杰克逊·波洛克：抽象表现主义画家，动作绘画 自动翻译

有关杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）等抽象表现主义者的作品的分析，请参见： 现代绘画分析 （1800-2000）。

介绍

有影响力的成员 纽约学校 的 抽象表现主义 ，以及最有影响力的人物之一 美国艺术 杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）是创新绘画技术的创始人， 动作绘画 。 这种制作方法 抽象主义 涉及以戏剧性的打扫手势将油漆滴落并涂抹到画布上。 Pollock会用棍棒和小刀将油漆倒在未拉伸的画布上，然后将其粘在坚硬的墙壁或地板上。 这使他能够在绘画周围走动，并成为绘画过程的一部分。 这种前卫的方法-被生动地捕捉到 汉斯·南特 在他在工作室工作的艺术家的照片中-既着迷又震惊 艺术评论家 并为他赢得了“杰克·滴头”的绰号。 通过拒绝使用画架和其他更传统的绘画技巧，他在战后为自己创造了一个独特的利基市场 抽象表现主义绘画 。 资深艺术家 李·克拉斯纳 （1908-84）（后来是他的妻子）对波洛克的艺术生涯产生了重要影响。 现在因其独创性而受到赞赏， 杰克逊·波洛克的画 一些评论家将其视为20世纪中叶最具革命性的图画。

另一个关键人物是 佩吉·古根海姆 ，他是一位富有的艺术收藏家，后来成为波洛克的早期支持者和推动者之一。 波洛克（Pollock）以杰作闻名，例如：纽约 一号（31号） （1950年）现代艺术博物馆； 秋天的节奏（第30号） （1950年），纽约大都会艺术博物馆； 薰衣草雾（第1号） （1950年），华盛顿特区国家美术馆； 《蓝波兰人》（第11号） ，1952年，澳大利亚国家美术馆； Out of the Web（第7号） （1949年），斯图加特国家美术馆； 融合 （1952年），纽约布法罗，奥尔布赖特-诺克斯美术馆； 路西法 （1947）：旧金山现代艺术博物馆； 热眼 （1946年），佩吉·古根海姆（Peggy Guggenheim），威尼斯； Orze （1950年，纽约现代艺术博物馆）； 13号蔓藤花纹 （1948年，纽约，RB Bahr系列） 。 据《纽约时报》报道，2006年，他的作品《 No 5》（1948年）被媒体大亨戴维·格芬（David Geffen）私下出售，作价1.4亿美元，成为艺术史上最昂贵的画作。 现在，他的许多画作可以通过以下形式作为版画获得： 海报艺术 。 对于不同风格的抽象表现主义，请参见 马克·罗斯科 （1903年至1970年）， 克莱福德·斯蒂尔 （1904-80）和 巴尼特·纽曼 （1905-70）-特别是 马克·罗斯科的画 -和的 手势 威廉·德·库宁 （1904年至1997年）。

早期，纽约培训

波洛克（Pollock）是一个围垦农业家庭的第五个儿子，由于父亲企业的失败，他年轻时经常出差。 一家人最终于1924年在洛杉矶附近的小镇里弗赛德定居。 波尔洛克曾在这里上过一段时间的学校，然后于1928年迁入这座不断发展的城市，在那里他开始学习艺术并与艺术家建立联系。 1929年，他移居纽约，与已经是艺术系学生的哥哥查尔斯（Charles）一起就读于 艺术学生联盟 在由 托马斯·哈特·本顿 （1889-1975）。 在此期间，他开始对墨西哥画家的壁画感兴趣 迭戈·里维拉 （1886-1957）， 何塞·克莱门特·奥罗斯科 （1883-1949），以及 大卫·阿尔法罗·西基罗斯（David Alfaro Siqueiros） （1896-1974）。 即使波洛克（Pollock）停止与本顿学习之后，他与本顿的友谊仍然保持密切：这在很大程度上不是由于本顿（Benton）在美国的乡村生活所致，而是由于他节奏性地使用涂料以及他作为艺术家的独立态度。

早期联系人：Lee Krasner，Peggy Guggenheim

在纽约大萧条期间，波洛克极度贫穷，经常生病，并且（到1936-7年）已经受到酒精中毒的困扰。 尽管如此，在1935年至1943年期间，他还是参加了联邦艺术计划，并开始学习有关现代欧洲绘画的抽象和超现实主义知识。

1941年，波洛克遇到了汉斯·霍夫曼（Hans Hoffman）的学生李·克拉斯纳（Lee Krasner，1908-84年），后者后来成为他的妻子，并把他介绍给年轻艺术家圈子，后来成为抽象表现主义的领导者。 他们包括威廉·巴齐奥特（1912-63），罗伯特·马瑟韦尔（1915-91）和罗伯特·马塔（1911-2002），他们都强烈地致力于超现实主义。 当时，在战争初期，许多对年轻美国人的声誉几乎是传奇的欧洲艺术家都在纽约寻求庇护，其中就包括传奇人物。 20世纪画家 饰演Piet Mondrian（1872-1944），Max Ernst（1891-1976）和Andre Masson（1896-1987）。

欧洲伟大艺术家的涌入导致佩吉·古根海姆（1898-1979），他是20世纪著名的美国收藏家 现代艺术 ，在纽约开设了一家画廊（她于1939年6月关闭了伦敦的画廊），这既是博物馆，也是商业性的。 作为鼓励年轻美国画家的计划的一部分，该场所于1943年开业，被称为 世纪 美术馆。 波洛克被要求参加展览，并且对他的作品着迷，古根海姆每年给他一份合同，以换取他大部分产品的所有权。 同时，她委托他为她在纽约的联排别墅做壁画。 这幅画现在是爱荷华州大学的收藏品，是波洛克的第一部真正的大型作品，并且是他将欧洲现代主义与他自己的风格所特有的规模和新空间融合在一起的一个重要例子。

超现实主义的影响

在这个时候，评论家 克莱门特·格林伯格 （1909-94）开始写文章，强调波洛克作品的重要性。 在壁画之前，波洛克画了一些有趣且个性化的作品，例如《 The She-Wolf》 （1943年，纽约现代艺术博物馆）和《 The Guardians of the Secret》 （1943年，旧金山博物馆），但这些标题的确暗示了他们的基本依赖 超现实主义 ，其意图和联想来自无意识。 形式很强大，但与毕加索和 安德烈·马森（Andre Masson） ，来自的两位艺术家 巴黎学校 与琼·米罗（Joan Miro）一起，对波洛克的影响最大。 然而，随着壁画的长度将近20英尺，新的脉动节奏进入并主导了他的作品。 密集地绘画，充满能量，它创造了新的美国绘画的空间。

1945年10月，波洛克（Pollock）与李·克拉斯纳（Lee Krasner）结婚，此后不久，由于佩吉·古根海姆（Peggy Guggenheim）的贷款，他搬进了纽约州长岛斯普林斯的木结构房屋和随之而来的谷仓（现称为 波洛克·克拉斯纳房屋和工作室 ）。 在1946-50年间，他放弃了传统的 美术绘画 赞成他自己使用液体涂料的技术：一种通常称为“行为绘画”的方法。 奇怪的是，这段时间的大部分时间里他都没有喝酒。

波洛克的动作绘画技巧

“动作绘画”这个名字最早是由美国评论家于1952年创造的 哈罗德·罗森伯格 （1906-78）在12月的《 艺术新闻》中发表 。 它提到了波洛克将油漆滴到画布上的标志性技术。 他没有使用传统的画架，而是将画布放在地板上，然后用木棍，泥刀或小刀从罐子上滴下，飞溅和倾倒油漆（称为醇酸搪瓷的合成树脂基油漆）-有时使用结合碎玻璃或其他材料。

波洛克的动作绘画理论和实践的起源尚不清楚。

据称，1936年在墨西哥画家大卫·阿尔法罗·西奎罗斯（David Alfaro Siqueiros）（1896-1974）开办的纽约工作坊中将他介绍给绘画技术，该画作以他的大型作品而闻名。 墨西哥壁画 ，后来在1940年代初期在他的某些画布上使用了它。 另外，他可能听说过战争期间由爱国主义超现实主义艺术家在纽约进行的实验 马克斯·恩斯特 （1891-1976）与波洛克最重要的赞助人之一佩吉·古根海姆（Peggy Guggenheim）结婚。 恩斯特（Ernst）开发了一种使用从旋转罐上滴下的油漆的方法。 在此之后，其他抽象画家（如他的妻子克拉斯纳和有影响力的美术老师）进行了独立实验 汉斯·霍夫曼 （1880-1966）-参见后者1940年的画作《 春天》 （康涅狄格州私人收藏）。 实际上，据说克拉斯纳和波洛克都受到了 罗伯特·马瑟威尔 。 第三种可能的解释是，波洛克被介绍给了新墨西哥州的纳瓦霍印第安人，他们通过将泥土撒在地面上形成图案来制作他们著名的沙画。

超现实主义的自动主义

无论来自何处，波洛克的动作绘画都类似于某些超现实主义的“自动绘画”理论，由 萨尔瓦多·达利 （1904-89），据说可以让艺术家表达自己的 潜意识 创造力。 参见，例如，波洛克的 帕西法尔 （1943年，大都会艺术博物馆）。

正如波洛克本人评论的那样：“我更喜欢……硬壁或地板上的画布……在地板上，我更自在。我觉得这幅画更近，更接近一部分，因为这样我就可以在它周围走动，从四个方面进行工作，字面上就是在绘画中。”

一定数量的超现实主义者 全自动 尽管毫无疑问地暗示了波洛克对绘画的控制-尽管他当然允许并鼓励了小事故，但无疑可以将这种元素夸大。 他画作的边缘清楚地证明了他对作品的开始和结尾的精心安排，但旁观者不能错过控制和自由之间使绘画表面生动的斗争。 实际上，它是波洛克艺术中最强大的力量之一。

国际名声

1948年，波洛克在纽约的贝蒂·帕森斯（Betty Parsons）画廊首次展出了他的“滴水式”画作。它们引起了相当多的关注，但是直到第二年他才成为真正的名人。 由于在《 生活 》杂志（1949年8月8日）上刊登了长达4页的文章，这个问题几乎是一夜之间发生的：“他是美国最伟大的在世画家吗？” 评论还解释说，他的作品已被美国五家博物馆和40多位私人收藏家（包括佩吉·古根海姆）购买。 作为20世纪中叶伟大的抽象画家之一，这是Pollock公众形象的起点。

去年

1951年，波洛克（Pollock）声名the起，突然停止使用他的动作绘画方法。 同时，他的调色板变得更暗了。 他甚至还制作了一系列在未涂底漆的棉鸭画布上涂上油和搪瓷漆的黑色图片。 该系列以《 画像与梦想》 （1953年，达拉斯艺术博物馆）为高潮。 此后，他恢复了正常的着色，并重新引入了许多具象元素。 在此期间（1951-55），波洛克（Pollock）受到来自画廊的额外商业压力，他的个人生活变得越来越困难。 评论员声称，他与1950年在工作场所拍摄波洛克的摄影师汉斯·纳姆特（Hans Namuth）的争吵也是一种主要的刺激。 无论如何，他再次开始大量饮酒。 1955年，他完成了他的最后两部作品《 香气 与 搜索》 。 波尔洛克在1956年没有画任何东西，因此未能解决其风格的象征性和抽象性之间的首要性问题。 1956年8月11日，当汽车驶离道路时，他死于汽车的方向盘。 他当时44岁。

艺术家声望

到1956年，波洛克的绘画和绘画方法对他在美国和欧洲的当代人产生了巨大的影响。 前者包括威廉·德·库宁（Willem De Kooning，1904-97年）和 弗朗兹·克莱恩 （1910年至1962年）; 后者包括像 WOLS （Alfred Otto Wolfgang Schulze）（1913-51），有时也被称为“欧洲杰克逊·波洛克”，并且是眼镜蛇小组的负责人 卡雷尔·阿佩尔（Karel Appel） （1921-2006）。 自从他去世以来，波洛克的声誉就建立在他作为动作画家最有代表性的地位和第二次世界大战后美国绘画胜利的象征的基础上，从未停止增长。 作为他一生及之后被等同于20世纪欧洲大师的少数美国画家之一，他的 5号 画布（1948年）是《纽约时报》的一篇报道的主题，该报道称该画已被媒体大亨出售。大卫·格芬（David Geffen）以1.4亿美元的价格卖给了墨西哥金融家大卫·马丁内斯（David Martinez）。 如果属实，它将成为世界上最昂贵的绘画。 有关更多详细信息，请参见： 最昂贵的绘画-前10名 。

回顾展，收藏

该 现代艺术博物馆（MoMA） 1956年和1957年，在纽约举行了两次波洛克作品的重要回顾展。杰克逊·波洛克的画作悬挂在一些 最好的美术馆 世界各地，包括：纽约大都会艺术博物馆； 纽约现代艺术博物馆; 纽约州塞缪尔·古根海姆博物馆； 奥尔布赖特-诺克斯美术馆 ; 华盛顿特区国家美术馆； Lee Krasner Pollock系列，洛杉矶； 古根海姆博物馆，威尼斯 ; 伦敦泰特美术馆； 巴黎国家现代艺术博物馆；巴黎； 和别的。

波洛克最伟大的画作

以下是杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）精选的最佳绘画清单。

纽约现代艺术博物馆（ She-Wolf ，1943）。
陷入困境的女王 （1945年），波士顿美术馆。
《眼中的热》 （1946年），佩吉·古根海姆（Peggy Guggenheim），威尼斯。
关键 （1946），芝加哥艺术学院。
闪闪发光的物质 （1946年），纽约现代艺术博物馆。
魔法森林 （1947），佩吉·古根海姆（Peggy Guggenheim）收藏。
路西法 （1947），旧金山现代艺术博物馆。
5号 （1948）私人收藏。
构图（白，黑，蓝，白底红） （1948年），新奥尔良博物馆。
夏季：9A号 （1948年），泰特现代美术馆。
Out of the Web（第7号） （1949年），斯图加特国家美术馆。
1号 （1949年），洛杉矶当代艺术博物馆。
第10号 （1949年），波士顿美术馆。
薰衣草雾（第1号） （1950年），华盛顿特区国家美术馆。
秋天的节奏（第30号） （1950年）纽约大都会艺术博物馆。
纽约现代艺术博物馆 （第31号） （1950年）。
29号 （1950年）加拿大国家美术馆。
7号 （1951年）国家美术馆。
融合 （1952年）纽约布法罗奥尔布赖特-诺克斯美术馆。
蓝极 （No.11）（1952）澳大利亚国家美术馆。
肖像与梦想 （1953），达拉斯艺术博物馆。
复活节与图腾 （1953），纽约现代艺术博物馆。

文章：Jackson Pollock艺术家

其中一个 最伟大的现代艺术家 ，波洛克是美国抽象绘画的主要推动者之一。 他的伟大贡献在于“愿意走完整的九码”，他愿意奢侈地挥霍自己，常常以牺牲个别绘画的和谐和连贯性为代价，以拥有现代抽象画。

能量有时被还原为无情的节奏单调或纯粹的运动暴力，这是波洛克绘画的标志。 最初，这些能量是动荡的，自我着迷的和绝望的。 在他工作的后期，他们受到更多的控制和非人格化。 他绘画能量的丰富-一种与情况有关的几乎怪诞的力量的表达-将波洛克与他的能量联系起来。 部落艺术 浪漫夸张和夸张的传统。

作为一种明显的美国浪漫气质，波洛克将自己的个人主义作为他的主题。 艺术 。 特别是在早期的“黑暗”风格中，他的画作起了狂喜与孤立感折磨的发烧图。 他认为有必要用一种刻苦的表情来表达自己的痛苦，这一事实也来自美国。 如果波洛克似乎被驱使去记录自己的仇恨，幻想和冲动，那不仅仅只是一种自我放纵的行为；而是一种自我放纵的行为。 他是那位敏感人物对当代危机的反应的真实记录，这是为了与这个受到传统秩序和传统价值观念严重威胁的世界达成协议的努力。 他第一种风格的暴力情感主义标志着美国艺术中新的浪漫主义流派的兴起。 之所以是新的，是因为它综合了本土的感觉方式以及欧洲现代主义的形式和语言。 波尔洛克饱受折磨的个人主义使他与整个梅尔维尔和爱伦坡到福克纳的美国浪漫派画廊相连。 他的根本成就是使美国浪漫主义情感在抽象艺术中切实可行，并毫不动摇地表达出来。

波洛克之所以能够在1930年代后期与许多其他美国艺术家一起转变成一种重要的高级绘画风格，是由于一系列奇怪的情况。 最重要的是国际危机，这使得普遍的区域主义情绪和对美国风景画的沾沾自喜的乐观情绪突然显得荒唐可笑。 一个不安的世界比不安的审美孤立主义更适合艺术家，不安的审美孤立主义将艺术美德与托马斯·本顿（Thomas Benton）的乡村西方田园风光，约翰·斯图亚特·库里（John Steuart Curry）的偏僻民俗以及有点讽刺的祖先崇拜相联系。 格兰特·伍德 。 欧洲文化的戏剧性危机使美国艺术家更加接近大陆现代主义的精神，欧洲知识分子和艺术家向这些海岸的迁徙重新激发了重要的艺术接触，这种接触已经使他们垂死了很多年。 正如约翰·皮尔·毕晓普（John Peale Bishop）所指出的那样，甚至在三十年代末期，人们都感觉到欧洲的过去已被告知我们，因为我们一个人就能“将其延续到未来”。 美国先锋队的直接刺激来自 超现实主义艺术家 他聚集在经销商佩吉·古根海姆（Peggy Guggenheim）周围； 在战争的早期，以及德国现代主义者汉斯·霍夫曼（Hans Hofmann）的有影响力的教学中，他在纽约开设了一所艺术学校。 WPA的联邦艺术项目是高级艺术兴起的另一个因素。 作为国家自我发现的经验，它以现代欧洲模式加强和抵消了新的和解。 由于渴望寻找一种新的艺术方式，美国人再次开始参考大陆的例子。 但是对自己力量的全新唤醒使他们以更加批判和独立的精神去做。

在空中所有的艺术影响中，对超现实主义的迟来发现也许是最重要的。 超现实主义是我们艺术文化中的主要 缺陷 之一，超现实主义的缺失使现代美国艺术家失去了浪漫的遗产。 两者的重要性 达达 超现实主义的产生源于他们浪漫的抗议情绪，思想状态，以及源于实际节目或艺术手段。 尽管这种精神从来没有抓住美国人的想象力，但在欧洲，超现实主义者在不断进行的艺术革命中占有重要地位，这场艺术革命试图使艺术家摆脱对现代生活的苛刻强迫，这被一位批评家称为“人与文化的养护”。东西的。”

超现实主义者通过在战争期间在美国的存在，为抽象形式和浪漫感觉的内容的新合成提供一些非常关键的提示。 他们的“自动性”和本能的恢复提供了重要的替代方法，代替了大学院士的几何设计和图案制作。 立体主义 和抽象艺术。 尽管立体主义画家的理性建构使现代艺术获得了最令人印象深刻和高尚的风格，但到20世纪20年代后期，该运动的许多产生力已被抽象的学术主义所取代或取代。 十年后的美国，一种后立体主义的拜占庭主义被认为是我们最先进的风格。 它反映在主管的学说中， 非客观艺术 美国抽象艺术家 小组的成员。 对于这种艺术潮流，超现实主义-由其主要理论家体现 安德烈·布雷顿 （1896-1966）-提出了自发的，未经预谋的冲动的选择，并赋予了创造自由以新的优先地位。 许多美国人很快就抓住了这种选择，并用它来扩大他们艺术的表现力。 最终，他们将超现实主义的直觉完全服从了自己的艺术需求和目的。

超现实主义自由对美国前卫的影响，即使有些倾斜，也很明显。 毫无疑问，波洛克受到他的第一位经销商佩吉·古根海姆（Peggy Guggenheim）周围环境的影响，他的方法在某种程度上是“自动的”。 后来他写道：“我的绘画源于潜意识。我以与绘画相同的方式来绘画。 画画 ，即直接进行，没有任何初步研究。 当我绘画时，我不太了解正在发生什么。 直到那以后，我才能明白自己的所作所为。”

Arshile高尔基 是30年代30年代早期具有象征性和抽象性的优雅举止的专家，在未来十年的最初几年受到不稳定形式和融化空间的深刻影响。 伊夫·坦古（Yves Tanguy） （1900至1955年）， 琼·米罗 （1893-1983）和Matta Echaurren。 后来，安德烈·布雷顿（Andre Breton）建议高尔基将自然“视为密码”，他声称高尔基为超现实主义。 画家最早的作品是 阿道夫·戈特利布（Adolph Gottlieb） 马克·罗斯科（Mark Rothko），威廉·巴齐奥特（William Baziotes）和克莱夫福德·斯蒂尔（Clyfford Still）都在不同程度上关注神话和“原始人”。 这些艺术家以象征性，超现实主义色彩的抽象形式工作。 他们与马瑟韦尔（Motherwell）和波洛克（Pollock）一起都依靠“偶然”的，偶然的或破坏性的事情来赋予其创造力以生命力。

四十年代初期，在纽约有两个超现实主义的私人神庙， 朱利安·利维画廊 和佩吉·古根海姆的 本世纪艺术 。 佩吉·古根海姆（Peggy Guggenheim）是最活跃，最重要的人物，他不仅成为国际超现实主义绘画的传播地，而且还以肉体将他们的创作者介绍给了美国艺术界。 她接触了年轻的纽约画家，她的作品展出了布列塔尼，马森，恩斯特，坦u和马塔等艺术家。 自杜尚（Duchamp）和皮卡比亚（Picabia）在军械库展览期间入侵纽约以来，美国艺术家第一次知道在活跃的国际艺术环境中生活的真实感觉。 他们能够跟上新潮流，而不是像过去那样依靠最新一期的 《艺术日报 》，而只是通过倾听和观察。 他们一定是新鲜地感受到了现代艺术，并以一种新的感觉真正地生活在其中。 与巴黎许多令人印象深刻的声誉的接触使他们摆脱了省级差异。

最重要的是，现在回想起来，战争期间世界主义的突然兴起是新时代的灵感。 抽象艺术运动 。 在30年代，有许多令人鼓舞的新合成的暗示，特别是在波洛克，高尔基和霍夫曼的绘画中，但它们并非完全决定性的。 结晶的时刻必须等到四十年代的头几年，只有到那时，对抽象习语的搜寻才有了持续的集体努力的统一。 汉斯·霍夫曼（Hans Hofmann）早在1938年就开始在画布上随意涂抹颜料，但他的影响力并不像波洛克（Pollock）那样具有决定性。 高尔基在某些方面曾预料到波洛克，尤其是当他开始释义时 毕加索 在三十年代后期； 但是，尽管高尔基拥有非凡的直觉和绘画天赋，但他却缺乏原始力量和精力，而这些力量和能量似乎对于将新艺术带入艺术界是必不可少的。 直到他生命的最后几年，他突然似乎从他本人曾在创作中发挥作用的绘画氛围中燃起气来，始终保持着一种享乐主义的敏感性。然后，他的艺术在热情洋溢地履行了他的伟大诺言之后大放异彩。

新情绪的第一个也是最具决定性的公开表达来自波洛克。 在1943年首次纽约展览中，所有无定形，视情况而定，不稳定的高级画作都首先成为他的艺术的焦点。他坚定不移地投身于自己的感受，甚至揭示出他的不确定性，借出了新的美国先锋队的信心和安全。 他巨大的顽强和动感的精神帮助释放了二十年来在美国艺术中被压抑的能量。 波洛克的第一个表情是黑暗而狭窄，被迷恋的主题和自我吸收的浪漫主义所困扰。 但他奇迹般地设法保留了从最高级的现代风格衍生而来的塑料绘画原理。 即使我们现在与他联系在一起的许多艺术家似乎准备离开二十世纪绘画传统的高水平道路，走神话和象征主义之路，他也实现了这一目标。 从一开始，波洛克的绘画就有了革命性的变化。 现在看来更激烈或更高级的许多艺术家仍在详细说明这一革命的某个阶段。 但是，毫无疑问，毫不犹豫地将Pollock命名为新抽象流派出现中最关键的人物。

Pollock在1956年夏天的一场不幸的汽车事故中丧生，享年44岁。他在亚利桑那州和南加州长大。 地理印象很可能在他的绘画发展中起了重要作用。 他描述了他年轻时看到的广阔，无限，从货运火车或旧福特汽车前展开的西方风景的喜悦。 他的早期经历使他满怀怀旧之情，使他充满了青春，好像童年的自由和开阔的道路是最好的。 他保留了年轻时的宁静和对美国人事物的无组织原始感。 在他的一生中，一直存在着一种根深蒂固的无根感觉，就像他本能地或想象中的对社会约束的本能厌恶一样。

将波洛克的作品与欧洲新一代画家的抽象油画进行比较时，他的艺术表现出的浪漫主义偏见和自由意识在他的作品中表现得更加清晰。 法国先锋军的画家（其中许多人已经感受到波洛克的影响力）没有允许他采取的自由。 除非有一些明显的例外，否则外国抽象文章通常仍具有工作室制作的外观，并且具有了解（如果是浅薄的）专业精神的气息。 波洛克的原始直率和他缺乏完成感使大多数当代欧洲评论家感到震惊，他们的品味令人震惊。 那些在法国效仿他的榜样的画家 艺术信息 或特定的手势风格 斑点派 ，并已采用他的正式装置和尺寸，不愿意或无法追求他的艺术的更根本含义。 传统的法国享乐主义在今天得到了越来越多的装饰，使它们在发现的门槛上遥遥无期。 在大多数情况下，法国人在像波洛克这样的艺术家中看到的不过是一种许诺，他们坚信绘画只会在美国抽象艺术如此具有启发性但令人失望地结束的地方开始。 波洛克艺术的信念是，同样强烈的信念是，绘画沉迷于衍生的绘画主义的那一刻，绘画成为有意识的人工作品的那一刻，它就失去了创作的意义。 欧洲人在这幅新美国画中发现了大胆，独创和某些有趣的效果，但是却错过了其内部工作过程。

一位画家曾说过，一开始，波洛克释义了毕加索，然后转而反对他的灵感，并猛烈地消除了所有关于他欠债的证据。 美国先锋队寻求权威一直是一个麻烦，在时尚现代主义的斯凯拉和省表现主义的夏里y之间徘徊。 这次航行的历史就是波洛克画家的发展史。

波洛克（Pollock）于1929年加入纽约的艺术学生联盟，并与托马斯·本顿（Thomas Benton）一起学习，开始了他的艺术教育。 本顿的家 美国风景画 当时是令人信服的，他是一个至关重要的人格，对学生产生了深远的影响。 尽管波洛克只和他一起学习了两年，但直到三十年代中期，他才开始摆脱本顿的风格。 值得注意的是，这位年轻的艺术家并不是对本顿有太多反应，而是通过他发现自己的独立性，而是通过在更大强度的条件下重新创建，放大和夸大第一任老师的节奏失真，直到他的形式达到了不同的生活顺序。 从某种意义上说，波洛克通过推动 表现主义 到了某种程度的不可能，以至于没有必要保留它。 到30年代中期，波洛克在墨西哥的何塞·奥罗斯科（Jose Orozco）发现了更令人满意的暴力戏剧。 他那个时期的绘画是泥泞，粗糙和早期的，但已经带有真实的气质。 他们仍然非常随意地描述人物群体或风景。

1936年，波洛克（Pollock）开始消除可识别的主题，并以有角度的，非代表性的形状和厚而有节奏的呈柏油黑线条的线圈代替，以醒目的纹理和浮雕脱颖而出。 他混浊的蓝绿色，砖红色和黄色的颜色组合响亮而强烈。 形式，简单但基本但富有特色。 这些画在精神上仍然接近Orozco。 奇怪的是，配色方案和崎，不平的抹灰表面与同一时期的一些高尔基静物相似，但是波洛克说他从未见过这些画。

这个时期有一幅小蜡笔和水彩画，更具代表性，值得一提，因为它揭示了波洛克内心的挣扎。 它是一处泥泞而生动的小景观，前景中的黑洞握着梯子，而背景中的夜空被鲜红色的火焰照亮。 艺术家总是觉得自己与这幅画有很私人的关系，这是挫折与希望的私人象征，代表着灵魂从黑暗到光明的航行。 绘画中的光是从一场大火中散发出来的，这一事实显然表明，波洛克的危机将通过暴力宣泄来解决。

从某种意义上说，这就是紧接着发生的事情，首先是他基于墨西哥绘画的大胆歪曲，然后是对毕加索和欧洲现代主义的迅速而激进的同化。 三十年代末，波洛克用笔记本电脑充满了毕加索德的抽象解剖学主题，但有所不同。 对于毕加索划定的，包含那个时期的抽象意象，波洛克运用了自己的膨胀能量，获得了惊人的新颖效果。 他紧张而折断的线条粉碎了毕加索的奇妙解剖结构，将其还原为表达口音的系统。 更广泛的主题变化。 也许是出于随机创造力的考虑，波洛克开始创造出分布更均匀的效果，从而打破了毕加索抽象形象的统一性，并且是走向后来完全没有图像建议的自由草书的第一步。

这些图画还显示出丑陋与优雅，笨拙与技巧之间的张力，这在波洛克的整个作品中一直存在。 他常常似乎希望通过在仅达到最基本的标志或构型时故意打破其生产线的节奏来破坏作为制图员的伟大天赋。 但是，如果波洛克奉行粗鲁且显然不完整的陈述，则其目的是使自己摆脱几何设计的偏见。 更重要的是，他力求拒绝任何关于风格或方式的承诺。 实际上，在这早期的工作中，几乎有一种 非风格 的恋物癖。

1942年，波洛克（Pollock）参加了约翰·格雷厄姆（John Graham）在麦克米兰画廊举办的首场纽约群展。 陪同他参观的还有格雷厄姆，李·克拉斯纳（后来的波洛克夫人）和威廉·德·库宁（威廉·德·库宁），这是先锋派的另一位未受先锋的成员，他们在不到十年的时间里将分享美国先进绘画的领导地位。波洛克展示了蓝绿色，表现主义风格的抽象画。他的抽象形象看起来像幻觉，已经像那些没有肉体的星光眼，后来成为他画中的关键主题。在这些激动人心的运动和线条异常怪异的漩涡中，波洛克发现了一个私人图腾，该图腾一直拒绝被他的画驱逐出境。不久以后，德·库宁（De Kooning）也发现他的抽象画仍然被迷恋的现实，早期阶段的人物，或更确切地说是“女人”所居住。波尔克（Pollock）从毕加索（Picasso）最自由的抽象变调中幸存下来，充满了强烈的气氛，而这些画作常常像无意识的幻想一样结束了，仿佛他无能为力。

1942年，罗伯特·马瑟韦尔（Robert Motherwell）将波洛克（Pollock）引入佩吉·古根海姆（Peggy Guggenheim），并于当年在其画廊的群展中展出了绘画作品《 速记人物》 。它是由毕加索衍生的形状的松散编织排列，带有一种不稳定的“自动”覆盖。颜色是奇异的淡紫色和蓝绿色，与灰色和灰白色相对，表明墨西哥纸型装饰或西北调色板的高色调 美国印第安艺术 。 这可能是第一幅波洛克的蠕虫形状实际上分解为能量区域和免费书法的画作。第二年，年仅31岁的波洛克在 本世纪艺术 画廊 举办了他的第一场个人展览，并由此 开始了多产的创作，并在十二年的时间里完成了11场展览。

从1943年到1947年，这些作品的解剖主题和紧凑的构图方案如 《 She-Wolf》 ，《 Pasiphae》 和更抽象的 哥特式 。 波尔克已经开始用一条充满活力的鞭打线在表面自由地“书写”来统一他的照片。 由于攻击的极大愤怒，他学会了通过纯粹的精力来释放一种困惑和不透明的苦味。 结果是他在新的极端强度的条件下从字面上重现了抽象的图画。

在 帕西菲 和 《狼人》中 波尔洛克的巴洛克式能量将他带入一种新的表达形式，通过流畅的抽象绘画米罗和其他超现实主义者（如马森）来减轻毕加索晚期立体派的密集，受冲击的表面。对于超现实主义者来说，他所欠的不只是他自己独特的“作品”的形式，而是一种观念，认为这幅画应该像一条“溪流”一样弹出，似乎在爆发。这两幅画的曲折线条和激动的动作让人回想起米罗（Miro）1924-1926年的时期。然而，米罗（Miro）将他的形状漂浮在地面上，给他的绘画事件以设置，并暗示了代表性的幻觉。尽管他提交了变态变换，但他的形状仍保持其个性化形式的完整性。走出米罗敏锐而有创造力的头脑产生了无数的新生活和绘画事件，产生了多重性和特殊性。扎根于现代传统，他可以负担得起玩耍和双关语，像一位批评家所说的那样，带着自己的恐惧去运动，并为他们制作迷人的机智游戏。另一方面，对于波洛克来说，抽象绘画是一个更为严肃的问题。

Pollock的早期风格以他1945年主要是黑色，色彩强烈的画布达到顶峰，例如《 Night Mist》 和《 Totem Lesson Number ll》 。后者是一幅巨大的垂直绘画，他在自己强大的 明暗对比 系统中以怪诞的抽象形象玩耍 。在混乱和混乱中取得恐怖暗示似乎是这项禁止和幽闭恐惧症工作的信息。该时期的其他绘画将波洛克的焦虑带到了无法缓解的极端。然而，在1947年之后，他的阴郁和病态的直觉散布在更广阔的表面上，他将大部分内在的强迫降为平静而有条理的抒情诗。对他自己的恐惧和幻想的含糊虚幻的提法不再使他拥挤，而让位于更加宽容，雄辩的节奏和新的清晰度。他的作品不再暗示存在，恐惧或其他形式的存在，或激怒的情绪，而只是慷慨而非个人的绘画能量流。随着他学会掌握更大的表面，他赢得了一种新的感觉。

波洛克的雄心壮志使他远远超出了传统的画架绘画统一性，以寻求更大的空间和完整的绘画体验。在1948年和1949年初，他最经常在狭窄的水平画布上绘画，上面铺着不规则的钴，镉红和白，表面是暗淡的红棕色。甚至对简单的原色蒙德里安方案的这种主张也反映了新的客观性。这些长长的，狭窄的“滚动”画作尽管具有自由性，但仍然保留了他早期作品的特殊性，质感和感性，并且在波洛克的作品中保持平衡和平衡。白 凤头鹦鹉 和 夏季 是这个高潮时刻的典型表现； 他们的抒情性和动作的纯正性使人联想起现代舞中抽象而深刻的表情之一。

从1947年开始，他开始用铝和商业涂料上色，并在画布上“滴下”颜料并刷上颜料，波洛克因此受到了限制。 油画 。 他开始创造更激进的空间，并发明了更出色的绘画效果，并在宏大的个人 点画 主义中以更大的规模 创作作品 。正如汉斯·纳姆斯（Hans Namuth）的戏剧性照片系列和工作中的波洛克电影所展示的那样，他站在画布上绘画，然后从上方滴下油漆，直至达到有节奏的运动，所需的各种密度和纹理。结果可能是战后时期美国艺术中最原始的绘画系列。然而，这是波洛克早期风格的一种逻辑延伸，即使是出乎意料的雄心勃勃。他只是给他的“溪流”画一个更大的剧院。银色和黑色线条的充气网，飞溅的油漆，细腻的颜色扩散和污点背景，代替了旧的不透明，耐久的颜料。尽管他的曲调风格抒情地升华了，但波洛克最初的感觉仍然有些紧张。在 大教堂 1947年的 版画 和1950年 的美丽 薰衣草薄雾 中，凝结着水色的水坑和暗淡的斑点，在所有优雅的韵律措辞中，如艺术家早期的黑色情绪的虚幻鬼魂，都在不停地游动。

波洛克主要是银制的整体作品使绘画更接近一种脆弱，开放形式的连续空间雕塑。他制作的画质接近立体浮雕，同时还粉碎了他过去难以强调的平面二维效果，这也许是他与立体派传统的最牢固联系。但是波洛克的现代性，他对除了立即引起的轰动之外的任何事物的不信任，总是在最后得到肯定。即使是在他最自由的发明中，他也通过使颜料凝结或用蘸有油漆的手掌拍打画布的未裁尺寸的边缘来恢复表面的平坦，物理的真实感。有时，合成的工业质感，纯粹的色素物质的冰，似乎使他的本能优雅和抒情ism住，还有一种胶粘剂，结果令人不快。然而，从最好的角度来看，1948年至1951年的精美银画散发出一种轻松自然的宏伟气息，在当代美国艺术中几乎没有类似之处。对于作者而言，他们唤起了与“深层”或“星空穹苍”之类的son谐短语相关的原始感觉，从而确定了人类以外的宇宙。但是，任何可理解的，可识别的感觉内容都会在一个无名的混乱中适当地展现出来，因为波洛克的精美抒情诗必须反复地摆脱无用的色素颜料的沸腾。这是波洛克的信号成就之一，它使绘画行为具有如此震撼力和令人印象深刻，使我们想到了自然创造的奥秘，即起源于世界的“混沌的第一分裂”。然而，从最好的角度来看，1948年至1951年的精美银画散发出一种轻松自然的宏伟气息，在当代美国艺术中几乎没有类似之处。对于作者而言，他们唤起了与“深层”或“星空穹苍”之类的son谐短语相关的原始感觉，从而确定了人类以外的宇宙。但是，任何可理解的，可识别的感觉内容都会在一个无名的混乱中适当地展现出来，因为波洛克的精美抒情诗必须反复地摆脱无用的色素颜料的沸腾。这是波洛克的信号成就之一，它使绘画行为具有如此震撼力和令人印象深刻，使我们想到了自然创造的奥秘，即起源于世界的“混沌的第一分裂”。然而，从最好的角度来看，1948年至1951年的精美银画散发出一种轻松自然的宏伟气息，在当代美国艺术中几乎没有类似之处。对于作者而言，他们唤起了与“深层”或“星空穹苍”之类的son谐短语相关的原始感觉，从而确定了人类以外的宇宙。但是，任何可理解的，可识别的感觉内容都会在一个无名的混乱中适当地展现出来，因为波洛克的精美抒情诗必须反复地摆脱无用的色素颜料的沸腾。这是波洛克的信号成就之一，它使绘画行为具有如此震撼力和令人印象深刻，使我们想到了自然创造的奥秘，即起源于世界的“混沌的第一分裂”。1948年至1951年间的伟大银画散发着轻松自然的宏伟气息，与当代美国艺术几乎没有相似之处。对于作者而言，他们唤起了与“深层”或“星空穹苍”之类的son谐短语相关的原始感觉，从而确定了人类以外的宇宙。但是，任何可理解的，可识别的感觉内容都会在一个无名的混乱中适当地展现出来，因为波洛克的精美抒情诗必须反复地摆脱无用的色素颜料的沸腾。这是波洛克的信号成就之一，它使绘画行为具有如此震撼力和令人印象深刻，使我们想到了自然创造的奥秘，即起源于世界的“混沌的第一分裂”。1948年至1951年间的伟大银画散发着轻松自然的宏伟气息，与当代美国艺术几乎没有相似之处。对于作者而言，他们唤起了与“深层”或“星空穹苍”之类的son谐短语相关的原始感觉，从而确定了人类以外的宇宙。但是，任何可理解的，可识别的感觉内容都会在一个无名的混乱中适当地展现出来，因为波洛克的精美抒情诗必须反复地摆脱无用的色素颜料的沸腾。这是波洛克的信号成就之一，它使绘画行为具有如此震撼力和令人印象深刻，使我们想到了自然创造的奥秘，即起源于世界的“混沌的第一分裂”。自然的宏伟，与当代美国艺术几乎没有相似之处。对于作者而言，他们唤起了与“深层”或“星空穹苍”之类的son谐短语相关的原始感觉，从而确定了人类以外的宇宙。但是，任何可理解的，可识别的感觉内容都会在一个无名的混乱中适当地展现出来，因为波洛克的精美抒情诗必须反复地摆脱无用的色素颜料的沸腾。这是波洛克的信号成就之一，它使绘画行为具有如此震撼力和令人印象深刻，使我们想到了自然创造的奥秘，即起源于世界的“混沌的第一分裂”。自然的宏伟，与当代美国艺术几乎没有相似之处。对于作者而言，他们唤起了与“深层”或“星空穹苍”之类的son谐短语相关的原始感觉，从而确定了人类以外的宇宙。但是，任何可理解的，可识别的感觉内容都会在一个无名的混乱中适当地展现出来，因为波洛克的精美抒情诗必须反复地摆脱无用的色素颜料的沸腾。这是波洛克的信号成就之一，它使绘画行为具有如此震撼力和令人印象深刻，使我们想到了自然创造的奥秘，即起源于世界的“混沌的第一分裂”。对于作者而言，他们唤起了与“深层”或“星空穹苍”之类的son谐短语相关的原始感觉，从而确定了人类以外的宇宙。但是，任何可理解的，可识别的感觉内容都会在一个无名的混乱中适当地展现出来，因为波洛克的精美抒情诗必须反复地摆脱无用的色素颜料的沸腾。这是波洛克的信号成就之一，它使绘画行为具有如此震撼力和令人印象深刻，使我们想到了自然创造的奥秘，即起源于世界的“混沌的第一分裂”。对于作者而言，他们唤起了与“深层”或“星空穹苍”之类的son谐短语相关的原始感觉，从而确定了人类以外的宇宙。但是，任何可理解的，可识别的感觉内容都会在一个无名的混乱中适当地展现出来，因为波洛克的精美抒情诗必须反复地摆脱无用的色素颜料的沸腾。这是波洛克的信号成就之一，它使绘画行为具有如此震撼力和令人印象深刻，使我们想到了自然创造的奥秘，即起源于世界的“混沌的第一分裂”。可识别的感觉内容在一个无名的混乱中适当地展现出来，因为波洛克的精美抒情诗必须反复地摆脱无用的色素物质的沸腾。这是波洛克的信号成就之一，它使绘画行为具有如此震撼力和令人印象深刻，使我们想到了自然创造的奥秘，即起源于世界的“混沌的第一分裂”。可识别的感觉内容在一个无名的混乱中适当地展现出来，因为波洛克的精美抒情诗必须反复地摆脱无用的色素物质的沸腾。这是波洛克的信号成就之一，它使绘画行为具有如此震撼力和令人印象深刻，使我们想到了自然创造的奥秘，即起源于世界的“混沌的第一分裂”。

一个人不能长期抱有如此崇高的愿望。寻求减轻经典干燥感，波洛克在1951年和1952年将他的调色板缩小为黑白，并恢复了他的第一种风格的牢固团结，强调了制图技艺，并使他的黑人像雕刻师的线条一样被猛烈地咬入未尺寸的帆布中。从一开始，对色彩的周期性否定一直是波洛克艺术中的一个持久性因素。马尼特，劳特雷克，尤其是马蒂斯在他的立体派阶段，赋予了统治者以黑色和灰色作为主要角色，似乎在戏剧化了现代绘画的雄伟的二维特征。从本质上讲，单色绘画比颜色更抽象。拒绝颜色是回归结构基础的一种方式，威廉·德·库宁（Willem de Kooning），罗伯特·马瑟威尔（Robert Motherwell），和弗朗兹·克莱恩（Franz Kline）最近的表演。奇怪的是，波洛克的“黑色”画作在充满生气的现代风格中寻求秩序和克制的新发现也足够了。尽管恢复了他早期的一些抽象解剖图像，但1952年的绘画却显得清醒和礼节。在波洛克的作品中，最令人印象深刻的（尽管不是最令人称奇的）是绘画，即使他用最根本上减少了绘画手段，他对大型空间的控制能力也毫无疑问。尽管对波洛克的画最不满意，但毫无疑问，即使用最根本的绘画手段来减少他对大型空间的控制能力。尽管对波洛克的画最不满意，但毫无疑问，即使波洛克的绘画手段大大减少了，他对大型空间的控制能力。

在他生命的最后四年中，Pollock交替使用各种模式，有时涂上黑色涂料，而在其他时候则创造出生动的色彩。他回到1948-1951年的“流”绘画中，利用一种用白色颜料淹没他的画布的新装置，直到只能分辨出狭窄，参差不齐的边缘和暗淡的细流，这有点像Clyfford Still那样。在1952年之后，他没有得出任何根本性的新结论，但他打算探索和扩大他本人在绘画的头十年中开辟的许多新道路。

他的画是在虚无主义的激烈气氛下开始的。的确，人们必须回到 Chaim Soutine 晚期， 才发现工作像原始的 Pollocks 一样原始，直接和粗心。后来，他还通过他的暴力意象，然后通过处理焦油黑，其非美学的工业质感，以及嵌入烟头，碎玻璃和细小的绳子来建立与达达的惯性情绪和对社会的厌恶的联系。在他的颜料。最后，他使自己的怨恨和浪漫的个人主义服从于非个人理想主义的情绪，最终创造了一种新的超越美的抽象艺术形式。

波尔克（Pollock）的首场演出中出现了一个重要的新习语的粗体轮廓。 他的精力包括从多种来源衍生的形式和方法。 结果是一幅具有全新面貌的绘画作品，并带有强烈的原始感觉。 相较于它的法国作曲家-在 皮埃尔·苏拉奇斯 ，Nicolas de Stael或 乔治·马修（Georges Mathieu） -波尔克的抽象表现主义甚至达到了最精致，不完整，暴力，充满涩涩的状态，语气刺耳而原始。然而，它极大地帮助创造了超过二十年来任何欧洲都无法提供的绘画方式。赋予个人自由新的和独特的本土艺术轮廓是波洛克的巨大贡献。面对20世纪欧洲艺术的实验性变化，它具有重大成就的特征。