19世纪的德国艺术 自动翻译

要了解德国的19世纪文化如何适应欧洲视觉艺术的时间发展，请参见： 艺术史时间表 。

起源和背景

只有考虑到那个时期的政治和经济事件，才可以理解十九世纪各种多样且常常相互矛盾的艺术形式，而且缺乏普遍的持续艺术发展，这也完全改变了欧洲的社会和知识结构。作为 艺术史 。 法国大革命结束了国王和王子的传统至高无上的统治，但是这种自由的获得意味着内部安全的丧失。 专制主义结束后，需要新的领导人提供智力指导并承担政治责任。 尽管在欧洲到处都可以理解“自由，平等，博爱”的口号，但普遍的政治动荡表明，提出一个想法要比付诸实施更容易。 革命者曾认为资产阶级将取代贵族作为统治阶级，但是从受制公民过渡到自治的公民并非易事，并经常导致一种新的绝对权力形式，以拿破仑公民的崛起为例法国皇帝。

浪漫主义者与古典主义者

甚至在法国大革命之前，大多数人都已经感受到了改变自己的心情。 美术 学科。 到了18世纪中叶，当社会习俗受到严格的程式化礼节 支配时 ，“ 动荡与暴风” 运动的代表强烈反对当代生活的肤浅。 启蒙时代曾经依靠智力的力量，但这正受到“自然天才”的挑战。 僵硬的，洛可可式的骑士骑兵被想要直接表达自己情感的男人所取代。 这种对情感的强调最终体现在 浪漫主义 直到19世纪下半叶，尤其是在德国，它一直主导着文学和美术。 通过这种方式的同时复兴，可以为这种奔放的情感主义提供一种平衡。 新古典艺术 ，在德国由 安东·拉斐尔·蒙斯（Anton Raphael Mengs） 在法国， 雅克·路易·大卫 。

新古典主义

约翰·约阿希姆·温克尔曼 ，他在庞贝进行了首次发掘，于1763年发表了他 的《古代艺术史》 ，从而帮助发起了古典复兴。 在翻译成每种欧洲语言的作品中，他比较了“形式的混乱，表达的谦逊和大胆的火”。 巴洛克艺术 他认为，“古希腊人的高贵朴素和宁静的伟大”是唯一值得模仿的典范。 他还指出，与古典艺术的平衡和谐相比，《 动荡与混乱 》缺乏稳定性和秩序。 歌德深受古典主义精神的影响，从他第一次去意大利后，工作重点的改变就可以看出这一点。 古典和浪漫精神构成了两个相对的极点，在两者之间，艺术因不确定性而波动。

这种不确定性的原因是，在洛可可式的末期之前，君主制和教会等级制提供的坚实框架已经消失。 为了主张自己，新兴的中产阶级开始对他们的民族历史和最近的艺术成就产生兴趣。 但是，尽管这种对古希腊人，中世纪和文艺复兴时期的关注，提供了丰富的模型，但它也产生了新的依赖性，并阻止了可以解释当代事件并赋予时代精神艺术性的原创思想的发展。

这种缺乏原创性的思想在一定程度上解释了缺乏一般艺术风格的原因，但还必须考虑另一个因素。 贵族等级制度崩溃后，教会不再是这样一个强大的机构，便没有单一的机构通过委托大型艺术品来设定艺术的潮流和风格。 宗教艺术 用于教堂和其他公共建筑。 新的顾客是中产阶级的个人成员，因此纪念性的艺术品被那些更适合私人需求和个人能力有限的艺术品所取代。 建筑 因此逐渐失去了在美术和艺术界的突出地位。 绘画 担任主角。 历史上没有其他时期可以像19世纪这样的建筑贫困为特征。

随着绘画越来越趋向于私人顾客，它与广大公众失去了联系并孤立地发展起来，常常与公众舆论背道而驰。 艺术家拒绝让步，公众不了解自己的照片而拒绝购买。 过去，画家获得了普遍的认可，并由爱好艺术的社区来庆祝和推广。 现在他们成了局外人，公众对此感到最可惜，但大多数人只是不屑一顾。 被低估的艺术家通过尖锐的批评或故意的审美挑衅来反社会，从而报仇。 艺术 为了艺术。 因此，艺术家与社会之间的不幸鸿沟一直持续到今天，并在创意艺术家与中产阶级公众之间造成了无数的误解。

德国新古典主义建筑

不过，这一变化是渐进的，在19世纪 初期 ，建筑仍然在美术界中保持着领导地位。 新古典主义建筑 取代了轻浮的风格 洛可可 并为新的起点而努力。 虽然文艺复兴时期受到古罗马艺术品的启发，但古典主义又回到了所有古典艺术的原始渊源，并从古希腊人那里获得了模型。 但是，对建筑形式和细节的忠实模仿不能被视为预示着未来的新风格，也不能导致新的开始。 它仅代表了对过去形式的回归。 尽管古典主义被誉为中产阶级共和主义观点的体现，但实际上它的起源是精英，不再是贵族精英，而是知识分子精英，即人文主义者，是古典复兴的代表。 因此，古典主义不能被视为中产阶级理想的表达。 充其量不过是一场美学革命，是对洛可可式的宣战。

装饰繁重的外墙不受欢迎，轮廓清晰且光滑，清醒的墙面的建筑物再次成为首选。 专栏被认为是最崇高的建筑形式。 它沿着立面被庄严地排成一排，并被三角山墙顶覆盖。 以古典神庙为原型的这种设计在整个世纪一直是建筑特色。

弗里德里希·温布伦纳（Friedrich Weinbrenner）在卡尔斯鲁厄（Karlsruhe）的古典主义教堂增添了一个门廊，门廊带有宽大的装饰，由花环装饰并在建筑物周围延伸，而柱子以希腊风格的方式仅限于正面。 这个非常传统的教堂的实际结构与其古典外观之间没有任何联系。 内部绝不与仅以庙宇的方式“修饰”的外部相对应，从而表现出时间的主要重点，即营造尊严的印象。

普鲁士的古典主义建筑表现出更大的独创性。 勃兰登堡门 建于1788年至1791年，由 卡尔·戈特哈德·朗汉斯 （1732-1808），尽管它基于古典概念，但仍然显示出相当大的独立性。 朗汉斯（Langhans）将罗马凯旋门的概念与希腊神庙的概念结合在一起，由此宽阔的大门的开口是由两列之间的较宽距离创造的。 该结构被设计为市政建筑的特征，但与巴黎的 凯旋门 相比，它的规模和形式似乎不大，并恰当地展现了普鲁士的节俭精神。

柏林最美丽的古典主义建筑之一是特格尔的洪堡城堡，由 卡尔·弗里德里希·辛克尔 （1781-1841）在1822年担任普鲁士大臣兼哲学家威廉·冯·洪堡。 除了为私人建立私密结构外，没有其他目的可以实现。 因此，欣克尔不受官方品味的束缚，可以表达自己对复兴古典形式的看法。 通过各个结构单元的合理比例及其彼此之间的和谐关系，他取得了克制的纪念意义。 机翼的垂直度平衡了宽阔的中央部分的水平重点，从而创造了一个完全独立的单元，其概念与古希腊的民用建筑相似，但外观非常独特。 墙壁光滑无装饰，只有细腻，扁平的装饰线条和壁柱才能产生有意义的衔接。 这个小宫殿结合了优雅与实用，尊严与谦逊以及对古典形式的知识与新的自由思考态度。 因此，早在十九世纪第一季度，辛克尔就拒绝了历史主义的限制，并改编了古典形式以满足个人的要求。

欣克尔认识到技术和经济学的重要性日益提高。 在旅行中，他在巴黎研究了由铁和玻璃制成的建筑，并钦佩了不断发展的行业及其在英格兰的“成千上万的吸烟方尖碑”。 早在1827年，他就为柏林设计了一家百货商店，并通过大窗户和狭窄的未经装饰的墙壁条强调了它的功能性。 这种从未进行过的设计预示着我们现代的钢和混凝土工业结构，其美丽在于它们的功能实用性，而不是多余的装饰。

但是，这种革命性思想的时机尚未成熟。 在将近一个世纪的时间里，建筑摆脱了误解的束缚，创造了自己的现代风格。 直到那时，它仍然受到历史主义的熏陶，这一时期是德国建筑最黑暗的章节之一。 古典主义者转向古希腊时，曾试图发现欧洲文化的起源。 但是纯古典主义的持续时间相对较短。 通过成为拿破仑时代的官方风格，可以说，它已经被妥协为帝国权力的一种表达。 拿破仑（Napoleon）在解放战争（1813-1815）期间被击败，民族意识在欧洲各地，尤其是德语国家的人们中醒来。 这引起了人们对自己过去的广泛兴趣，这被浪漫主义者所接受，他们的努力是为了复兴中世纪的精神。 年轻的歌德是最早表达这些观点的人之一，他于1771年撰写了他的著名文章 《德国建筑》 ，其中赞美了史特拉斯堡大教堂的赞美诗。 在十九世纪初期，人们对 哥特式建筑 就像对新古典主义的热情一样广泛 希腊建筑 温克尔曼发起的。

甚至古典主义建筑师Schinkel都受到中世纪复兴的影响，梦想着建造一座哥特式的国家大教堂。 他使用相同的基本结构为柏林的Werdersche Kirche提交了两种设计，一种是哥特式风格，一种是古典主义风格。 不同设计的这种并置是19世纪的典型特征，当时要求领先的建筑师掌握每种风格。 德国南部的建筑师弗里德里希·加特纳（Friedrich Gartner）为慕尼黑的路德维希大街（Ludwigstrasse）设计了三种外观完全不同的主导结构： 西耶斯托（Siegestor） 像罗马的凯旋门， 费尔德海伦哈尔（ Feldherrenhalle ）以佛罗伦萨文艺复兴时期的 凉廊 为基础，而大学则严格按照 罗马 样式。 仅在几年前，利奥·冯·克伦兹（Leo von Klenze）就在慕尼黑的缪斯女神庙上为古典主义格利普托特克（ Glyptothek） 建模。

历史主义的一个方面是概念，即外墙应该表达结构的目的，因此这种建筑类型被称为 建筑风格 。 Glyptotek的庙宇立面表明它收藏了 希腊雕塑 ; 由 克伦兹 （Klenze）建造的多瑙河（ Kenze）上 位于凯尔海姆（Kelheim）附近的 Befreiungshalle ，暗示了与拿破仑的胜利战斗； 在当时，大学的认真尊严最好地表现为罗马式风格。 然而，实际上，这些建筑物的内部绝不与它们的外部相对应，因此这种 建筑的直率 显得明显。 立面仅仅是宣布建筑物目的的标志，而不是表达实际统治空间概念的标志。

著名的建筑师Gottfried Semper在1837-1841年建造了德累斯顿歌剧院。 在这栋令人印象深刻的建筑中，他将传统元素重新加工成个人作品。 森伯（Semper）在转向建筑之前曾研究过人文学科，他还是最高阶的理论家。 他对德国建筑的发展产生了深远的影响。 他准确地描述了当代建筑界的景象：“这位年轻的建筑师环游世界，通过复制各种东西来填满他的写生本，然后高兴地返回，并坚信瓦哈拉 ·帕台农神庙 ， 蒙雷阿莱 大教堂和闺房的佣金 庞贝古城 ，拜占庭式教堂的 皮蒂 宫殿，甚至是土耳其风格的集市，都不会出现。

这些佣金实际上并没有失败，但是在1850年以后，风格上的混乱增加了。 普通的 建筑 至少在外观和建筑用途之间保留了主题联系，但是在19世纪下半叶，完全的随意性占据了上风。 剧院，火车站，邮局，工厂甚至监狱都以罗马式，文艺复兴时期或巴洛克式的风格建造，大型公寓的外墙成为不受限制的模仿驱动的场景，而在这些房屋后面的黑暗无气的院子则带来了悲惨和绝望。

二十世纪初的工程结构首次表明了现代客观性，然而，现代客观性并未得到普遍接受。 1912年发布了以下法令：“要以罗马式或哥特式风格或所谓的过渡风格建造新教堂。对于我们地区 哥特式艺术 被认为是最合适的。 近年来，一些建筑师似乎更喜欢后来的风格或完全现代的设计。 除非在非常特殊的情况下，否则将来不会授予这些建筑的许可。”今天，这项法规似乎难以理解，但是必须颁布原本法令的科隆市，因为历史主义确实取得了积极的成果：竣工大教堂的三百多年一直未完工，在发现原始图则之后，就以极高的技术水平和敏锐的敏锐度在竖立的城堡和西立面之间架起了缺失的部分，并把这些塔推到了全高。如此令人印象深刻的成就之前或之后的时代会产生难以置信的耐心或付出巨大的代价。

德国新古典雕塑

在以古典复兴为主导的艺术时代， 雕塑 作为古希腊人最重要的艺术表达手段，它自然而然地变得越来越重要。 在旅行中，这位古典主义画家将他的写生簿中充斥着古希腊和罗马雕像的素描，而艺术爱好者在没有原件的情况下，用石膏装饰了他的房屋。 泰格尔（Tegel）仍然可以欣赏威廉·洪堡（Wilhelm von Humboldt）令人印象深刻的石膏模型收藏。 当时有一家国有公司制造 新古典雕塑 以石膏模型的形式成立于柏林，如今，它向世界一半的地区提供了每个艺术时期的雕塑和浮雕作品。 模仿的欲望在石膏模型中找到了一个合法的出口，它纯粹是生殖的，但是当用创造性的雕塑术语来表达时，模仿产生的不幸结果就更少了。 许多 新古典雕塑家 选择了意大利血统的模型，这些模型大多是希腊原始文献的次等复制品，结果导致模仿被模仿。

此外，古典主义者完全误解了古希腊和罗马的含义。 雕像 通过盲目接受温克尔曼的观点，古典雕塑的理想之美是一种高尚而高贵的精神的表达。 他们看到了希腊艺术中的“阿波林式”，但是却忽略了“狄奥尼西亚克”，并且没有认识到只有通过体验人类生存的激情，冲突和折磨才能获得理想的美。 因此，他们通过平衡的比例，引人入胜的平滑度和古典雕塑的高贵和谐来追求美学上的完美。

意大利人 安东尼奥·卡诺瓦 和丹麦人 贝特尔·托瓦尔森（Bertel Thorwaldsen） 在这些理想主义者中，柏林雕塑家戈特弗里德·沙多（Gottfried Schadow）公开抨击了这种盲目崇拜的古典文化：“自然界和艺术界都没有抽象，也没有抽象。美丽，理想的人性不存在，只有极美的人类众生“。 他敏锐的现实感在许多高度个人主义的肖像雕塑中得到了强烈体现，例如路易斯公主和弗里德里克公主的那些。 只有女孩的着装是古典的，略微理想化了。 他们天生深情的拥抱是从纯人类的角度来看的，绝对真实。 它像真正的姐妹一样加入他们的行列，彼此亲密但彼此之间并不过分感兴趣，彼此遵循自己的想法，这仅是因为熟悉的习惯使他们团结在一起。 每个人都有自己的个性：路易丝（Luise）预计王室职位的未来负担，弗里德里克（Friederike）更随意，私密，幼稚。

沙多的学生克里斯蒂安·劳赫（Christian Rauch）屈服于一个重要委员会的压力，放弃了老师的现实主义，转而追求更加令人愉悦的理想化。 他的最佳作品之一是许多纪念碑和陵墓上的肖像。 该 马术雕像 柏林腓特烈大帝（Frederick the Great）的雕像代表了一位伟大的军事领袖的普鲁士国王； 只有面部表情表明君主是哲学家和启蒙时代的代表。 Schadow在他生命的尽头具有讽刺意味的是，他的学生作品的魅力，流畅性和悲观性表达了当代雕塑知识日渐淡薄的讽刺意味。 但是，中产阶级发现这些雕塑令人赏心悦目，很快公园，花园，公共广场和喷泉就围满了这些纪念碑。

弗朗兹·萨维尔·梅塞施密特 ，德国奥地利雕刻家，以其非凡的“人物头像”而闻名，他是新古典主义画家，但他属于18世纪。

德国新古典绘画

古典主义风格在德国画家中很少受到追捧，但是当代法国艺术家的作品（主要是历史悠久的绘画作品）表明，这些知识和文学观念对于绘画是多么不合适。 德国人文主义和自由主义的理想 新古典主义艺术家 在歌德的《 塔索》和《伊菲格涅》 等德国著名文学作品中发现了表达方式，但在绘画艺术中却没有相应的表达方式。 当时的画家描绘的是热心的人类场景，却没有实现任何普遍有效的方法。 简而言之， 新古典绘画 未能激发德国画家的灵感，最终导致与过去脱节的是对自然的新诠释。 在洛可可式时期，风格化的景观被用作田园诗般的田园诗和浪漫史的爱丽舍时代舞台。 这种虚构的自然观遭到了出生于1740年的费迪南德·冯·科贝尔的坚决反对。尽管他起初是荷兰和意大利风景画家的追随者，但后来他与他们脱离了关系，无论采用哪种时尚，他都得以发展。他自己对自然的解释。 从大约1780年开始，他不再画虚构的场景，而是描绘实际事件。 他清晰而宽广的风景没有感情和悲痛，避免了后来浪漫主义时期盛行的感伤主义。

威廉·冯·科贝尔

威廉·冯·科贝尔（Wilhelm von Kobell）用主观的气氛表达丰富了他父亲已经完善的现实写照，但他也试图客观地描述自然。 在他 的《科塞尔围困》中 ，古典人物与浪漫的自然表现相结合，产生了非常迷人的效果。 不像 德国巴洛克艺术家 使用对角线增强空间动态的科贝尔在垂直和水平系统上建立了自己的风景，从而获得了古典主义艺术的主要关注点-和谐的平衡。 尽管如此，这种表现仍传达出一种非常自然，活泼的气氛，这是通过熟练地引入光线而实现的； 低太阳会在前景的海角上产生令人愉悦的光影交互作用。 官兵们看着寒冷的阳光和他们面前的科瑟尔镇，似乎很欣赏绵延到朦胧距离的柔和灯光。 很少有人画像战争那样的攻城画面。

约瑟夫·安东·科赫

约瑟夫·安东·科赫（Joseph Anton Koch，1768-1839年） 山水画 他们敏锐的观察力与敏锐的灵敏度相结合。 他写道：“艺术不仅仅是模仿。 即使艺术品看起来很自然，也应该通过造型来改变自然。” 出于对绝对有效性的渴望，他既没有提出客观的描述，也没有提出富有诗意的气氛意象，而是主观的象征性解释，描绘了自然的永恒更新，规律性和朴素性。

即使在他的 画画 和 水彩画 科赫表达了这种独特的态度，并用强烈的个人主义态度表达了自己的见解。 在他的研究 Schmadribachfall中， 他拒绝利用媒介的可能性。 他没有使用湿刷来获得如诗如画的色调混合和水彩的透明效果，而是像油一样重涂了它们，并完全覆盖了纸张。 白雪皑皑的山顶和瀑布的白色泡沫不是透白的白皮书，而是厚重的白色涂料。 由此获得的立体形式和景观的垂直结构给图片带来了令人印象深刻的巨大印象。

科赫对下一代德国风景画家的影响很大。 在他的崇拜者中，有普拉勒（Peller），佛尔（Fohr），Overbeck，里希特（Richter）和卡尔·罗特曼（Carl Rottmann）。 他在罗马遇到了后者，当时许多德国著名艺术家聚集在罗马。 罗特曼（Rottmann）隶属巴伐利亚国王路德维希一世（Ludwig I）宫廷，他曾委托巴勒莫（Palermo）拍摄一幅照片，后来又将罗特曼（Rottmann）送往希腊寻找合适的图案作为艺术品。 壁画 装饰慕尼黑皇家花园拱廊的周期。 在这段旅程中，罗特曼为圣托里尼岛绘制了水彩画，该圣托里尼岛在公元前1540年的火山喷发中从海中露出。 这种自然的泰坦尼克性构成了罗特曼研究的主题。 不断上升的烟雾象征曾经创造该岛的爆发力。 奇异的裸石被雷电般神奇地照亮，站在一片漆黑的云层前，将深深的阴影投向水面。 岛上荒凉的山丘被栖息在岩石上的村庄的微小面积所加剧，景观的崎is与图片的近乎构造的结构相得益彰，这没有留下诗意的空间。 甚至水面上的反射也由于表面的水平结构而变得坚硬，而且主要是凉爽的色调突出了这个海湾上英勇的气氛。

约翰·海因里希·蒂施本

Johann Heinrich Wilhelm Tischbein（1751-1829）的肖像最能完美地表达这一时代的概念。 这幅画代表了一位成熟的诗人，因为他去意大利时遇到了古典的过去而显得高贵。 歌德以世故的人文主义者的姿态出现在阿卡狄亚的背景下，这象征着他对希腊的向往。 正是这幅歌德肖像，这是德国文学界最杰出的人物之一，使蒂施贝因出名。 他余下的工作几乎无法使他成为一名才华横溢的肖像画家。 蒂施贝因有幸在意大利结识了歌德，并很快建立了密切的友谊。 1787年1月，在到达罗马三个月后，歌德热情地写道：“意大利对我来说最吸引人的地方是蒂施贝因。” 几周前，蒂施贝因（Tischbein）指出：“我已经开始制作肖像；我将把它变成真人大小，然后让他坐在废墟上，陷入沉思，反思人的命运。”

蒂施贝因在歌德不知情的情况下开始写画像，但随后得到了诗人的明确认可。 宽阔的白色旅行斗篷让人联想到罗马toga，宽边的帽子有效地用深色阴影包围了脸部，正如Tischbein的意图那样，诗人的表情传达出一种反射性的心情。 歌德本人从未见过完整的图画。 他在完成之前就离开了罗马，画像一直留在那不勒斯，直到1887年才被带到法兰克福的 Staedelsches Kunstinstitut 。

德国浪漫主义

古典主义者在争取秩序和规律性的同时，他们希望通过阐明理性来达到目的，而浪漫主义者则从生活的主观角度出发，主张朴素的虔诚和情感的回归。 但是，浪漫主义不能被视为对古典主义的反应。 古典主义者对古希腊和罗马的关注不亚于浪漫主义者对自然和对自然的重新发现的热情和狂热。 德国中世纪艺术 。 蒂施贝因的画像唤起了古典主题，但所表达的情感是浪漫的。 它没有显示诗人与过去的关系，而是以图形的方式表达了关于诗学灵感起源的未解之谜。

浪漫主义者将神，人，自然和文化视为一种单一的经历，通过情感进行交流，并将世界视为一种诗意的和谐，在这种和谐中，有意识和无意识之间的矛盾与对照相互融合并互补。 这种主观的情感现实不受任何宗教或社会规则的支配。 它是由想象力创造的，并以完全主观的方式表达出来。 因此，浪漫主义者起初无法找到一个共同的主题。 他们相信个人主义和个人独创性，但是这些态度从本质上说不能被一个团体所接受，因此，浪漫主义艺术家在自我强加的孤立中常常容易产生忧郁和悲伤。

通过将科贝尔的《科塞尔的 围攻》 与卡尔·古斯塔夫·卡鲁斯 的《易北河划船》 进行比较，可以清楚地看到古典主义者的有序观点与浪漫主义者的纯粹主观观点之间的区别。 在Kobell的照片中，眼睛可以从前景光彩夺目的骑手自由地漫游到中间的剪影中的小镇或薄雾笼罩的多山背景。 另一方面，Carus利用船的结构来缩小图片的范围，并迫使眼睛向给定的方向行进，同时挑战观众从后面识别两个人物。 因此，艺术家表现出非常个人的印象，并且毫不犹豫地伪造现实，以使他的主题在图片上更加明确。 易北河被描绘为几乎不可战胜的水面，德累斯顿的塔楼和穹顶在午后的阴霾中闪烁。 女孩的姿势暗示着对梦想中的城市的渴望，而不是对真正的德累斯顿的渴望。 她在空间上与观赏者以及划桨者隔离，她脱离了现实，自由地追寻着自己的梦想。 Carus展现了从做梦者的眼中看到的自然，不再不再被反射，不再没有偏见。 反过来，女孩通过绘画的诗意气息得以展现。 她被指定为景观和查看者之间的调解人。

人与自然的对话是浪漫主义绘画的主要主题之一。 过去，曾进行过许多尝试将人包括在自然界中，但这种联系仍然是松散的。 大自然只是充当具象场景的令人愉悦的背景，或者山水画被成群的人物所丰富，以使照片生动活泼。 颜色 和运动，给人留下深刻的印象。 浪漫主义者不仅使人物形象成为构成作品中不可分割的一部分，而且甚至走得更远，并试图吸引观众。 在Carus的照片中，女孩旁边的空白空间是供观看者使用的，在那里，他可以参与自然的体验，并和平地遵循他的思想和梦想。 卡鲁斯今天被称为周日画家。 他在莱比锡（Leipzig）学习医学，从1815年开始在德累斯顿（Dresden）外科学院从事妇科研究，在那里他于1827年被任命为皇家医师。他在心理学和其他学科上的著作不仅在医学界而且在浪漫主义运动的代表中都受到高度尊重。 特别是卡斯珀·大卫·弗里德里希（Caspar David Friedrich）反复引用了卡鲁斯（Carus）的观点 美学 。

卡斯珀·大卫·弗里德里希（Caspar David Friedrich）

的作品 卡斯珀·大卫·弗里德里希（Caspar David Friedrich） （1774-1840）以最纯粹的形式代表了浪漫主义的态度。 与卡鲁斯不同，他表现出明显的忧郁倾向，但没有沉迷于任何形式的感性。 他的忧郁症源于他深刻而单纯的虔诚，对无限的无限渴望以及对理解整个宇宙的不满足的渴望，但这些向往也正是他的灵感之源。 他的画作总是描绘人与自然的对比，人类与自然相比，力量和力量是完全无能为力的。 弗里德里希（Friedrich）将人视为创造的过渡部分，而自然则是无限而永恒的。 在他的绘画中，将 冬季 风景和人物主题进行了融合，以传达图片的含义。 海上的落月为这种忧郁的人类生活和努力短暂的面貌建立了基本的情绪。 教堂的废墟隐约地出现在小坟墓后面，右边有两棵枯死的树木，象征着天空的轮廓。 在前台，一对老夫妻正在月光下挖一个坟墓。 海洋，天空和月亮的无限与地球上生命的有限方面形成鲜明对比。 此棕褐色图纸的单色色调使场景具有普遍意义。

不太悲观，但充满浪漫主义诗意的是《 鲁根上的粉笔悬崖》（Chalk Cliffs on Rugen） ，说明了弗里德里希（Friedrich）作为风景画家的能力。他对自然的描述表明，他的眼睛和内心仍然对创造的奇迹保持开放。从高耸的悬崖上的一片空白中，三个流浪者欣赏着远处下方的大海。在前景中，每片叶子和草叶都被细微地描绘了出来，并且白垩岩石的硬而尖锐的轮廓被精确地绘制了出来。只有背景中柔软而未变形的水面会逐渐淡入远处，并与地平线上朦胧的天空融为一体。弗里德里希（Friedrich）将两艘小帆船放在这片无限的水面上，表达了他对无法到达的渴望。它们象征着人类面对大自然的渺小。

尽管弗里德里希（Friedrich）用个人情感的语言描述了自然，但立即得到了回应，而沉重的 象征 德国北部浪漫主义画家菲利普·奥托·朗格（Philipp Otto Runge）的吸引力非常有限。 他辞职地写道：“这是徒劳的希望，公众可能会理解我们。 仅个人关系是可能的，它们确实是维持我们的力量。” 因此，他的照片最能传达出浪漫主义者的自我孤立。 他们以悲惨的心情表达了在黑暗势力威胁下的世界中人的孤独感。

他父母，十八个月大的儿子和三岁的侄子的那幅大画不过是令人感动的家庭田园诗。老年夫妇的严肃认真似乎影响了那些脸庞呆滞，几乎悲伤和疲倦的孩子，并且由于添加了百合和蓟，纯真的象征以及这些孩子所面临的困难而增加了现场的悲哀。将不得不面对生活。即使是开阔的风景也不会增加图片的清晰度。傍晚的天空中的乌云预示着来日的不利。但这仍然是一幅动人的画面，它表达了儿子对父母的爱和尊重。这些刻苦生活的面孔没有苦涩。竖立的数字显示了即使在年老时仍然坚强而顽强的人类的尊严和自豪感。他们的周日衣服突显了他们的外表贵族，是他们内心态度的外在标志。女人靠在男人手臂上的平静自然的方式传达了这对夫妻的温暖亲密，他们在一起经历了人生，并赋予了他们共同的老年快乐。

浪漫主义的崇高理想很快就被抛弃了。他们举世无双的情感被更加个性化的亲密幸福所取代，大自然的视野被转变为沉思的田园诗。过去，童话和虔诚的传说世界摆脱了当下的苦难，艺术家们受到了仙女，矮人，圣人和王子的甜美梦想的启发。这些态度由路德维希·里希特（Ludwig Richter）和莫里兹·冯·施温德（Moritz von Schwind）表达，他们的作品展现了幸福，和平的生活画面。施温德（Schwind）的真正成就不是迷人的流派照片，而是他的童话插图。就德国童话的复兴和保存而言，他的重要性等同于格林兄弟。

卡尔·斯皮茨维格

卡尔·斯皮茨维格（Carl Spitzweg）的照片描绘了幽静的幸福，在隐居中绽放，远离了这个世界的问题。该浪漫理想化的过去并没有激发他，他只是在他的同时代人，中产阶级的特别成员，其中后段1815至1850年，后来被称为感兴趣的人 彼德麦 。 卡尔·斯皮茨维格 （1808-85）用无与伦比的魅力描述了这个世界，不是作为评论家或讽刺世界，而是作为微笑的观察者。他对城市中偏远角落，后院和旧房子狭窄的房间里发现的奇怪，古雅甚至是讽刺的人物表现出浓厚的感情和诗意的讽刺意味。他的照片标题， 《仙人掌恋人》 ， 《可怜的诗人》 ， 《情书》 ， 《书中的情人》 ，也可能是短篇小说的标题。

在 舞台教练 Spitzweg中，描绘了一个偏远的狭窄高山山谷居民生活中的一段情节。他们充满好奇心，聚集在一起观看沉重的，摇摆不定的马车在陡峭的小路上爬；他们很乐意伸出援手帮助那只似乎无法自行管理的可怜的马。它为他们提供了一些让同性恋者分心的时刻，并有机会与外界的这个使者直接接触。但是很快，教练将消失在道路的下一个弯道之后，山谷将再次回到深沉的宁静之中，即使在所有这些喧闹之中，也仍然徘徊在陡峭的岩石上。

画面的强烈情感内涵不仅通过小人物与强壮的风景之间的对比传达，还通过极其微妙的传达。 油画 技术。 扩散的冷色调的使用突出了背景的雄伟尺寸，而温暖，发光 彩色颜料 前景的营造给人以气泡运动和活泼亲密感的生动印象。 一个友好的夏日的耀眼光芒照亮了场景，给山坡发出柔和的光芒，并在前景中产生有趣的反射。 早期的《浪漫主义者》以忧郁的方式描绘了人与自然的相遇，但斯皮茨韦格（Spitzweg）却没有，后者的绘画创造了幸福和谐的氛围。

阿尔弗雷德·瑞瑟尔（Alfred Rethel）是19世纪中叶的另一位杰出画家，他在杜塞尔多夫艺术学院威廉·冯·沙多（Wilhelm von Schadow）的带领下接受了早期培训。 他既是绘图员又是画家， 木刻 死亡 之 舞 被认为是他的杰作。

有关Spitzweg最接近奥地利的当代艺术，请参阅Biedermeier专家 费迪南德·乔治·沃尔德米勒 （1793-1865）。

德国现实主义

在本世纪中叶， 比德迈艺术风格 政治活动扰乱了人们在舒适，私密的家中享受小憩的和平生活。 1848年法国大革命在德国产生了影响，经过数十年的政治被动，全国掀起了一波动荡，毫无疑问地宣布了工业时代的开始。这些新的革命运动的目标比1789年的目标更加现实和切实。人民现在不再要求自由，平等和博爱，而是要求新闻自由，集会自由，实行全民专营权以及保护工人的权利，这些都是由于……而产生的新的社会阶级。工业革命。十九世纪初期的唯心主义，试图寻找新标准的过去，被新的 现实主义 ，很快就成为文学和美术界公认的主题。 随着发明 摄影 1839年，达盖尔（Daguerre）创作了艺术家的眼睛，看到了客观现实的价值，而客观现实的价值至今仍被认为是微不足道的，因此不值得代表。 审美和历史理想被拒绝，并且不希望仅用一组新的理想取代这些理想， 写实艺术家 试图使他们的绘画不受任何意识形态的影响，只代表实际存在的事物。

阿道夫·冯·门泽尔

现实主义最早始于法国-由图形艺术家 Honore Daumier ， 百褶航空 画家 Jean-Francois Millet 等人 创立，并在法国 立即被接受，而在德国，人们对图片的叙事和描述仍然非常重视。理想的内容。 阿道夫·门泽尔（Adolph Menzel） （1815-1905）一生中从未公开展示过他的写实照片，而评论家对卡尔·布勒兴（Karl Blechen）的画作的评论是“它们吸引了你的眼球”。艺术家自己还没有决定。 Menzel的作品属于新现实主义，其余则完全在 Bledermeier 的影响下 保留 。他在库格勒（Kugler）的 《腓特烈大帝史》中的 插图 是洛可可式的历史照片，尽管它们具有非凡的艺术价值，但它们都属于过去。卡尔·布莱兴（Karl Blechen）还在浪漫主义和现实主义之间摇摆。他的许多山水画都是对大气的纯粹描写，但他也画了《 滚磨》 在埃伯斯瓦尔德（Eberswalde）附近，那里展现了被烟囱支配的景观的所有丑陋，因此他创作了第一幅工业油画。但是，虽然布列琴只描述了工厂的外面，但不久之后，门泽尔就进入了这个新的工业世界，并在他的照片 《轧制厂》 中描述了工厂肮脏，不健康的氛围以及工人的繁重劳动。这脚踏实地 代表性艺术 门泽尔既不是要批评社会，也不是要警告也不要创造英雄，他只是想作为画家陈述事实。这种客观的看待事物的方式，就像记者一样，揭示了门泽尔是一个真正的现实主义者，他否认自己对这个主题有任何理智的解释，以维护其现实。然而，现实主义永远不会成为Menzel的目的，Menzel始终保持高度个人主义。在没有伪造现实的情况下，他通过消除琐碎性并强调其纯粹的图形方面将其提交给抽象过程。

在他的画作《 与艺术家的妹妹 门泽尔同住》中，他将全部注意力集中在光线及其产生的许多效果上。背景灯在桌子和天花板上投射出明亮的一圈光，而磨砂玻璃灯罩则为整个房间提供了均匀的散射光。在前景中，蜡烛从下面照亮了姐姐的脸，并在门框上产生金色的反射。安静的 比德迈尔 光与影的动感形成了鲜明的对比，其中人物和物体的细节变得难以识别。 通过大方的笔触，艺术家毫不犹豫地总结了琐碎而琐碎的情调，将其美轮美soft地呈现在梦境中的女孩脸上。 他的绘画最大的吸引力在于场景的短暂性：在那一刻，光影的分布以及女孩的位置（门半，门半）一直存在。 艺术家通过一种接近印象派的技术强调了这一短暂的方面。

威廉·雷布尔

如果Menzel被描述为 写实绘画 那么这就是需要分类的结果，这并不能使他的个性和多功能性得到公正对待。 南方德语 威廉·雷布尔 另一方面（1844-1900）是一位真正的现实主义者。 “人应该被描绘成原样，无论如何灵魂也应包括在内。”莱布的这一声明明确拒绝了思想绘画，但也拒绝了门泽尔继续实践的氛围绘画。莱布画了他所看到的东西，避免了对现实的任何智力或艺术上的重估。相反，他以摄影的客观性吸收了它，并忠实地，逐个细节地再现了它，从而将现实转化为优质，有能力的绘画。莱布尔的著名照片 《教堂里的三个女人》 构成德国现实主义的缩影。考虑到Leibl对现实细节的精确描绘，任何试图进行轶事或寓言性解释（例如“生活的三个阶段”）的尝试都是不合适的。他对女人的脸和手上的每一块木头，衣服的每一折，衣服的每一种特性都给予同样的关注。对待人物和事物的这种完全平等是一种全新的现实态度。对莱布来说，现实是一个复杂的单元，它本身值得描绘，因此能够独立存在而没有叙述或理想主义的内容。

考虑到摄影的完美性，正如Leibl所理解的那样，现实主义对我们来说似乎是多余的，而 Blut und Boden 艺术 的最新经验 使他那朴实的农民形象显得有些可疑。但必须记住的是，莱布尔首次勇敢地尝试使绘画摆脱对哲学，文学和历史的依赖。在他的照片中，对象和人物纯粹是代表人物，其影响仅是通过艺术手段产生的。通过放弃叙事绘画，并采用纯粹的代表性形式，他摆脱了欧洲绘画自最早以来就致力于绘画的绘画传统。然而，最后的突破只是在我们世纪发生，当时不仅从画面中消除了动作，而且消除了现实的对象。

另请参阅杰出的肖像画家 弗朗兹·冯·伦巴赫 （1836-1904）是19世纪德国帝国最成功，薪水最高的肖像画家。

汉斯·托马

汉斯·托马（Hans Thoma，1839-1924年）属于莱布尔（Loibl）圈子，并创造了一些杰出的景观， 自然主义 将它们列为他最好的现实主义绘画之一。 他的陶努斯和黑森林场景展现了对自然的忠实和客观描述，但与此同时，艺术家以强烈的情感渗透到可见的现实中，而他的画作则表现出近乎浪漫的热情。 在他 在陶努斯山的风景中 大气的清晰度和夏日的光芒令人着迷，并在每个细节上都展现出地形特征，而流浪者的身影则为这幅逼真的自然肖像增添了主观色彩。 从背面看，人物不仅可以增加图片的深度，而且可以在观看者和风景之间建立情感联系。 与Leibl想要复制未反射的现实相反，Thoma的意图不是描绘外部外观，而是描绘“在积极的观看过程中形成的内部图片，我们称之为幻想或想象力”。

德国印象派：麦克斯·利伯曼，麦克斯·勒沃格特，洛维斯·科林斯

法国 印象派画家 通常自称为现实主义者，从广义上讲， 印象派 ，即 马克斯·利伯曼 （1847-1935），Max Slevogt（1868-1932）和 洛维斯·科林斯（Lovis Corinth） （1858-1925），也可以视为现实主义者。 （有关此问题的更多信息，请参阅： 从写实主义到印象派 1830-1900年。）早期，三人中最年长的利伯曼（Liebermann）受 库尔贝 以及Millet和Leibl，他经常选择一个当时绝对不值得代表的主题：工人。 他在工厂，田野和家务劳动中为工匠，农民，工人和妇女画画。 他以朴素的自然主义风格绘画它们，这使他成为丑陋的使徒。 利伯曼（Liebermann）只是在经过漫长的荷兰之旅之后才放弃了这些艰难而现实的主题。 伟大的发现 荷兰现实主义艺术家 对于他的进一步发展而言，十七世纪的经历与在海边非常平坦的风景所经历的经验一样重要，在那儿，风，湿气和光线会不断改变大气。法国印象派对利伯曼的影响体现在他使用较浅，更友善的色彩上。当时，在1890年代，他还放弃了对书呆子的细节描述，而采用了草图绘制，通常被称为印象派，尽管该术语的正确使用仅指颜色和油漆用途，而不是整个概念。利伯曼在其总体观念中始终坚持客观现实，从未采取法国印象派的主观态度。 （看到： 印象派绘画的特征 1870至1910年）。

在利伯曼（Liebermann）的绘画《 帕帕基亚纳利（Papageienallee）》中 ，明亮的夏日光线穿过绿荫成荫的穹顶，尽管人物的轮廓清晰鲜明，但可塑性却降低了。 尽管茂密的树叶可以起到绿色滤光片的作用，并可以使太阳的中性色变淡，但即使是颜色也可以保持其价值。 雷诺阿 本来会用绿光在白色连衣裙上产生绿色反射的，而他的同时代人讽刺地称其为“霉”。 利伯曼（Liebermann）将这些明亮的阴影赋予淡黄色的丁香色，与草坪和树木的夜光绿色形成鲜明的对比。

尽管利伯曼的绘画技巧和 19世纪的调色板 是印象派画家，但他还是发展了自己的使用颜色和光进行视觉概念的图形渲染的方式。同样 马克斯·斯沃沃格 采用法国印象派完善的技巧来表达自己的想法。早年，他也曾受到伟大的现实主义画家雷布尔（Leibl）的影响，但是没有达到同样的强度。 Slevogt的进一步进步受到在巴黎逗留两年以及前往意大利的长途旅行的决定性影响。在这段时间里，他偏爱明亮，发光的色彩以及自发流畅的笔触，这使他能够将所描绘的一切转化为纯粹的视觉意义上的体验。根据他的座右铭“眼睛看到了它想要的东西”，他经常选择具有视觉轰动作用的主题：外来动物，植物和水果，但主要是剧院的闪闪发光的世界。丰富多彩的气氛它美丽的幻象魔术在舞台上变成了现实，与Slevogt自己的艺术倾向相对应。他与法国印象派画家分享了对剧院的热爱 德加 但是，尽管后者关注于戏剧艺术的规则并描绘了其更为形式化的方面，但斯列沃格特受到戏剧界不受限制的幻想及其无限表达可能性的启发。因此，他主要对明星，演员，舞者和歌手感兴趣，他寻求个人友谊，并在许多照片中描述了舞台的胜利。其中最著名的是葡萄牙歌手d’Andrade，他们在扮演Don Juan时扮演了重要的男高音： 《香槟之歌》 ，《 The Duel》 和《 The Graveyard Scene》 。这些 印象派绘画 既不是戏剧历史的肖像也不是文献，而只是以绘画的形式描述音乐和戏剧事件。 结果他们缺乏情感上的深度，也绝没有表达理想。 他们毫无问题，是同性恋，充满光彩，只表现美。

十九世纪末期具有文化意识的公众强烈反对现实主义和艺术观念。 当重要的官方艺术展览拒绝他们的照片时，Leibl和Thoma意识到了这一点。 Slevogt和Liebermann的表现没有任何好转。 抗议 巴黎沙龙 ，Liebermann创立了 柏林分裂国家 1898年，很快吸引了所有进步的年轻艺术家。 该 慕尼黑分裂国家 同时，正在普及 新艺术 -新艺术风格的德语变体。 （另请参见 维也纳分裂国家 ，古斯塔夫·克里姆特（Gustav Klimt）以及后来的 德意志银行 。）但是对写实主义和印象派绘画的批评不仅受到中产阶级艺术爱好者的批评，而且也来自那些看到了在回归旧理想中重新绘画的唯一可能性的艺术家。 “我担心现在统治世界的虚幻和空虚； 我们必须回到老神。 转向未来是不可能的，对于有钱有钱的人来说，未来会是什么样？ Anselm Feuerbach的这一言论显示出失望和辞职。 最近的政治发展带来了德国渴望已久的统一，但它们也产生了社会上的权宜之计。 有关本世纪末德国绘画的更多信息，请参见： 德国的后印象派 （c.1880-1910）。

罗马的德国画家

许多对德国的当代活动不满意的艺术家去了罗马。 （特别是，请参阅 拿撒勒 。）在这个古典精神仍然活跃的城市，他们为自己的艺术找到了灵感和意义。 理想主义，像说德语的艺术家 阿诺德·博克林 ，有争议的 马克斯·克林格 ，以及安塞姆·费尔巴赫（Anselm Feuerbach）和汉斯·冯·马里斯（Hans von Marees）表现出英勇的哀悼之情，很快就吸引了大批追随者，尽管这三个人各有千秋，并且没有组成一个小组。这些在罗马的德国人的艺术思想不一定与现实主义相冲突，例如，他们对现实主义的理解与莱布尔不同，后者被指控沉浸在细节中。费尔巴哈（Feuerbach）的图片中没有错误，轮廓没有模糊，也没有像博克林（Bocklin）曾经描述过的古典主义者的画那样的“棕酱”。费尔巴哈的线条坚硬而又严峻，颜色明亮而强烈。他通过纪念性和形式清晰来表达永恒思想的高贵。莱布通过画提洛尔农民和健壮朴素的乡村女性来描绘他对纯洁男人的理想。费尔巴哈用古典时期的高贵人物来代表他的人类理想。不能忘记 保罗·高更 ，是的先驱 现代艺术 ，一生都在寻找理想的人像，他最终发现了 海洋艺术 南海。 （另请参见先锋表现主义者 费迪南德·霍德勒 ，位于日内瓦。）

费尔巴哈在一个贫穷的补鞋匠的妻子罗马·南纳·里西（Roman Nanna Risi）的人中找到了这种永恒的理想人像。 她成为他最喜欢的模特，也是他的情妇。 费尔巴哈将她描绘成一个简单的工人阶级女人，如 伊菲基尼 ， 卢克瑞蒂娅 ， 比安卡·卡佩利 ； 对他来说，她是他想在自己的艺术中实现的古典理想的体现。 但是，娜娜没有辜负她庄严高贵的外表。 与Feuerbach在一起五年后，她离开了他，成为了一个更加善解人意的情人。

另一种简单的意大利女孩，圣卢西亚Brunacci，为蓝本的第二个版本 IPHIGENIE 。尽管 伊菲基尼（Iphigenie） 具有 巨大的纪念意义，但她几乎是一幅 无灵魂的雕像。她是一个充满梦想和对一个无法实现的世界的渴望的女人，她的特征富有表现力，是一个人，但是她仍然代表着歌德的《叶 皮根尼》 的完美人格化。 。 菲尔巴赫通过柔和的色彩，衣服褶皱的浮雕可塑性，图片的狭窄格式（决定人物的被动性）来实现这些效果。 她似乎是通过与观众的接近来向自己解释，但与此同时，她又退出了观众，仍然与世隔绝，遵循自己的想法。 因此，她代表了男人对完美与和谐的一种理想，内在和无法满足的渴望。

浪漫主义和古典主义概念的这种奇特而迷人的结合，在当时，是绘画艺术中高度强烈的理想主义态度的最后一次闪烁。 罗马德国人对未来的发展没有任何影响，因为他们无法适应时代的现实。

德国绘画也受到 十九世纪俄罗斯绘画 -尤其是其风景画家的自然主义-以及 拉斐尔前派兄弟会 在英国。

19世纪德国艺术家的作品可以在许多地方看到 最好的艺术博物馆 在世界上。 特别是请参阅 Gemaldegalerie SMPK柏林 ， 德累斯顿Almal Meister珠宝店 ， 瓦尔拉夫理查尔茨博物馆 在科隆， Pinakothek博物馆 在慕尼黑和 艺术史博物馆 在维也纳。