法国绘画：历史，特征 自动翻译

历史渊源

法国绘画和法国一样，也需要时间来发展。 一切始于 中世纪手稿照明 ，特别是 罗马式手稿 （c.1000-1150）， 哥特式照明手稿 （c.1150-1350），最后 国际哥特式照明 。 这些书画本身受加洛林式和奥托尼式的模型以及 拜占庭艺术 ，后来影响了法国哥特式绘画（例如14世纪初期的 让·普塞勒 ，以 贝尔维尔 （ Belleville Breviary） （1326）和 珍妮·德埃夫勒的时间 （1328年，大都会博物馆回廊）以及更多有礼貌的 国际哥特式 样式。 不久之后，阿维尼翁原始学校诞生了世界上最动人的学校之一 宗教画 ， 著名的 阿维尼翁·皮耶塔（Avignon Pieta） （1460）由 Enguerrand de Charenton（Quarton） （1410-66）-另请参见他 的《三位一体的圣母加冕典礼》 （1453-4），艺术家在其中注入了中世纪意象的整个章节，并以精致的法国人的眼神使之生动活泼。

让·福凯（Jean Fouquet）（1420-81）

这些阿维尼翁（Avignon）艺术家的当代作品， 让·福凯 出生于图尔，在巴黎接受教育，受到佛兰芒画家和 细密 ，但熟悉意大利当代画家的作品，制作了他那代最出色的画作：包括 法国查理七世的肖像 （c.1443-5）在卢浮宫，以及精美的现代 雕刻板 被称为 梅伦·迪普蒂奇（Melun Diptych） （c.1452）现在分为安特卫普的Koninklijk博物馆和柏林的Gemaldegalerie。 福凯不是有远见的人。 在他的 微型肖像画 他是一位热情观察家的现实主义者，是他周围生活的诠释者。 他更大 板画 包含一些欧洲肖像画最有力和同情的例子。

枫丹白露学校

后来，法国国王，尤其是查尔斯八世（1470-98）和弗朗西斯一世（1494-1547）被困在 意大利文艺复兴 。 弗朗西斯一世（Francis I）诱使达芬奇（Leonardo da Vinci）在法国为他执行委托，而当他开始将自己作为艺术赞助人的全部野心集中在枫丹白露大皇宫时-有关详细信息，请参见 枫丹白露学校 （1528-1610）-他再次进口了一批意大利画家，用 壁画 和雕塑。 罗索·菲奥伦蒂诺（Rosso Fiorentino） （1494-1540），Francesco Primaticcio（1504-1570）和Nicolo dell’Abbate（1510-71）带来了躁动不安且颇为紧张的矫饰主义，这是他们的意大利传统，但很快就因高卢精神而受到抑制。 意大利人的躁动变成了法国的优雅。 异教变得复杂。 枫丹白露的学校虽然短暂，但具有不可否认的魅力，它为法国提供了指向下个世纪时尚的指针。

法国巴洛克绘画

在意大利，风格主义与巴洛克风格形成了尴尬的联系。 在法国，它自然而然地进入了洛可可。 弗朗西斯一世和他的当代作品亨利八世（1491-1547）在英国一样，都相信要引进他的艺术家。 本地人很少 法国巴洛克艺术家 活跃于16世纪的法国，甚至在17世纪，法国艺术也受到意大利的影响。 在法国本身，这三个 勒纳恩兄弟 （安托万（Antoine 1599-1648），路易（Louis）1593-1648，马修（Mathieu）1607-77）不受意大利磁铁的影响，描绘了农民家庭的有力小图片，这些图片的险恶亲切感和悲痛与17世纪的世俗性没有明显联系。 他们的照片，特别是路易（Louis）的照片，被深深地信念化了，但是绘画却缺乏科学性。 很难想象在这个高雅的世俗时代，他们的顾客属于哪个社会阶层。 它们反映了当前的措辞可能将什么称为“地下墙”背后的地下运动。 巴洛克绘画 。 充满情感的戏剧 错视 效果及其宗教狂热。

乔治·德拉图尔（1593-1652）

在法国画家中，最吸引人的莫过于磁铁。 乔治·德拉图尔 洛林（Lorraine）的画家几乎直到最近才被遗忘，但现在又被重新发现。 乍一看，德拉图尔看上去像是一位热爱卡拉瓦乔的门徒，夸大了他主人的 明暗法 和其他的小技巧，但未能实现活力。 德拉图尔的大多数特质效果都取决于他对烛光或火炬灯的刻意使用，这确实是正确的：同样真实的是，他的雕像具有木质外观，好像它们是由车床上的某种硬质材料制成的。 但是，这些仅仅是一种气质的外在症状，特别吸引当今的口味。 德拉图尔感兴趣的是戏剧性的色调简单，不仅产生了烛光，而且使烛光变得可信：当他进一步采取严格简化形式的步骤时，他能够发展出一种结合了惊人的现实主义和附近吸引力的优点的风格。 正如枫丹白露学校将意大利的举止变得别致而优雅一样，德拉图尔（de la Tour）也为巴黎风情增添了新的高卢风格和精致感。 tenebrism 卡拉瓦乔。

但是，十七世纪的两位法国艺术家最容易受到意大利的吸引力-的确如此，以至于他们放弃了巴黎前往罗马-就是尼古拉斯·普桑和克洛德·洛林（Claude Gelee）。

尼古拉斯·普桑（1594-1665）

普桑 像拉斐尔（Raphael）一样，很少为绘画做贡献。 如果将艺术史视为征服的故事，那么普桑一无所获，因为他没有发现任何新发现。 另一方面，如果有人将其视为成就的故事，那么他就很重要，因为拉斐尔（Raphael）作为图片的构造者，建筑师很重要。 特别看他的杰作 绑架萨宾妇女 （1634-5，纽约大都会艺术博物馆）和 在阿卡迪亚自我 （1637年，卢浮宫，巴黎）。 在十五世纪末期，当希腊和罗马的所有事物都散发出淡淡的光彩，使艺术家疯狂地疯狂创作时，他本来会非常高兴。 普桑出生晚了一百年。 他艰苦，无情的设计独创性甚至没有Raphael的自发性。 拉斐尔（Raphael）通过敏锐的绘画本能普森（Poussin）所做的事情，也是通过同样敏锐的绘画智力进行的。 他自鸣得意地说：“我什么都没忽略”。 除了对Arcady的精心设计外，没有人会发现他的错。 希腊的魅力消失了，文艺复兴的热情也随之消失。 他更像是一位认真的年轻慈善家，他继承了一笔财富，并决心仅在最崇高的事业中使用它。 佛罗伦萨的坚固，威尼斯的光辉，巴洛克大师的宏伟视野都在他的掌控之中。 他以无限的机智和谨慎地使用它们，并因此使它们失去活力。 然而，这种丧失活力却有其补偿。 这位伟大的艺术家必然受他自己天才的摆布。 在极端情况下，缺乏自律或克制可能会使他陷入过度强调的陷阱，从而导致缺乏形式上的连贯性。 从来没有一个伟大的艺术家意识到这一危险，因为艺术的力量最终取决于对艺术家自己的创作冲动的形式上完全相同的发现，但是并不是每个伟大的艺术家都逃脱了它。 这位古典画家与其他画家的不同之处在于，他对形式上的连贯性和清晰性的需求，而没有哪个画家比普森更敏锐地拥有这种感觉。

西蒙·沃特（Simon Vouet）（1590-1649）

如果需要证明仅靠尊严和清晰度本身并不能保证人人享有伟大，那么人们只需要看一下普桑的当代艺术， 西蒙·沃特 （1590-1649）的人将尊严降为平和，将饰物的清晰度降低。 Vouet和他的学生和门徒Eustache le Sueur（1617-55）是黎塞留（Richelieu）赞助下的官方绘画学校的创始人，这使折衷主义理论变成一门冷酷的科学。 他们试图说服他们的顾客，使拉斐尔和提香的语录选集可以作为 艺术 。 就他们成功而言，这是因为他们的顾客本身就是学徒；但他们并没有完全成功。 他们组成了一个坚实的保守派机构，得到了官方的大力支持，但是一个非正式的反对党很快就发出了声音。 在法国科学院就形式和颜色的普桑和鲁本斯的相对优点进行了无休止的辩论。 当然，辩论本身对当时的艺术没有影响，但它们提供了证据，表明最极端形式的古典理论并没有捕捉到整个17世纪法国人的品味。

也就是说，Vouet的继任者，画家和装饰艺术家的影响 查尔斯·勒布朗 （1619-90）更大，尤其是在 法国学院 -垄断艺术教育和公共艺术展览的机构。 勒布伦（Le Brun）也通过他在巴黎的精彩壁画而成为画家 凡尔赛宫 -特别是镜厅天花板上的那些。

对于巴洛克和洛可可时代的法国装饰艺术和室内设计的黄金时代，请参阅： 法国装饰艺术 。 对于家具，尤其是路易·奎托兹（Louis Quatorze），路易·昆兹（Louis Quinze）和路易·塞泽（Louis Seize）风格的家具，请参见： 法国家具 （1640年至1792年）。 对于工匠，请参阅： 法国设计师 。

克劳德·洛兰（1600-82）

普桑不是唯一的神。 他的当代 克劳德·洛兰 ，具有部分但不是全部弱点，困扰着他那个时代的自觉经典画家。 他至少有勇气去爱大自然，以便为自己画风景。 说他是第一个这样做的人是不正确的。 鲁本斯已经在山水画中看到了可能性，但是鲁本斯的眼神和追求的头脑几乎可以在任何事物中看到可能性。 克劳德（Claude）专注于景观，但采取了具有深远影响的步骤，尽管他本人不知道这些后果是什么。 他自己的努力并不是要进入大自然的情绪，而是要表明风景本身可以为 古典 画作提供令人满意的图画的材料。 他听从了乔尔乔涅（Giorgione）的 《暴风雨（Tempest）》 提供的暗示，清空了人物的形象，或者将人物形象简化为前景中的色彩或色调，通过将树木或建筑物的侧面集结来建立框架，然后将所有技能集中于眼睛向内穿过图片的中心，进入宽广而明亮的距离。 克劳德（Claude）没有勇气直奔未动过自然的心脏。 出于绘画的目的，17世纪的自然仍然必须以人为主导，用毁坏的城堡或科林斯式的神庙修整不规则的角落，但是人们可以从他的绘画中猜出，在对待她时，他只是遵循了惯例。 这些图纸永远不会引起人们惊讶的评论，“但是多么现代！” 风景可能是情绪的自发表达甚至是地形记录的观念是后来的发展，而约翰·康斯特勃（John Constable）将在近200年后加以利用。

然而，即使对克劳德来说，一幅绘画风景本质上是要在工作室中创建的，都是用库存的材料来构建的，但他的照片中存在一个与工作室合成无关的元素-即弥漫的光线。 人们已经注意到，克劳德在荷兰的当代画家范·高恩及其追随者，越来越意识到光线对构成其图片基础的广阔景观的影响。 实际上，光是17世纪的发现，但荷兰画家用它来解释土地的谎言，对克劳德来说，这是一个神秘的元素，它改变了下落的一切。 在我们忘记了他的图片的荒谬标题，为这些标题提供借口的小前景人物以及中距离的树，庙宇和桥梁的特殊组合很久之后，我们就记住了从天而降的光线并以柔和浪漫的神秘感触及每一个图片事件，这在普桑是永远都找不到的。 在克劳迪安 山水画 ，我们首先发现了真正浪漫主义的种子。 这些种子直到后来才发芽，直到他们开始这样做，克劳德的画才享有应有的声誉。

法国洛可可绘画

直到十七世纪末，法国才开始产生一种艺术，这种艺术没有反映出意大利褪去的魅力，反而反映了凡尔赛人活泼，甚至同样人为的生活。 作为。。而被知道 洛可可艺术 ，这不是严格遵守古典信条和宏伟举止的结果。 实际上，它的出现完全证明了鲁本斯和色彩的拥护者终于战胜了普桑和形式的支持者。 见 洛可可肖像 的 Hyacinthe Rigaud （1659-1743），路易十四的画家，以及那些才华横溢的画家 伊丽莎白·维吉·勒布朗 （1755-1842）是玛丽·安托瓦内特皇后的宫廷画家，以及伟大的体裁画家和肖像画家 让·巴蒂斯特·格鲁兹 （1725年至1805年）。

让·安托万·沃托（Jean-Antoine Watteau）（1684-1721）

让·安托万·沃托 是十七世纪和十八世纪之间的桥梁。 他结合了一个人的玩世不恭和另一个人的玩味。 但是人们对瓦托很感兴趣，这并不是因为他是那个时代的代表，而是因为他渗入了瓦托的表层之下。 可以肯定的是，十八世纪初凡尔赛的闪亮饰面并不难渗透。 但是沃托（Watteau）却没有憎恨或反抗它就穿透了它。 他接受法院的生活和礼节，却不受他们的诱惑。 他就像哈姆雷特（Hamlet）的分队，但他却没有哈姆雷特（Jamlet）的忧郁。 他只是伤心欲绝。 这让他想起了莫扎特，他可以产生出与他的音乐整洁，正式的音调相同的暗示效果，这是对他伟大的一种衡量。 在Watteau的画作中，宫廷生活的正式模式就在那里-兴高采烈，无限的休闲，为爱而生的无止境回合，优雅以及对物质不适的谨慎避免，但所有这些背后都带有一种强烈的怀旧感。 没有什么会长久。 他的角色，弱而精致，在衰落的时刻抢夺，但他们无法将其逮捕。 死亡-不，不是死亡； 那太公然，太强调一个词了-遗忘，恰好就在拐角处，潜伏在那棵阴暗的树后面，在爱情女神雕像的基座下等待，准备偷偷进入并占据现场。 对于大多数画家而言，对其风格和举止的直接描述就足够了：对于瓦托，重要的是底色和泛音。 从风格上讲，他是鲁本斯的后裔，但当人们发现自己将自己与莫扎特和哈姆雷特相提并论时，他意识到自己与鲁本斯的精神相去甚远。

弗朗索瓦·鲍彻（1703-1770）

弗朗索瓦·布歇 没有泛音。 他发现时就采用了18世纪，并给了他的老板庞帕度夫人（Madame de Pompadour）确切的嬉戏性色情品牌，她伪装成她想要的古典神话。 作为闺房装饰工，鲍彻（Boucher）没什么可期望的。 他可以轻浮而不琐碎，优雅而不沉闷，顽皮而不卑鄙。

尚·霍诺尔·弗拉戈纳尔（Jean-Honore Fragonard）（1732-1806）

让·霍诺尔·弗拉戈纳尔 是18世纪真正的法国画家中的最后一位，他拥有瓦托的所有敏感性和情感，却不懂瓦托的深度。 有了他，假维纳斯，假若虫和牧羊人的时代就结束了。 即使在弗拉戈纳尔（Fragonard），也已经暗示着人们对生活的看法更加严肃。 爱情通常是他的主题，但现在变得不再那么浮躁了。 他的恋人并没有那么闲散地消磨时间。

尚·西蒙·查丁（Jean-Simeon Chardin）（1699-1779）

从艺术角度讲，十八世纪不是一个创作时期。 每位画家从材料中拿出自己想要的东西，并由此发展出适合当时的心情。 没有18世纪的视觉系统：视觉上的好奇心和审美实验都没有。 艺术家对生活的个人反应-瓦托的悲伤，布歇的情欲，纳蒂尔的奉承，弗拉戈纳尔的感悟取代了他们的位置。 只有一位画家 让·查丁 与众不同。 最伟大的之一 老大师 来自法国的查尔丁（Chardin）独自对生活中更永恒和更普遍的方面感兴趣，他画了一瓶酒和一条面包，充满了兴趣和感情，就像他赠予母亲的肖像一样，为她的小女儿画上了最后一笔。女孩的化妆，并在两者中找到丰富的素材。

从外观上看，他是一个世纪前荷兰的小大师们之一。 他的居家感与Terborch一样微妙，但是作为法国人，他的触感更轻松，更难以捉摸，更有趣。 与任何荷兰画家相比，他的眼神都更加敏捷，对那些将母亲与小女儿联系在一起或与老师与学生联系起来的微妙的心理和戏剧性关系更加警惕。 他也许是当今艺术家唯一可以与他有亲戚关系的18世纪画家。 在查尔丁的 静物画 所有以法国学院和法国为中心的浮夸的辩证法 美术学院 ，已经忘记了崇高的举止和高贵的风格。 最后，平底锅或死兔子会给画家提供解决问题所需的一切。 重要的是要注意十七世纪荷兰的静物与查尔丁的静物之间的精神差异。 前者是有关荷兰日常生活方面的忠实记录；后者只是绘画作品的借口。 他们对十八世纪的心态一无所知。 这是查尔丁断言他主要是画家，也是最优秀的画家的一种方式。 他既不是记录员，也不是道德主义者。 沃托（Warteau）回顾过去，使鲁本斯（Rubens）保持最新状态。 查尔丁是我们这个时代的先知，他曾预见过库尔贝和塞尚。 也可以看看： 最好的静物画家 。

法国绘画的特点

绘画 在法国，一向具有两个特征，逻辑性和时尚性。 两者都是文明人民的标志。 法国艺术中的逻辑表现为法国艺术家在开始绘画之前就制定理论的习惯。 如果乌切洛曾经是法国人，他本可以和他的朋友在蒙帕纳斯的咖啡馆里相聚，并宣布新绘画派的诞生-“透视主义”，巴黎在逻辑上对理论的热爱中诞生了一个又一个“主义”。 。 时尚是另一回事。 这是从不让最终目标与手段不协调的结果。 绘画是一种语言：石头是一种语言。 两者都以视觉方式说话。 油漆处理颜色和图案； 形状和质量的石头。 尝试使这些语言表达本来不想表达的内容，而您的法国人立刻就失去了兴趣。 对于布雷克来说，他几乎没有用，布莱克试图使绘画表现得像文学。 法国人说油漆是要被看见，而不是被看。 它处理诸如颜色，结构，图案之类的品质。 因此，像Matisse，Cezanne或Ingres这样的男人很时尚。 他们试图解决不是绘画问题的任何问题。

新古典主义绘画-雅克·路易·大卫（1748-1825）

在18世纪通风的洛可可式出现了第一个合理的反应之后， 新古典绘画 为首 雅克·路易·大卫 。 新古典主义艺术是由许多不同原因引起的好奇的考古运动-赫库兰尼姆的发现，对法院轻浮性的反抗，卢梭的启发下的民主意识-在18世纪末期已经浮出水面。 附属的文艺复兴时期看重的是罗马的政治实力和共和美德，而不是普桑那样的普罗森，而是希腊的文化辉煌。 结果是加强了标准，道德，政治和艺术水平。 奇怪的是，法国大革命表面上是疯狂的和衣衫eve的，应该在戴维（David）的热情支持下，他的风格是如此僵硬和精确，并且尽责地高贵。 也可以看看 安托万·让·格罗斯 （1771年至1835年）。 人们会期望德拉克洛瓦的浪漫主义成为伴随社会动荡的绘画。 但是浪漫的浪潮后来出现了。 看到： 最佳历史画家 。

吉恩·奥古斯特·多米尼克·英格里斯（1780–1867）

安格尔 ，同样以他的古典风格 学术艺术 ，并且他的画布范围内的表单组织者更加精通，只有当他有肖像要绘画时，他才成为人类。 然后，他的保姆和他自己柔顺的线条感融化了坚硬的新古典主义硬皮。 他的一些肖像具有血肉般的生命力，鉴于他的自我信念，这是令人惊讶的。

尤金·德拉克鲁瓦（Eugene Delacroix）（1798-63）

德拉克洛瓦 领导浪漫主义者，不仅在题材上而且在绘画方式上都与他的前辈们背道而驰。 鲁本斯是他理想的画家，但他没有鲁本斯的组织能力。 拜伦是他选择的诗人，但是孤独，野性的拜伦式的悲观在文学上比在艺术上更有效。 Delacroix的绘画方法比他的个人照片更有趣。 如果他要实现自己作为画家的雄心壮志，就必须发展这种方法。 这个单词 ’ 浪漫主义 ’如此轻松地将自己与Delacroix和他的当代艺术联系在一起， 西奥多·杰里科（Theodore Gericault） （1791-1824）- 美杜莎木筏的 创造者，也是其中之一 最佳肖像画家 -无法定义。 对我们来说，这个词的眼睛和耳朵经过训练，可以检测出所有真正的创意艺术背后都隐含着浪漫的，有时是微弱的，有时是压倒性的色彩。 对于观察德拉克洛瓦的艺术发展并意识到他的观点与因格里斯的观点之间存在根本分歧的那一代人来说，这是一个不可避免的词。 在拜伦和莎士比亚那里感觉比在法国科尼耶和拉辛那里感觉更多，这不是法国特色。 当德拉克洛瓦（Delacroix）开始发展一种风格时，情感的强度比形式的完美更重要，很明显，出现了一种新情况，古典主义和浪漫主义之间的对立成为主要问题。 特别是，请参阅： Sardanapalus之死 （1827）和 自由领导人民 （1830）。

然而，德拉克洛瓦（Delacroix）绝对不是那种想像可以在狂热中完成好的绘画的人。 的确，他重新发现了鲁本斯，并比瓦托更沉重地依靠他，但是那些读过他的日记的人会知道他是一个聪明才智的人，具有非同寻常的自我分析能力，并且他在思考问题工艺和 美学 和Ingres一样深 德拉克洛瓦（Delacroix）使自己对色彩和表面的处理变得像因格里斯（Ingres）的线条和构图一样敏感。 并且知道为了成功实现自己的程序，他必须保留Ingres从未尝试过的自发性和能量，更充满活力的表面，更自由的笔触-永远不要不受控制或不受纪律，但始终要充满活力他最初的创作冲动。 在为实现这一活力而奋斗的过程中，他偶然看到了康斯坦布尔（Constable）在1824年在巴黎展出的风景。这给了他崭新的见解和新的动力。 他立刻重新粉刷了他参与的 希俄斯（Chios） 的大 屠杀 ，并在此过程中建立了新的联系，最终从后来的提香（Titian）和鲁本斯（Rubens）走向印象派。

欧诺·多米耶（1808-79）

一个庞大的人物，其全部倾向是浪漫的，但将他的浪漫主义隐藏在讽刺的斗篷下， 罗纳·多米耶 。 达米耶尔一生的大部分时间都被用来制作成千上万的石版画供当前期刊使用。 没有一个人能像他一样努力工作，就可以始终如一地制作杰作，但最伟大的达米尔人却拥有强酸的力量。 他的主题是从广阔的领域中挑选出来的，但是在所有这些主题中，他都集中精力，常常令人恐惧，专注于当代生活的各个方面。 男女劳动者私密的日常生活中的场景，对法律职业的尖刻评论，日复一日，周复一日地从他的笔下刮下严厉的政治讽刺。 直到他生命的尽头，多米埃尔才有闲暇时间绘画和自由，摆脱了讽刺作家始终要承担的情感和宣传责任。 在这些画中，他表现出对伦勃朗的微型印象，对奇异或风景如画的情有独钟。

比较著名的19世纪法国现实主义风格画家 欧内斯特·迈森尼尔 （1815-91），以他的学术风格着称。

巴比松学校

同时，不受对手古典派和浪漫派的干扰，一群画家-统称为 巴比松山水画学校 -已从巴黎撤离并退休，前往巴比松（Barbizon）郊外，尝试一种新的景观绘画方法。 对于巴比松画家，历史学家感到他终于可以在自己的日子里测量到距离。 它们是他倒数第二章开头几段的主题，因此，它们给我们带来了总是属于当代事物开始的陈旧性。 早期的汽车比驿马车还要轻巧，仅因为它是当今货币的一部分：驿马车不能过时，只是过时的。 巴比松景观中的“现代”是，与克洛德甚至康斯特布尔不同，它们是当场绘制的。 Barbizon率先采用了 空气画 在莫奈，毕沙罗，希思黎和雷诺阿等法国印象派手中达到了顶峰。

画家退休后，他的工作室就开始沉浸在沉思中，从巴比松的画家和他们的画作中汲取灵感，用他所制作的素描来“构图”一幅画。 西奥多·卢梭 （1812年至1867年）， 卡米尔·柯罗（Camille Corot） （1796年至1875年）， 查尔斯·道比尼 （1817-78）和 让·弗朗索瓦·米勒 （1814-75）是他们中最好的。 卢梭一心一意地执着于大自然。 Corot是一位诗人，并且是该小组中唯一拥有经典远见卓识的人，可以将唱片（无论多么精确）变成一幅画。 在后来的生活中，他通过滑入杨柳树和暮色的简单配方中而广为人知，尽管他仍然对银灰色和柔和的绿色保持了美好的感觉。 小米赞扬农民劳动的尊严，给了我们 拾穗者 （1857）， 天使 （1859）和 with头的男人 （1862）-绘画在法国成千上万的客厅中广为人知。 小米的艺术与布歇的轻松调皮相去甚远。

古斯塔夫·库尔贝（1819-77）

正是在这一点上，出现了一个身材更高，气质更进取的人物。 古斯塔夫·库尔贝 与巴比松画家分享对自然的热爱，对人造或理想化的避免。 但是他健壮的农民天性没有谦虚或谦卑。 他们悄悄地实践了现实主义，他将其放大为一个程序，其结果是，在他的大型作品中，存在一定的虚张声势和反抗元素，甚至可能不只是一副庸俗的元素。 库尔贝的节目 现实主义 拒绝古典主义和浪漫主义。 实际上，它是对日常生活事件艺术中尽可能完整表达的一种恳求。 其他 著名画家 在他之前，著名的路易斯·勒·纳因，查尔丁，甚至小米和科罗特都做出了相同的假设，但是却没有必要接受库尔贝特革命性的声音。

他巨大的画布 奥尔南葬礼 （1850）-在他的故乡设置的一个场景，村民们既没有理想化也没有浪漫化-在 沙龙 1850年。它的出现是我们今天难以理解的愤怒之一的信号。 这既不是神话也不是历史。 甚至无法识别 体裁绘画 。 当然，它必须传达道德或政治信息。 仅仅描述每天发生的事情从来没有，而且永远不可能是艺术家的唯一目的。 库尔贝必须是“社会主义者”； 他一定是我们现在所称的“社会现实主义者”。 他必须试图通过将普通的男人和女人介绍到以前被神灵和英雄甚至甚至是怪诞派或象征自由和难的寓所占领的地方，来破坏旧政权。 对于他的寓言杰作，请参见： 艺术家工作室 （1855年）。 也可以看看： 最佳流派画家 。

甚至库尔贝（Courbet）的风景都带有泥土和令人怀疑的密度。 金星不能从那波涛汹涌的波涛汹涌的大海中升起，若虫也不能在他平淡无奇的树下跳舞。 我们将库尔贝特视为热情地爱上自然的杰出画家，我们无法同情他的当代人。 然而，重要的是要在这里记录他们的愤慨，因为这证明了库尔贝特（Courbet）试图打破法国学院如此精心建立的学究偏见。 这些偏见现在在我们看来似乎很荒谬，但不是我们而是库尔贝和他的亲戚扫除了了他们。

注意：要了解库尔贝特 写实绘画 导致印象派并最终成为抽象，请参见： 从写实主义到印象派 （1830-1900）。

法国印象派绘画

印象派 技术术语可以追溯到1874年； 但作为一种观察自然的方式，其根源可以追溯到巴洛克艺术的起源。 米开朗基罗的许多未完成的雕像本质上都是印象派的。 Titian的大部分后期工作也是如此。 所有Constable的创新都引领着印象派的发展。 从1840年开始，透纳的作品就纯粹是印象派，尽管不是故意的。 印象主义作为一种自觉的信条，只是试图强调视觉真相的一个特定方面，而这个方面要么被以前的画家忽略，要么没有被有意识地强调， 即光 的 瞬时影响 。 使他们的画看起来显得古怪和不被当代人接受的是，这些旧画质的缺失与新画质的融合一样多。 举例来说，如果莫奈（Monet）的构图是古典主义的，一侧是石松树，另一侧是一座破庙，而不是在日出时画干草堆或在日落时画鲁昂大教堂西面的一片，第一场引起的风暴 印象派绘画 可能已经避免了。

但这绝不是同类的第一场风暴。 康斯坦布尔（Constable）为了展现英国天气的确切状态时，滚滚的云朵，鲜活的绿色草地，随风飘扬的树木的叶子，为他的目的演变成了紧张而波光粼粼的笔触，破损的音调散发出纯白色的斑点，尽管康斯坦布尔（Constable）只是在为真理着想而进行实验，但仍有许多暴力抗议活动。 正是印象派试图将Constable的创新推向其逻辑结论时所用的相同的笔触。

印象派运动是世界上最明显的例子。 艺术史 本着纯粹的研究精神进行的新视觉发现（并受益于促进户外使用的新型金属油漆管） 油画 ）从长远来看产生了一种新的美丽。 在短期内，它产生了大多数 艺术评论家 1870年代的人们很高兴将其视为一种新型的丑陋。 对他们来说，这看起来很丑陋，这并不是因为它的配色方案比他们熟悉的艺术更加暴力，轮廓更模糊，而仅仅是因为它们本身太不敏感，无法识别这些新品质的本质，并且因为它们仍然渴望在前景中的树和中央的空地。 印象派是19世纪描绘眼睛所见事物的最终尝试。 它的优点是扩大了视觉体验，再次扩大了支架。 它的主要缺点是其指数完全受自然的左右。 它所坚持的那种真理是过去时刻的真理，即一个男人只要让自己只看几秒钟就可以保留在视网膜上的“印象”。 （但请参阅 保罗·杜兰德·鲁尔 （1831-1922），印象派赞助商和经销商。）

印象派画家：莫奈，希思黎，毕沙罗，马奈，德加

克劳德·莫奈 （1840-1926）实施了他的印象派计划 自然主义 非常认真地描述自然，就像他发现她一样，无论她的肤色多么令人讨厌。 他是其中之一 最佳风景画家 只要他忠实于自己所看到的东西，就可以在法国看到：他自己的色彩意识有时很糟糕。 卡米尔·毕沙罗（Camille Pissarro） （1830-1903）并不那么客观，而且更具情感性。 阿尔弗雷德·西斯利 （1839-1899）是同样准确的观察者，尽管范围更窄。 这三人是运动的突击部队。 （有关印象派画家的目标的更多信息，请参阅： 印象派绘画的特征 1870-1910。）相比之下， 马奈 （1832-83）和 德加 （1834-1917）与这种风格相关联，但联系方式较少。他们仅仅是因为他们的兴趣不仅限于事物的“外观”，而是更优秀的艺术家。完全客观是不可能的；即使是相机也无法做到这一点，对于相机背后的人来说，选择曝光时间，主题，一天中的时间，即使在机器上，也无法做出选择。在人类可以做到的范围内，马奈做到了。在他之前，维拉克斯奎兹也许是画家，他最不妨碍自己的性情，马奈刚开始是对维拉克斯奎兹（在较小程度上对弗朗斯·哈尔斯而言）。他向Velazquez（而非Titian）致敬，创作了他著名的奥林匹亚。他比Velazquez更了解光的影响，以及光干扰局部色彩的方式，但是，除了他后来在印象派风景画家的影响下制作的普通照片中，他没有采用“划分论”技术来描述莫奈的光振动。德加对光的影响并不特别感兴趣，但是他对同样短暂的事物着迷-日常生活中没有预谋的手势。促成印象派的其他重要法国画家包括：促成印象派的其他重要法国画家包括：促成印象派的其他重要法国画家包括： 尤金·布丁 （ Eugene Boudin） （1824-98）， 伯特·莫里索 （ Berthe Morisot） （1841-95）， 古斯塔夫·卡耶博特 （ Gustave Caillebotte）（1848-94）， 高更 （1848-1903），以及 图卢兹 – 劳特累克 （1864-1901）。

新印象派，一种普遍的风格 分裂主义 及其变体 点画 ，由两位法国人率先 乔治·苏拉特 （1859-1891）和 保罗·西尼亚克 （1863年至1935年）。

印象派还不够

尽管印象派的最佳代表是辉煌的，但他们缺少一些必不可少的东西。 仅凭“仅凭眼睛”来记录是不够的。 他们还能做什么？ 很难说，除了 后印象派画家 追赶他们的人似乎渗透得更深。 也许可以这样说： 塞尚 （1839-1906）或梵高画的东西是他们创造的，而莫奈和西斯利只是抓住了一些东西。 当然，那只是事实的一半，但这仍然是重要的一半。 它构成了19世纪末整个艺术方向的转折点。 也许有人会说，在塞尚之后，乔托开始朝着现实主义方向摇摆的钟摆已经停顿了下来，现在它已经开始向后摇摆，就像在拜占庭时代开始时一样。 Monet和Degas抢夺了视觉体验； 塞尚（Cezanne）和毕加索（Picasso）在视觉体验的基础上进行构造和重建。 这样做，他们比他们的前辈更接近艺术的主要传统。

雷诺阿（1841-1919）

印象派团体中一位根植于主要传统的巴黎画家是 雷诺阿 ，他出于自己的感性目的，免费使用了印象派调色板及其丰富的色彩范围。绘画对他来说是一种媒介-唯一可能的媒介-表达了他对自然的乐观和半信半疑的态度以及对女性的崇拜。他对人体的光辉有着特殊的感觉，他几乎是希腊人，但他并没有将其视为高贵的光辉，而是将其视为一种可爱的光辉。他的女人既不像提香那样的女神，也不像鲁本斯那样的资产阶级亚马逊主义者，他们也不像鲍彻的那样顽皮，也不像瓦托的那样精致。他们是被视为孩子的妇女，可能会看到其母亲柔和，圆润，容光焕发。雷诺阿的所有画作都具有这种光芒四射的品质-他的风景和肖像以及他的“父亲”。最重要的是，雷诺阿艺术与莫奈完全相反，因为它根本与瞬态无关。他的阳光是永恒的阳光，尽管对他来说，女性气质恰好占据了厨师丰富的粉红色和白色身体的本性，或者在当下的模特中，它仍然是永恒的女性气质。

海报和其他装饰艺术（1880-1910）

与法国主流装饰艺术息息相关的是 海报艺术 ，由 Jules Cheret （1836-1932）开发。 1890年代，随着海报的出现，人们对海报绘画的兴趣进一步增强。 新艺术运动 ，一种装饰艺术形式，具有流畅的曲线形状，并在1900年代到达巴黎 谢尔盖·迪亚吉列夫（Sergei Diaghilev） （1872-1929）和 芭蕾舞团 。

象征

除装饰画外，十九世纪末期的法国也是更富知识分子的象征主义运动的家园，其宣言于1886年9月出现在《费加罗报》上。 法国象征主义画家-例如壁画家 卡维尼斯港 （1824-98）和创新 古斯塔夫·莫罗（Gustave Moreau） （1826-98）和 奥迪隆· 雷顿（ Odilon Redon （1840-1916））-提倡叙事艺术风格，使用隐喻意象和暗示性主题。 另一位法国艺术家-定期参展 独立沙龙 -画家 亨利·卢梭 （ Henri Rousseau ，1844-1910年）（其名字叫 Le Douanier ） 融合了象征主义和天真艺术 ，他的作品以《 睡吉普赛人》 和奇特的风景而 著称 。

20世纪初法国绘画

早期的 二十世纪的画家 在法国（现在巴黎是世界艺术的中心）包括的成员 那比派 像 皮埃尔·邦纳德 （1867-1947）和 沃拉德 （1868-1940）; 野兽派喜欢 马蒂斯 （1869-1954）， 安德烈·德雷恩 （1880-1954），以及 阿尔伯特·马奎特 （1875-1947）; 表现主义者喜欢 乔治·鲁奥 （1871-1958），以及 拉乌尔·杜菲 （1877-1953）; 达达主义者 弗朗西斯·皮卡比亚 （1879-1953）; 流派画家喜欢 莫里斯·乌特里洛（Maurice Utrillo） （1883-1955）; 和立体派喜欢 乔治·布拉克 （1882-1963）， 费尔南德·莱格（Fernand Leger） （1881-1955）， 马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp） （1887-1968）和 罗伯特·德劳内 （1885年至1941年）。 巴黎还是数家著名艺术品经销商的故乡，其中包括 安布罗斯瓦拉德 （1866-1939）和 保罗·纪尧姆 （1891-1934），其年度艺术展览如官方 沙龙 以及 奥龙沙龙 （偶尔 拒绝沙龙 ）吸引了来自海外的重要赞助商，其中包括：塞缪尔·考陶尔德（Samuel Courtauld，1876-1947年）和阿尔伯特·C·巴恩斯博士（Albert C Barnes，1872-1951年）。

法国绘画的最伟大的收藏

法国画派顶尖画家的画作可见于 最好的艺术博物馆 世界各地。 罗浮宫博物馆 （巴黎） 拥有最大的藏品 ， 奥赛博物馆 （巴黎），奥兰格里博物馆（巴黎），马莫坦·莫奈博物馆（巴黎）， 蓬皮杜中心 （巴黎）， 尚蒂伊（Chantilly ）的 孔德博物馆 （ Musee Conde in Chantilly）， 史特拉斯堡美术博物馆（Strasbourg Museum of Fine Arts ）和巴黎美术学院（Palais des Beaux-Arts）（里尔）。