学术艺术：特色，历史：美术学院 自动翻译

什么是学术艺术？

在 美术 ，“学术艺术”（有时也称为“学术主义”或“折衷主义”）一词通常用于描述 逼真的生活 风格， 写实绘画 和 雕塑 由欧洲艺术学院提倡，特别是 法国美术学院 。 这种“官方的”或“批准的”艺术风格，后来与 新古典绘画 在较小程度上 象征 运动体现在许多画家的绘画和雕塑公约中。 特别是，强烈强调知识元素，并结合了一套固定的 美学 。 最重要的是，绘画应该包含适当的思想。 能够代表学术艺术理想的作品的画家包括彼得·保罗·鲁本斯（Peter-Paul Rubens）（1577-1640），尼古拉斯·普桑（Nicolas Poussin）（1594-1665）， 雅克·路易·大卫 （1748年至1825年）， 让·安托万·格罗斯 （1771-1835），JAD Ingres（1780-1867） 保罗·德拉罗什 （1797年至1856年）， 欧内斯特·迈森尼尔 （1815年至1891年）， 让·莱昂·杰罗姆 （1824-1904），亚历山大·卡巴内尔（1823-89）， 皮埃尔·普维斯·德·沙瓦纳 （1824-98），Thomas Couture（1815-79）和William-Adolphe Bouguereau（1825-1905）。

法国科学院的历史-其成立只是得到官方的认可，以增强国王的政治权威-完美地说明了建立这样的整体文化控制体系的问题。 自1648年成立以来，法国艺术学院就力图将其权力赋予美术的教学，生产和展览，但后来证明无法进行现代化或适应不断变化的品味和技术。 结果，到19世纪，由于 现代艺术家 古斯塔夫·库尔贝（Gustave Courbet），克劳德·莫奈（Claude Monet），文森特·梵高（Vincent Van Gogh）和巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）等人彻底改变了艺术的理论和实践。

起源

从十六世纪开始，一些专门的 艺术学校 从意大利开始遍布欧洲。 这些学校-称为“学院”-最初是由艺术赞助人（通常是教皇，国王或王子）赞助的，并根据古典艺术理论对年轻艺术家进行教育。 文艺复兴时期的艺术 。 这些艺术学院的发展是这项努力的高潮（始于 达芬奇（Leonardo Da Vinci） 和 米开朗基罗 ）以提高从业艺术家的地位，使他们与单纯从事手工劳动的工匠区别开来，并使他们脱离行会的力量。 有关更多信息，请参见 学术艺术史 （下面）。

学术艺术的特征

法国艺术学院制定的最重要的学术艺术原则可以表达如下：

1.合理性

该学院竭尽全力推广“智力”艺术风格。 相比之下，以“感性”风格 洛可可 ，法国人的“社会意识”风格 现实主义 ，“视觉”风格 印象派 ，或“ 表现主义 。 它认为美术是一门学科，涉及高度的理性，因此，绘画的“理性”至关重要。 这种合理性可以通过作品的主题，对古典或宗教寓言的使用和/或对古典，历史或寓言主题的引用来体现。 仔细计划-通过初步 素描 或使用蜡模型-也很有价值。

2.留言

绘画的“信息”非常重要，应该适当地“提升”并具有很高的道德内涵。 此原则是官方“ 流派等级 ”，这是1669年由法国科学院院长首次宣布的排名系统。按以下重要性顺序列出了流派：（1） 历史绘画 ; （2） 肖像艺术 ; （3） 体裁绘画 ; （4） 景观 ; （5） 静物画 。 当时的想法是，历史绘画是更好的交流高尚信息的平台。 战斗场面或一段 圣经艺术 会传达出关于（例如）勇气或灵性的明显道德信息，而静物画中花瓶的图片很难做到这一点。 在实践中，艺术家成功地将道德内容注入了包括静物在内的所有类型的图片中。 例如，请参阅 香草画 ，掌握者 哈曼·范·斯汀威克 （1612-56）等人，他们通常描绘了一系列象征性对象，所有这些对象都基于没有基督教价值的无用生活传达了一系列道德信息。

除基督教原则或人文素养外，还鼓励学术艺术家向观众传达一些永恒的真理或理想。 因此，一些学术绘画只不过是一些简单的寓言，如“黎明”，“晚上”，“友谊”等名称，其中这些理想的本质是由一个单一的人物体现的。

3.其他艺术惯例

随着时间的流逝，学术机构逐渐建立了一系列绘画规则和惯例。 这是一个小选择：

学术艺术的历史与发展

学术艺术的上述特征并非一overnight而就。 相反，它们是随着时间的流逝而出现的，这是不同观点之间不断辩论的结果，这些观点通常由某些艺术家体现，然后成为“模型”以被复制。 有一些辩论，例如：

Disegno或Colorito：哪个具有首要地位？

该 意大利文艺复兴 包含两个重要派系： 佛罗伦萨文艺复兴 拥护“ disegno “（设计）；以及首选的威尼斯文艺复兴派” colorito “（颜色）。这两个派系之间的区别可以归纳如下：

对于 佛罗伦萨来说 ，绘画是由形状/设计加上颜色组成的：换句话说，颜色是要添加到设计中的一种品质。 但是对于 威尼斯人来说 ，绘画是由形状/设计与色彩融合而成的：换句话说，它与设计是分不开的。 在佛罗伦萨，颜色被视为对象所属的属性：因此，一顶蓝色的帽子或一棵绿树被限制在这些对象的边界线内的蓝色和绿色斑块。 在威尼斯，色彩被理解为一种品质，没有它就很难说帽子或树木存在，因此画家的混合能力 彩色颜料 非常重要。

普桑还是鲁本斯？

在1661年法国科学院改组不久后，两个敌对派系恢复了文艺复兴时期的辩论。 问题在于哪种艺术风格更好-法国艺术家 尼古拉斯·普桑（Nicolas Poussin） （1594-1665）或佛兰德画家的作品 彼得·保罗·鲁本斯 （1577-1640）。 普桑专攻中等格式 神话绘画 和古典的田园风光-例如， 在阿卡迪亚自我 （1637年，卢浮宫，巴黎-重视一切的清晰性和合理性。对许多人而言，这种高尚的理性方法使他成为学院理想的完美体现。另一方面，鲁本斯则将所有伟大的宗教和历史场景描绘成简单来说，问题是：普桑的线条（disegno）或鲁本斯的色彩（colorito）应该占主导地位吗？艺术的核心：理智还是情感？这个问题从未得到最终解决-不仅因为他们都是如此杰出的艺术家-而且一个半世纪后又浮出水面

是Ingres还是Delacroix？

在19世纪，这种争论得以恢复，但是这次有了新的拥护者。 现在是政治艺术家雅克·路易·大卫（Jacques-Louis David）（1748-1825）的新古典主义，酷炫，精美的绘画-请参阅： 马拉特之死 （1793）和 霍拉蒂的誓言 （1785年）-和他的追随者 贾德·英格利斯 （1780-1867），与色彩鲜艳，戏剧性的浪漫主义 尤金·德拉克鲁瓦（Eugene Delacroix） （1798年至1863年）。 Ingres是最终的院士，按照古典惯例精心布置和修饰了柔和的肖像，女性裸体和历史画作。 相比之下，德拉克鲁瓦（Delacroix）是法国的火烈英雄 浪漫主义 他的大型有力的，有时甚至是暴力的画布（尽管经过了精心准备和绘制）代表了对古典理论的更多不拘一格的解释。 （相比之下，跨越这一风格鸿沟的两位画家是拿破仑历史画家安托万-让·格罗斯（Antoine-Jean Gros：1771-1835）。

辩论最终有利于Ingres，后者被任命为罗马法国学院（1835-40）的主任。 但是，法国艺术界的目标很快就变成了 古典主义 与浪漫主义的色彩。 例如，威廉·阿道夫·布格罗（William-Adolphe Bouguereau）院士认为，成为一名优秀画家的诀窍是认识到线条和色彩的基本相互依存，这一观点得到了汤玛斯·库蒂（Thomas Couture）院士的回应，他说，只要有人将一幅画描述为具有更好的色彩或更好的线条，这确实是胡说八道，因为颜色取决于线条来传达它，反之亦然。

复制旧大师还是复制自然？

关于学术艺术风格的另一场辩论涉及基本的工作方法。 对于艺术家来说，通过观察自然或仔细研究古代大师的画画来学习艺术更好吗？ 换一种说法，这是更优越的-解释和组织一个人所看到的东西的智力能力，还是复制一个人所看到的东西的能力？ 从某种意义上说，这场学术辩论预见了印象派和后印象派之间关于细致工作室绘画与自发绘画的优点的争论。 空气画 。

注意：所有这些问题都没有一个确切的答案，而且一般来说，争论集中在哪种艺术家或哪种绘画最能综合竞争特征。 该学院作为一个机构的主要弱点在于它认为对艺术有“正确”的方法，并且（更重要的是）他们是找到艺术的正确机构。

同时，欧洲画家和雕塑家不断寻求新的艺术风格，新的色彩设计，新的构图形式和新的笔触类型，而又没有过多地关注学院内部的教义论点。 强大的 现代绘画 古斯塔夫·库尔贝（Gustave Courbet）（ 画家工作室 ，1855年，奥赛博物馆），惠斯勒（《 怀旧交响曲》，第1期：《白姑娘》， 1862年，华盛顿特区国家美术馆），让-弗朗索瓦·米勒（ 拾穗者 1857年，奥赛博物馆和 with头的男人 ，1862年，盖蒂·缪西姆（Getty Museym LA），爱德华·马奈（Edouard Manet）（ 奥林匹亚 ，1863年，奥赛博物馆）和克劳德·莫奈（ 印象：日出 1872年， 马莫坦 ·莫奈博物馆，巴黎；或 Nympheas 1920-6， 巴黎奥兰格 利博物馆），更多而不是像亚历山大·卡巴内尔（Alexandre Cabanel），让·里昂·杰罗姆（Jean-Leon Gerome）和阿道夫·威廉·布格罗（Adolphe-William Bouguereau）这样的循规蹈矩的学术画家的比赛。

学院如何控制美术教育和展览

法国科学院实际上垄断了教学，制作和展览 视觉艺术 在法国-其他大多数学院都处于同一位置。 结果，未经学院的批准，一个崭新的画家既无法获得正式的“资格”，也无法向公众展示其作品，也无法获得官方的光顾或担任教职。 简而言之，学院是艺术家未来繁荣的关键。

如何教授学术艺术

学院学校按照一套严格的惯例和规则教授艺术，并且仅涉及 代表性艺术 ：没有 抽象主义 允许的。 直到1863年，学院内部的课程完全基于 人物画 -也就是绘制古代大师的作品。 复制这些杰作被认为是吸收轮廓，光线和阴影正确原理的唯一方法。 学院老师教授的这种风格被称为学术艺术。

学生开始于 画画 首先是来自古典希腊雕塑的版画或素描，或者是诸如米开朗基罗（1475-1564）和拉斐尔（1483-1520）等古代大师的绘画。 高复兴 时代。 完成此阶段后，学生必须提交图纸进行评估。 如果成功，他们将继续使用石膏模型或古董雕像的原画进行绘画。 然后，他们不得不再次提出图纸进行评估。 如果成功，则允许他们实时复制 男性裸体 （称为“从生活中汲取生命”）。

注意：专注于从男性裸体上绘画的一个副作用是，由于道德的原因，女性艺术家很难进入艺术学院，直到19世纪下半叶（伦敦皇家艺术学院为1861年）的问题。

只有在完成了几年的绘画，解剖学和几何学培训之后，才允许学生绘画：即使用 颜色 。 的确，直到1863年，绘画才出现在 法国高等美术 学院的课程上：相反，学生们必须加入院士的工作室才能学习绘画。 （注意：最好的院士工作室是 古斯塔夫·莫罗（Gustave Moreau） （在巴黎）。严格的入学资格和课程评估加强了这种教条式教学方法。 例如，进入巴黎人 美术学院 只有通过考试并拥有著名艺术教授的推荐信的学生才能使用。 如果被接受，学生将开始美术课程，仅在提交图纸组合供批准后才逐步进行（如我们所见）。 此外，定期举行美术比赛在一定的时间条件下进行，以记录每个学生的能力。

同时，学院保持了严格的排名系统。 绘画风格 。 历史绘画是最高形式，其次是肖像画，体裁绘画，风景和最后的静物画。 因此，最高奖被授予历史画家-这种做法在学生艺术家中引起了极大的不满。

沙龙展览

通常，每个艺术学院在一年中都会举办许多展览（沙龙），引起了艺术品购买者和收藏家的极大兴趣。 为了使绘画能够被沙龙接受，首先必须由沙龙“陪审团”批准-由院士委员会审核每件作品。

在这些展览之一上的成功展览是有抱负的艺术家的保证印章。 由于通常会陈列数千幅从视线悬吊到天花板的画作，因此要想获得悬空委员会的主要地位，就需要进行激烈的竞争，而悬空委员会通常会受到画作体裁的影响，（无疑）受到绘画风格的影响。艺术家的“学术整合”。

例如，法国学院有自己的官方艺术展，称为 巴黎沙龙 。 沙龙于1667年首次举办，是世界上最负盛名的艺术盛会。 结果，它对 法国画 -特别是在艺术风格，绘画习惯和艺术家声誉方面。 在1850年代之前，巴黎沙龙具有巨大的影响力：一个星期天最多可以有50, 000名参观者参加，而在为期8周的展览中可能有多达500, 000名参观者。 在沙龙的成功展示给艺术家带来了巨大的商业优势。

即使一位艺术家成功地从一所学院的学校毕业并在沙龙展出，他的未来前景仍然很大程度上取决于他在该学院的地位。 可以定期向在巴黎沙龙上展出并且“批准”其绘画或雕塑的艺术家提供协会的会员，并最终获得该学院的正式会员资格（学者身份）。 确保这个令人垂涎的荣誉是任何雄心勃勃的画家或雕塑家的目标。 甚至被沙龙所拒绝的印象派画家，如马奈（Manet），德加（Degas）和塞尚（Cezanne），仍然继续将作品提交沙龙评审团，以期被接受。

注意：虽然英 皇家学院 （RA）分享了法国 美术学院 和其他 学院的 一些弱点，它采用了更独立的路线。 例如，非正统的风格 特纳（JMW Turner） 并没有阻止他成为RA中最年轻的成员。

沙龙的衰落

到1860年代，法国艺术学院和其他艺术学院已经与艺术潮流失去联系，并顽固地继续推广一种学术艺术形式和一种僵化的教学方法，这种方法既过时又与现代风格脱节。 （他们仍然根据“体裁等级”（见上文）对绘画进行排名，例如，历史绘画总是“超越”风景，因此将“悬挂”在沙龙中的更好位置。）

由于无法保持最新​​状态，因此沙龙变得越来越保守，并最终严重衰退。 出现麻烦的第一个明显迹象是1863年，法国统治者拿破仑三世宣布， 拒绝沙龙 将与官方沙龙同时举行，以展示沙龙陪审团拒绝的所有作品。 事实证明，替代沙龙与官方沙龙一样受欢迎。 即便如此，值得记住的是，法国印象派仍然是世界上最受欢迎的绘画风格，但遭到官方沙龙的拒绝，迫使其拥护者私下展出。 看到 巴黎印象派展览 （1874年至1886年）。

公平地讲，应该注意的是，并不是法国学院年度沙龙中悬挂的每幅画都具有过时的风格或内容的前瞻性。 一些进步画作确实没有经过评审。 这些作品包括：历史画作《 圣女贞德》 （1879年，纽约大都会艺术博物馆） 朱尔斯·巴斯蒂安·勒佩奇 ; 该 东方绘画 Henri-Alexandre-Georges Regnault 撰写的《 Hassan et Namouna》 （1870年，私人收藏）； 弗朗西斯卡·达里米尼（Francesca da Rimini）和保罗·马拉泰斯塔 （ Paolo Malatesta）的死 （1870年，奥赛博物馆，巴黎），让·莱昂·杰罗姆（Jean-Leon Gerome）的经典《波利斯· 维索》 （1872年，凤凰城美术馆）的亚历山大·卡巴内尔（Alexandre Cabanel）； 皮埃尔·奥古斯特·科特（Pierre-Auguste Cot）的新洛可可式绘画《 春天》 （1873年，纽约大都会艺术博物馆；威廉·阿道夫·布格罗的 《波浪》 （1896年，纽约大都会艺术博物馆）。

后来，更先进的替代沙龙-如 独立沙龙 由Albert Dubois-Pillet，Odilon Redon，Georges Seurat和Paul Signac以及 奥龙沙龙 由Hector Guimard，Frantz Jourdain，Georges Desvallieres，Eugene Carriere，Felix Vallotton和Edouard Vuillard发起的–为公众提供了全方位的服务 现代艺术 。 在1884年至1914年期间，这些新的沙龙帮助向公众介绍了革命性的新绘画风格，包括新印象派，野兽派和立体派等仅举三个。 直到 那时 ，公众才能看到 抽象画 和 抽象雕塑 。

19世纪后期的学术艺术

到1880年代，法国有两种并行的 艺术 体系：涉及美术学院的“官方” 学术艺术 体系和其学校 Ecole des Beaux Arts （它放弃了对沙龙的控制）。 1881年）; 以及另类的 现代艺术 体系，包括私立学校， 独立沙龙（Salon des Independants） 和其他私人展览场所。

官方系统 迎合了保守派人士的需求-例如，雕塑和建筑都是由学术艺术的坚强信徒经营的-但在其他地方却没有真正的影响力，尤其是因为它未能鼓励创新。 受到现实主义艺术家的批评，例如 古斯塔夫·库尔贝 为了促进理想主义，而不是更多地关注当代社会问题。 被批评 印象派画家 因为它经过了整齐的装饰，艺术家不得不通过使图像理想化并添加完美的细节来改变绘画以符合学术风格标准。 现实主义和印象派的从业者都强烈反对在学术流派中，对风景，流派绘画和静物的评价偏低。

同时， 替代系统 正在蓬勃发展。 都认真 艺术收藏家 ，经销商和 艺术评论家 在巴黎，人们对 独立沙龙的 新发展给予的关注远远超过了官方沙龙中相同的旧式重复绘画风格。 私立学校兴旺发达，包括 朱利安学院 （ 始建 于1868年）， 查尔斯·格利尔学校 （ 始建 于1843年）， 科拉罗西 学院 （ 始建 于1870年）和 洛特学院 （ 始建 于1922年）。 在伦敦，领先的非官方学院是斯莱德美术学院（始建于1871年），它与皇家学院的绝望的干旱教学方法竞争。 还有其他学校教书 艺术设计 ，例如著名的德国人 包豪斯设计学校 （1919年至1932年）。 同时分裂国家-例如，参见 慕尼黑分裂国家 （1892）， 维也纳分裂国家 （1897）和 柏林分裂国家 运动（1898）-席卷整个欧洲，建立了渐进的替代组织，取代了旧式学院。 简而言之，到世纪之交，所有新颖，创新和令人兴奋的事情都发生在官方系统之外。

欧洲美术学院：起源与历史

第一所现代艺术学院是 佛罗伦萨艺术学院 由画家，建筑师和艺术史学家乔治·瓦萨里（Giorgio Vasari（1511-74））于1562年成立，隶属于美第奇大公爵科西莫1号。

第二所重要的艺术学院 罗马艺术学院 （以画家的守护神圣卢克的名字命名）于1583年左右在罗马发起，由教皇赞助，由画家费德里科·祖卡罗（Federico Zuccaro，1542-1609）主持。 由于当地强大的画家协会的反对，美术学院在整个意大利的传播缓慢。

学院系统的发展

在意大利以外，第一个要建立的学院（1583）在荷兰的哈勒姆（Karar Van Manda）（1548-1606）领导下。 在法国，第一个是 皇家 画家 学院和雕塑学院 ，在画家的努力下于1648年在巴黎成立 查尔斯·勒布朗 （1619-1690），他对法国绘画和雕塑的影响在1663-83年期间占主导地位。

尽管它与意大利科学院有着密切的联系，但在意大利的旅行社中深受旅行者的尊重 盛大之旅 ，法国皇家艺术学院则活跃得多。 它在省级城市开设了分支机构，并授予了在罗马法国学院学习的奖学金，并成为北欧所有其他皇家和帝国学院的榜样。

在适当的时候，约阿希姆·冯·桑德拉特（1606-1688），波兰（1694），柏林（1697），维也纳（1705），圣彼得斯堡（1724），斯德哥尔摩（1735）在纽伦堡学院（1674）建立了美术学校。 ，哥本哈根（1738），马德里（1752），伦敦（1768）。

在18世纪，德国的几个州以及意大利和瑞士的城市都开设了一些小型学院。 美国第一家官方美术学院于1805年在费城成立。在爱尔兰，有两家视觉艺术学院： 皇家西伯利亚学院 （RHA），成立于1823年， 皇家阿尔斯特艺术学院 （RUA），成立于1930年。

20世纪的学术艺术-无关紧要

在20世纪的前三十年，学术风格艺术的声誉进一步下降。 首先，如上所述， 表现主义运动 其次是 立体主义 ，这两个都被视为完全反建制。 然后，在1916-25年间， 达达运动 攻击了传统艺术的观念。 此后，除了具象的超现实主义（1925-50）和《美国风景画》（1925-45）外，抽象一直主导着艺术，至少到60年代为止。 因此，像 新Plasticism （1918年至1931年）， 抽象表现主义 （1947-65），和 OP-艺术 （1955-70），仅举三例，他倡导了一套与学术艺术完全不同的美学。 这些风格都不要求任何形式的学术训练或传统手工艺，并且大多数似乎与希腊人制定，意大利文艺复兴时期重新发现并由各学院推动的规则中的某些（如果不是全部）相抵触。

1960年之后，艺术界-现在的中心位于纽约，而不是巴黎-进一步降低了人们对艺术界的印象 流行艺术 与严厉的 极简主义 。 进一步混淆事物，全新 艺术类型 被发明，例如 概念艺术 和 安装艺术 。 的新形式 美术摄影 以及各种类型的数字和 电脑艺术 。 到1980年代末/ 1990年代初， 当代艺术 比赛，例如 特纳奖 很少（如果有的话）是由传统或受过学术训练的艺术家赢得的。 换句话说，至少从表面上看，到2000年，美术学院已经与主流艺术实践无关。

21世纪的学术艺术：旧价值观v计算机软件

但是，尽管在风格之间仍然存在肤浅的鸿沟 后现代艺术 以及学术绘画的风格，有理由认为事情可能会改变。 尽管存在非学术艺术的事实-例如像 法式培根 （1909年至1992年）， 安迪·沃霍尔 （1928-87）和 毕加索 （1881-1973）-是佳士得拍卖行和苏富比拍卖行拍卖行中最时尚的艺术品。

那么为什么学术艺术会复兴呢？ 好吧，让我们弄清楚，今天的学院教授的艺术与50年前（更不用说100年前）的艺术大不相同了。 因此，学术艺术本身在内容和教学方法上都经历了重大的现代化。 但是它之所以变得越来越重要的主要原因是，如今占据主导地位的是抽象的，超现代的艺术：正是这些东西现在成为主流。 因此，也许收藏家会寻找新的东西-至少是在绘画或雕塑方面寻求回归旧价值。 与此相对的是，计算机，其美术和设计软件以及其他在线工具的功能正不断增强，最终可能使所有手工制作的艺术即使没有灭绝也变得多余。