次又一次地征服了这个静止却持久的中华民族。

在考古学家和人类学家将更多的文化相互渗透和部落变迁的谜团拼凑起来之前，除了接受欧亚共同遗产这一事实之外，要做更多的事情是徒劳的，并要注意的是，在中国，动物艺术的生命力在不断地被改变。 its miniature forms, passed over into larger sculpture: the result being those outstandingly decorative monumental lions which served as the point of departure for this disgression. 但是世界可能会听到更多而不是更少的关于亚洲大草原的母亲的艺术。

佛教宗教艺术

在基督出生前后的几个世纪中，佛教沿贸易路线进入汉中帝王朝的中国。 希腊已经在印度受到了影响，这导致了佛陀首次成为男人。 但是东方不能放弃其希腊化现实主义的形式主义，而雕塑的处理则成为传统的装饰性装饰。 在印度，某些态度和附属品已被定型。 在另一个方向上（佛教前的婆罗门式表达），是一种丰富多样的雕塑艺术，形式多样，反复出现高低起伏的区域。 （也可以看看 印度：绘画和雕塑 。）

所有这些都被带到了中国-也许在某些较小的事例中，有身体的时候，在公元一世纪中叶，一个皇帝梦见西方的圣人，派遣使节到中亚，并收到新闻和佛陀和他的宗教信物。 当然，不久之后，中国就散布着佛教信仰的神社和修道院。

由于新宗教将人体作为精神的殿堂来庆祝，因此人类首次成为中国艺术的主要主题。 宁静和同情心成为表现力。 一方面影响态度和面部表情，另一方面影响雕塑处理。 伴随着悠扬优美的线性反击，出现了一种新的节奏感。

从典型的佛像和菩萨像（介于人与神之间的人物）从印度身上取来，人们发展出了很长的宗教雕像。 最终达到了唐代时期丰富而又沉着而无所事事的菩萨。 他们中最优秀的人似乎呼吸着和平与和谐的精神，并安息，使神殿或神殿充满灵性的光芒。 雕塑方法完全符合超凡的意图：它的尊严以及其适当确立和细腻的音量和平面感增强了宗教象征主义。 这些人物令人印象深刻地提醒了一个古老的真理：一个时代和一个民族的精神可以用艺术形式最生动地表达自己。

另一方面，是神殿和庙宇的装饰性装饰， 中国佛教雕塑 同样遵循印度的传统，并进行了类似的本地修改。如我们所见，这幅肖像画不仅固定在人物的某些姿势上-都以放松和休息的坐姿或站立姿势-而且以象征性的配件如雨云或光环以及帷幔固定。中国画家在洞穴神社和圣所中增加雕刻的雕像时，将这些较大的雕像放置在适当的壁as中，然后像在印度一样，将无数较小的较小的图像直接刻在两侧的岩壁上，有时将其放大直到整个山洞都被神和超自然的侍从所占据。

洞穴神社的气氛无比丰富，但严峻而神秘。考虑到雕塑家任务的批发性质，其艺术水准很高。浅浮雕的分离区域（不少于单个菩萨或现在移出的头部）应偿还研究。如果其质量与印度早期的婆罗门和佛教洞穴群的质量非常相似，那么要记住的一点是，在这两个阶段都取得了类似的成就。总的来说，中国人比较内敛。它排除了印度教传统的曲折性和较轻的感性装饰性，从而获得了新的区分。远东艺术家很少会引入他们充满活力的动物艺术的遗迹，例如陕西省的云冈石窟，其构图与欧洲最大的雕塑成就无异，例如以罗马式和法国哥特式雕塑风格的大教堂鼓室为例。

对于中国佛教艺术，另请参阅： 六朝时期的艺术 （220-589）以及 隋朝艺术 （589-618）。

在Yun Kang洞穴中，可以看到整个合奏-经过大约一个半世纪的努力，大约从公元450年开始完成-随着风格的变化和处理方式的不断细微变化，效果不断发生变化。西方，或复兴的当地传统气息影响了雕塑思想。 一般而言，在整个山洞中，巨大的佛像吸引力最小-那里的形式化变成木制的，集中的感觉散落开来。 沉思的同情心一号的精神很难被放大，即使是大师级雕刻家也无法轻易放大，例如，当鄂尔多斯动物变身为超大的石狮子和嵌合体时，它们的有节奏的生命力，引以为豪的勇气。

中国雕塑家通常会雕刻石碑，就像从洞壁上切下来的部分一样。 佛陀安详地坐在中央利基处，而扁平的竖井的周围则刻有浮雕的菩萨和随之而来的鸟，以及附带的鸟类，抽象的图案等。 有时，显然佛教传入的元素又与不断生机勃勃的动物艺术相融合。

粘土小雕像

最后，还有另一种类型的中国雕塑，可以肯定地抓住了西方的幻想。 （顺便说一下，与绘画和书法相比，中国人认为雕塑是他们的次要艺术之一。）唐代的泥塑像既包含 了该时期文化生活的 喜剧人物 ，又具有多样化和无尽的吸引力。雕塑般的柔和，优雅和纯粹的艺术表现。这不像佛教雕塑那样，是艺术冲动的结果，延续到宗教和精神的崇敬或遐想中。它是一种表达，而不是一种轻松的心情，一种优雅的，甚至是嬉戏的爱情的表达。

正是这些主题才雄辩地热衷于生活的娱乐方面：骑马者，马球运动员，宠物，跳舞的女孩，音乐家；虽然还有更严重的部分-负担重的野兽，战士和官员。但是令人着迷的是，为后代的娱乐和娱乐而固定的生活纪录片，这里最显着的事实是无与伦比的塑料活度，雕塑般的灵动和生动。与希腊塔纳格拉小雕像的大小，方法以及亲密和体裁主题的范围相比，中国小雕像在纯雕塑艺术方面均表现出色。舞动的人物或球员，骆驼或马匹，即使在将微型艺术的边界推向新的表现力领域时，也可以使主题的精神或感觉永生。可以自然地实现自然观中的对象，但是将实际的视觉印象向后推，修改，转换，直到有组织的对等物，创造性地以粘土雕塑的材料和方法可能具有的最富有表现力和最集中的形状被取而代之。 。很少有雕塑家在一系列作品中将如此重要的真相以雄辩的节奏运动塑造或塑造出来。很少有声音和令人愉悦的雕塑编排来体现自由和自发性。以如此雄辩的节奏运动来塑造或塑造这种本质真理；很少有声音和令人愉悦的雕塑编排来体现自由和自发性。以如此雄辩的节奏运动来塑造或塑造这种本质真理；很少有声音和令人愉悦的雕塑编排来体现自由和自发性。

小雕像通常是彩色的。 通常，它们会上釉，尽管釉料可能会留在粘土的某些部分，而直接施用的颜料会产生更好的效果。 作为琉璃碎片，小雕像有时会从 雕塑史 而是沦为陶器类书籍-好像它们不是免费雕塑的杰作之一！ 无论如何，它们令人难以忘怀的新鲜活泼，活力十足和形式美，是最纯粹的审美享受的来源。 幸运的是，这些作品正在进入许多 最好的美术馆 在西方，甚至精巧的例子也很常见，足以允许适度的私人 艺术收藏家 拥有它们。 大概数千个人物将从古代坟墓中挖出来。 顺便提一下，与埃及坟墓中的许多浮雕一样，这些题材证明，习惯于供葬的人不必因此而被残酷的思想所困扰或迷恋。 在每个雕刻的音节中，唐小雕像的主题都是欢乐的。

在中国，有一种特殊的浅滩 浮雕 其中，在石头上勾勒出精美的故事构图，人物和物体周围的空间被切开了很小的深度。经过如此处理的平板可以在墓室周围串联使用。这种方法经常与佛教 石碑 上的浮雕人物相结合 。这种雕塑给轮廓带来了极大的负担，美德是线性的，而不是三维的。确实，许多例子比雕刻石头更容易雕刻。

在公元二世纪的一些例子中，用刮擦的方式绘制人物，然后凿出背景，中国人通常会充满活力，并非缺乏草原传统的活力。成语中还讲述了一系列不同的故事和事件-神话和历史传说，野蛮人的习俗和家园节-所有这些都用图画来描述，其中可能还包括孝顺，爱国牺牲和夫妻忠诚。这些作品的整体构成了一幅中国神话，民俗，历史和礼节的石刻画册。虽然这些早期道德主义 石雕 是该模式中最令人难忘的事情，浅浮雕艺术在许多世纪以来都得到了重要的实践。 传统的唐式 石碑 有些面板以饱满和优雅为​​特色。

将浮雕和雕像，微型和巨大的人物，石头，青铜和粘土相加在一起，即使以世界标准来衡量，也都以出色的作品为代表-在其中， 木雕 ，无与伦比的玉雕， 象牙雕刻 以及一种独特的内置漆肖像雕塑-在中国，这是整个雕塑艺术的范围。

绘画

中文 美学 最早由公元六世纪的画家谢赫总结。 他说，首先，一幅画应该具有“有节奏的生命力和自己的生活动感”，这种描写既适合东方艺术又适合现代 表现主义 ！ Hsieh Ho强调了动作和有节奏的生命力的重要性，但最重要的是，他还强调了“绘画中的生命”的概念。关于这一点，请注意，大多数关于艺术的思考都围绕着两个截然不同的概念中的一个或另一个：我们周围生活的描绘或表现；或创建具有动画或自己的生命运动的新事物。

中国人认为对自然事物的描绘或模仿是次要的。他们的主要目的是为艺术品注入生命的元素，而不是复制或诠释-毕竟，创作还有什么意义？绘画的卓越性源于绘画本身的生命力，而不是所描绘的生活或物体。因此，中国画家通过线条和色彩的移动，为他的艺术注入了独立的生活。所有这一切仅仅是他生活方式的延伸：也就是说，如果他对自己的灵魂具有极大的敏感性和宁静，他的绘画将散发着同样的品质。

谢谢的美学总结中还有另外五项原则。从广义上讲，他们关注的是结构，与自然的和谐，色彩，按等级顺序的构图以及忠于其他大师的智慧，所有这些都完全符合中国人对艺术元素进行排序和分类的热情。不幸的是，它扼杀了创新-至少在长期内如此-直到明代（1368-1644）年底，绘画已成为重复和学术形式的主导者，只是其智力水平有所不同。显然，一旦所有绘画都简化为公式化方法，并且严格的规则规范了 画画 山脉，树木或瀑布，甚至人物形象的象征，它不再散发出任何形式的活力或生命运动。 幸运的是，中国的绘画历史包含了许多超越美丽和丰富的时期，以至于无情的插曲是可以原谅的。

据说，另一种中国传统艺术是“ zhezhi”，它是在宋朝大约1000年间发明的，在西方更为人所知。 折纸 ，它是日本后来的姐妹版本的名称。

书法与绘画中的线性

自公元三世纪以来，书法艺术（美术写作）一直被认为是中国所有视觉艺术中最负盛名的。 书法不仅需要深厚的技巧和准确的判断力，而且还可以看作是了解作家的性格和文化的窗口。 书法在20世纪80年代获得了它的灵性光环。 商代艺术 （公元前1600-1050年），甲骨和龟甲最初用于占卜目的，并在20世纪80年代开花。 周代艺术 （公元前1050-221年）。 从那以后，中国人一直认为书法需要非凡的个人素质和非同寻常的审美感受。 （也可以看看： 笔和墨水图纸 。）

同样-在某种程度上-中文 水墨画 。 毕竟，画家使用与书法家基本相同的工具-画笔，墨水，丝绸或纸张-中国的艺术评论家以相似的标准来判断他的作品：画笔笔触的活力和表现力以及画笔的和谐节奏。整体构成。 从这个意义上讲，中国的绘画本质上是一种线性艺术，而中国画家主要不关心自然的描绘或现实的表现，例如，通过使用 明暗法 ，阴影或 线性透视 -但通过笔触的有节奏运动来表达事物的内在本质。 线条的有节奏的运动，是对画家手部自然运动的回应，赋予了中国绘画非凡的和谐与风格统一性。 透视图的引入是在 清代艺术 （1644-1911）。

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