德国文艺复兴时期的艺术：历史，特征 自动翻译

要了解德国文艺复兴时期的绘画和雕塑如何融入整个欧洲文化的时间顺序，请参见： 艺术史时间表 。

什么是德国文艺复兴？ -特点

在德国，阿尔卑斯山不仅阻碍了所有传入信息的传播，而且远离了古典古代文化，古典文化在意大利曾是现代思想的沃土，但从中世纪到现代的过渡是延迟了将近100年。 到1500年，意大利已经经历了 文艺复兴早期 （1400-90）并进入了 高复兴 （一四九○年至1530年）。 相比之下，德国艺术仍然依附于 哥特式艺术 和 国际哥特式 。 因此，玛丽的代表人物总是在黄金背景下脱颖而出，这是自从在其他欧洲国家被抛弃很久以来的一种技巧。

直到16世纪初，德国艺术才开始摆脱中世纪的意识：即使到那时，它也会以自己独特的方式发展。

在15世纪的大部分时间里，佛罗伦萨，锡耶纳和威尼斯等意大利城市与德国城市之间的艺术交流一直在进行。 意大利的人文主义态度和新颖视野 文艺复兴时期的艺术 被流浪的意大利艺术家和15世纪中叶发现的版画带到了北方，使人们能够廉价地复制最重要的文艺复兴时期的作品。 逐渐地，这使德国艺术家接触了“新”艺术，并鼓励他们出发去“艺术摇篮”进行考察，以当场研究意大利大师。

重要的是 文艺复兴早期绘画 与德国艺术的发展息息相关，在他们祖国发生的事件也同样具有相关性，宗教改革在此继续发扬光大。 在看到新教改革运动成功的国家，该运动宣称自己对绘画抱有敌意，因此不再需要 宗教艺术 。 这对艺术家来说是巨大的打击，因为这意味着他们失去了最重要的佣金和收入来源，并有助于解释为什么法院的光顾和绘画的重要性在增加。 为了弥补主要赞助人教堂的倒塌，德国艺术家不得不转向其他主题，特别是 肖像艺术 和 山水画 ，他们卖给了贵族和资产阶级。

德国文艺复兴时期最伟大的艺术家

两个最大的 老大师 的 北部文艺复兴 德国的时代是纽伦堡（1471-1528）的多产，雄心勃勃的制图员Albrecht Durer，以及总部位于美因茨的宗教狂热者Matthias Grunewald（1470-1528）。 目前在德国绘画发展中发挥作用的其他艺术家包括 斯蒂芬·洛克纳（Stefan Lochner） （c.1400-51）， 科隆学校 ，版画家 马丁·尚高 （在1455年至91年之后） 以玫瑰园中的麦当娜 （1473）而闻名。 卢卡斯·克拉纳赫（Lucas Cranach the Elder）（1472-1533），以他的宫廷肖像画和女性裸体画而著称，富有远见 汉斯·巴尔登·格里恩 （1484-1545）和杰出的肖像画家汉斯·霍尔拜因（1497-1543）。 有关最重要的图片，请参阅： 最伟大的文艺复兴时期绘画 。 重要的德国雕塑家主要是木雕家，包括汉斯·穆尔彻（Hans Multscher）（1400-67）， 迈克尔·帕彻 （1430-98），威特·斯托斯（Veit Stoss）（约1447-1533），蒂尔曼·里门施耐德（Tilman Riemenschneider）（约1460-1531）和格雷戈尔·埃哈特（Gregor Erhart）（约1460-1540）。

德国文艺复兴时期的艺术

在德国和奥地利的文艺复兴时期占主导地位的艺术形式包括： 版画 （木刻，雕刻和蚀刻）， 祭坛艺术 和较小的灵修作品，以及世俗的 板画 -主要是肖像-和宗教 木雕 。

阿尔布雷希特·杜勒（Albrecht Durer）

纽伦堡出生 阿尔布雷希特·杜勒（Albrecht Durer） ，一个金匠的儿子，在1494年和1501年两次访问了意大利，并受到 高文艺复兴时期绘画 -特别是威尼斯。 他遇到了数学和几何学并学到了对数学和几何学的重视，以辅助艺术发展，并熟悉自然和人体解剖学。 视角，比例，适度和和谐的关系对他而言是新的，令人着迷的构成元素，所有这些都使他成为了南部和北部文艺复兴风格之间的重要中介。 但是，这种意大利影响只是表面上的。 因此，尽管在这段时期的作品中，色彩的宏伟性以及威尼斯人对光的处理方式很明显，但他无法吸收意大利古典主义的真正意义，并且本质上仍然是北方艺术家，制图师，思想家。总是就行而言。 即使在他的画作中，他仍然是线性艺术家，他的作品的大部分都包含绘画和版画，都在木头上（例如 《启示录》 系列1498， 《激情 》和 《处女 的 生活》 两套），以及在金属上（例如著名的单碟 《骑士，死亡与细节》 1513， 圣杰罗姆在他的书房 1514和 忧郁症 1514）。 他的画作包括宗教题材和肖像画，在某种程度上被意大利的形式观念所修饰，但在感觉上总是典型的德国人。 杜勒（Durer）是世界上最伟大的绘图员之一。 他的细微观察力以及他精确地设定自己所看到的东西的能力，就像在维也纳著名的动物，草和手的图画中一样，从未被超越。 在他的风景画中，同样的客观性，几乎是视觉的非客观性； 该 水彩画 他在各种旅程中创作的作品都具有惊人的新鲜度和观察的精确性，完全不同于浪漫的童话般的Altdorfer风景。 举例来说， 小野兔 （1502）和 大草皮 （1503年），都在维也纳的阿尔贝蒂娜博物馆中。 此外，杜勒（Durer）是现代人的先驱 书插图 。 他的插图包括 《人类比例四本书》 （1528年，纽伦堡）和《 用指南针和 尺子 进行测量的说明》 （1525年，纽伦堡）的木刻版画。

杜勒（Durer）有许多门徒：其中包括汉斯·斯普林菲克利（Hans Springinklee）和阿尔布雷希特（Albrecht）的兄弟汉斯·杜勒（Hans Durer），后来受了Altdorfer的影响。 Durer圈子的其他艺术家还有Wolf Traut，Leonhard Schaufelin和Beham兄弟。

马蒂亚斯·格鲁内瓦尔德（Matthias Grunewald）

在15世纪末和16世纪初，德国的视觉艺术仍然与教堂及其图像类别紧密相关。 这种依赖性减弱的唯一迹象是，艺术从建筑中解脱出来，集中在教堂最重要的地方祭坛上。

的最大指数之一 基督教艺术 在德国是晦涩的 马蒂亚斯·格鲁内瓦尔德（Matthias Grunewald） ，只有本世纪才从匿名和默默无闻中脱颖而出。 他的 宗教画 对他的同时代人的影响不像易于复制的杜勒木刻和版画。 他的颜色比他的时代早一百年，人们对此几乎一无所知，也没有证据显示他是否或如何影响了其他德国文艺复兴时期的画家。 在孚日省斯特拉斯堡附近的艾森海姆修道院中，他制作了自己职业生涯中最伟大的作品，即圣安东尼教堂合唱团的高坛，该教堂后来被人们视为德国哥特式最精美的图画表达。 该 伊森海姆祭坛 （1510-15）就是所谓的“ polyptych ”，两侧都涂有几对翅膀，可以根据礼拜的要求像书页一样打开。 封闭时，表明基督被钉十字架。 这幅画的特别之处在于格鲁内瓦尔德对现实的无情生动描绘，以及他对色彩和形式表达工具的热情加深。 双手扭曲，肤色苍白，与黑色的夜空和十字架脚下人物的鲜红衣服形成鲜明对比，垂死的救世主的折磨可以通过两种方式形象化，即现实和抽象”。 不仅描绘了他们，而且描绘鼓励观众与他们建立联系。

尽管格吕内瓦尔德的绘画大部分与中世纪的肖像画相对应，但画面的自成体系和人物的可塑性，对色彩的区别对待和细致的绘画暗示着画家可能对意大利艺术和意大利画家的作品都很熟悉。荷兰大师。 从这种组合发展而来的绘画语言显然很不寻常，以至于画家没有任何直接的后代。 留给20世纪的艺术家，即德国表现主义画家，重新发现这位站在中世纪和现代之间的画家。 格吕内瓦尔德（Grunewald）对色彩和形式的表现力处理，打破了现行形式法则的规范，以增强绘画的效果。 在这一点上，格吕内瓦尔德显然与阿尔布雷希特·杜勒不同，后者对一切事物的节制是最好的。

小汉斯·霍尔拜因

小汉斯·霍尔拜因 （1497-1543）属于一个住在奥格斯堡的艺术家家庭。 19岁那年，他去了德国和法国文化之间的边境巴塞尔，一个充满人文精神的城市，在那里他找到了更开明的氛围。 在这里，他与中世纪取得了最后的突破。 Durer和Grunewald首先属于德国。 但霍尔​​拜因属于这个世界。

霍尔拜因的巴塞尔肖像 鹿特丹的伊拉斯mus （1523）， 布尔戈玛斯特·迈耶 （ Burgomaster Meyer） （1526）， 天文学家尼古拉斯·克拉泽 （ Nikolaus Kratzer） （1528）， 托马斯·莫尔爵士 （1527）和其他作品，是20岁的年轻人的自信成就，他即将成为世界上最伟大的肖像画家之一。 他还是一位多产的绘图员，在1516年至1532年之间制作了1200多幅木刻画。 霍尔拜因（Holbein）设计后，用木头块印刷的“ 死亡之舞 ”见证了北方木雕艺术的技术完善。 霍尔拜因终于在1532年离开巴塞尔，成为英格兰国王亨利八世的宫廷画家。 在这里，他创作了许多宏伟的肖像画，包括 亨利八世的肖像 （1536）， 大使 （1533）， 托马斯·克伦威尔 （1532-4）和 松鼠和八哥的女人 （1527–28）以及 商人乔治·吉泽（Georg Gisze） （1532）。 在这些出色的照片中，霍尔拜因结合了北欧人对奢华细节的热爱和庄严而庄重的尊严。 意大利文艺复兴 ：复制的细节效果很好，但同时又从属于较大的整体。 （注意：有关德国文艺复兴时期绘画中使用的颜料的详细信息，请参见： 文艺复兴时期的调色板 。）

多瑙河山水画学校

该 多瑙河学校 开发于富裕的帝国城市雷根斯堡（Regensburg），借鉴了德国哥特晚期的传统。 这所学校由一群松散的德国和奥地利画家组成，他们是独立山水画的最早代表。 在他粗俗且常常非常浪漫的习语中， 阿尔布雷希特·阿尔特多夫（Albrecht Altdorfer） （1480-1538）是多瑙河学校最杰出的大师。 作为原始的创意画家和雕刻师，他在风景画中 木刻 ，是该时期次艺术家中最具吸引力的艺术家之一。 诗意的风景画家沃尔夫冈·胡贝尔（Wolfgang Huber，1490-1553年）主要是在帕绍（Passau）在那里工作，他曾是王子主教的宫廷画家，是学校的另一名成员，至少老克拉纳赫（Cranach）也是该学校的成员-至少在他的早期作品中。

卢卡斯·克拉纳赫

卢卡斯·克拉纳赫 是另一位杰出的肖像画家，可能以他的 马丁·路德 （1543）肖像而闻名。 克拉纳赫曾是宗教改革派牧师的密友，他本人也参加宗教改革运动，并被视为其代表画家，为1522年出版的《路德圣经》提供插图。但是，他对宗教改革的同情并没有阻止他根据新教徒和天主教的肖像画制作祭坛画和灵修画，以及一系列的 女性裸体 。 人文主义影响的痕迹在他广泛的作品中显而易见，但是意大利人的正式品质，加上对比例的理解以及对理想人性的追求，使他难以捉摸。 他的画具有传统的自然气息，这也是“多瑙河画派”画家的特征，他以极其绘画的方式将自然和人物视为色彩和光的现象，从而使人与风景变得前所未有的陌生。统一。 一个例子是克拉纳赫（Cranach）的圣杰罗姆（Saint Jerome）。 隐士被显示为坐落在茂密的景观中-植物和人，一切都以相同的强度显示。

德国文艺复兴时期雕塑

鉴于各种木材的低成本和广泛供应，而大理石和其他石材的高成本和短缺供应，不足为奇的是，15世纪和16世纪的大多数德国文艺复兴时期雕塑家都是木雕大师。 这些主要的工匠主要为宗教顾客工作，并在1520年后为罗马天主教会工作，为木雕艺术树立了标准，而这些标准很少能被超越。 他们包括国际哥特式艺术家 汉斯·穆尔彻（Hans Multscher） （1400-67）雕刻了 Wurzacher （1437）和 Sterzing （1457）的祭坛画； 迈克尔·帕彻（Michael Pacher，1430-98年）的 《圣沃尔夫冈祭坛》 （ St Wolfgang Altarpiece ，1471-81年）最为人所知； 晚期哥特雕塑家 威特·斯托斯 （c.1447-1533）的作品包括克拉科夫（1477-89） 的《处女之死/圣玛丽祭坛》 ； 蒂尔曼·里门施耐德 （c.1460-1531），可以说是所有德国雕刻师中最伟大的，他们创造了 圣血祭坛 （1499-1504）； 和 格里戈尔·埃哈特（Gregor Erhart） （大约1460年至1540年）的雕像中包括著名的小雕像 玛丽·抹大拉的马利亚 （“ La Belle Allemande ”）（大约1500年）。

以上所有（如果不是全部）上述德国艺术家，包括Durer和Grunewald，仍然表现出中世纪绘画传统的痕迹。 因此，很难说意大利意义上的艺术“更新”或“重生”。 取而代之的是，德国的文艺复兴时期似乎更像是一个振奋人心的南风，它紧紧抓住了艺术家并加速了他们前进，然后在17世纪初的三十年战争的风暴席卷而来之后，人们对于文化发展的任何希望都消失了。代。

德国文艺复兴时期的故事

真正意义上的文艺复兴在德国从未存在过。 在15和16世纪，德国的艺术发展与意大利的艺术发展不相称的事实的主要原因是，德国和意大利的艺术家从完全不同的来源汲取了灵感。 在德国，缺少复兴的一个重要前提，即复兴古典形式：这种运动可能 与之 相关的古典过去。 如果阿尔卑斯山以北有复兴，那么它就不属于 十五世纪 要么 16世纪意大利 但是到了早期的高潮 德国中世纪艺术 ，在查理曼大帝（Charlemagne）国王的宫廷中，应邀邀请了伟大的艺术家和学者来振兴古典晚期的精神。 但 加洛林艺术 绝不是一个新的开始，它是早期基督教徒的衰落，从而是后期古典形式和理想的衰落。 从那里开始，德国艺术走了一条不同的道路，通过脱离古典理想，通过创造自己的非古典形式，实现了真正的伟大。 意大利从不切断与过去的联系，因此她在中世纪对西欧艺术的贡献不大。 15世纪初，中世纪世界崩溃了，意大利人的古典往事回落了，因此，他们能够带头进行这种艺术和思想运动，后来被称为文艺复兴。

德国艺术家没有与之相关的古典历史-德国的大部分甚至从未与古代罗马文化直接接触-中世纪末期，德国的努力是致力于从最古老的地方保护遗产最近的过去。证明形式的不断发展体现了这一点。 quattrocento 是Masaccio，Mantegna，Botticelli和Leonardo da Vinci辉煌的世纪，它的最后开花期是 德国哥特式艺术 ，被称为晚期哥特式，在此期间，新的现实仍然未被认识。 本世纪德国艺术没有激进主义，传统与进步之间没有激烈的冲突。 新旧融合在一起。

作为 艺术史 记录显示，在意大利，文艺复兴时期以革命力量取得了突破，没有遭到任何抵抗。 教皇与王子，市民与艺术家相互竞争，共荣新时代，享受世俗的乐趣。 在艺术，道德和社会自由的启发下，他们毫不犹豫地抛弃了过时的中世纪形式，并通过古典理想的复兴，产生了一种新的生活感觉，在他们的艺术中找到了最完美的表达。

德国没有并行发展。 变革前的时代的人文主义博学而严肃，但缺乏从过去的废墟中创造美好未来的愿景所需要的年轻的新鲜感和美丽的自发性。 缺乏活力的德国文艺复兴时期的建筑几乎完全衰落。 可以追溯到15世纪的少数神圣建筑（例如，斯图加特的 史蒂夫斯基教堂 和 格蒙德的Heiligkreuzkirche ）是想象力疲惫的产物。 虽然基于 哥特式建筑 ，他们缺乏必要的向上驱动力。 建筑物蹲下，拱顶和拱门宽阔，柱子和肋骨矮胖而毫无生气。 既无意也无意实现当代意大利建筑的宁静和谐，同时兼顾水平和垂直线条。 这些建筑表达了一种狭narrow的虔诚，与对未来的中世纪渴望无关。

宗教改革之后，德国的教堂建筑完全衰落。 该国的新教徒部分对现有结构感到满意，这些结构在被剥夺了装饰物和图片后，其备用性符合宣称的紧缩新教目标。 在天主教南部，神职人员普遍的保守态度可能导致了这样一个事实，即不鼓励采用意大利文艺复兴时期的观念，而且没有人得出改变的知识分子环境的建筑后果。

德国文艺复兴时期的建筑

就民用建筑而言，情况更为乐观。 到中世纪末期，中产阶级的影响力日益增强，开始在神职人员的权威下声名狼藉，并建造了许多联排别墅，商人办公室和市政厅。 但是，尽管这些建筑物的世俗特征非常明显，但它们仍未能发展出自己的独立风格。 Marienburg Castle的餐厅说明了民用建筑对神圣建筑的依赖程度。 这个大大厅让人想起哥特式大厅教堂的设计和结构：一排细长的柱子将房间分成两个通道，拱顶由扇形肋骨支撑，尖锐的窗户拱门则设置在厚实的墙壁上。 法兰克福的市政厅，著名的 罗默（Romer） ，提供了这种相互依存的另一个例子。 它的毕业外观与许多十四世纪的法兰克教堂相似。

在意大利的发展 文艺复兴时期的建筑 随之而来的是，在神圣和民间结构之间形成了明显的区别。 随着个人逐渐意识到自己的重要性，他想在各个领域都坚持自己的个性。 着装方式变得更加装饰和奢华，生活习惯更加富裕和奢华，知识上的独立性的增强使人们对服装的所有分支产生了兴趣。 装饰艺术 以及 美术 。 由此可见，这种对生活的新态度要求一种更具代表性的环境。 带有实用价值和装饰的谦虚联排别墅对于富裕的商人或银行家来说过于狭窄，巨大的民用建筑开始出现在神圣建筑的旁边。 在中世纪期间，前者仿照了后者。 随着文艺复兴时期，意大利人发展出一种独立的世俗风格，以证明对教会万能的拒绝。 毫无 装饰的 房屋被宏伟的 宫殿 所取代，富裕的贵族现在已经建造了宏伟的 宫殿 ，就像过去的王子们建造城堡和防御工事一样。

长期以来，德国和阿尔卑斯山以北的邻国拒绝接受文艺复兴时期的理性理智理想。 最初仅采用文艺复兴时期的装饰并将其用于哥特式结构的装饰。 传统的立面以尖锐的山墙终止，壁柱以塔楼状的尖锐的方尖碑结束，壁柱超出了山墙的边缘。 仿照意大利的例子，矩形的大窗户被扇形或三角形的山墙饰覆盖，偶尔在屋顶的边缘放置了装饰有人物形象的栏杆。 继续使用不规则的中世纪平面图，这在海德堡的城堡中显而易见，城堡由几组松散的结构组成。 这座古老的要塞城堡建于1200年左右，于1556年至1559年由选举人Palatine Otto Heinrich以意大利文艺复兴时期的风格进行了扩建。 这位不愿透露姓名的建筑师尝试了各种希腊和罗马风格的设计，以使该建筑具有古典特色。 爱奥尼亚人和科林斯人的壁柱带有多立克ric带。 窗户上方的山墙饰物由三个装饰各异的柱子支撑，并带有刻画古典英雄的纪念章； 窗户之间的壁placed中放置着来自古代神话人物的雕塑。 在较低层的粗制方石壁柱上，让人联想到佛罗伦萨 宫的鲁斯蒂卡 。 这种令人困惑的装饰与意大利文艺复兴时期外墙的清晰图案没有任何共同之处。 在意大利，装饰和铰接构成整个建筑概念的一部分，而在德国，装饰与结构没有任何关系，而仅支持广泛且奇妙的装饰。

奥格斯堡市政厅由埃利亚斯·霍尔（Elias Holl）于1620年完成，是北欧众多民用建筑中唯一可以声称属于意大利文艺复兴时期建筑的建筑。 方形平面图的明确构想的规律性在一个轴上细分为矩形状态室，在另一个轴上细分为两个面对楼梯。 在由州厅和楼梯组成的十字架的拐角处，设有方形办公室供行政管理。 正方形图案再次出现在立面上：高度和宽度尺寸相等，容纳会议厅的中央部分也形成了一个正方形，由装饰线条和壁柱围成。 除了在最上层很少使用 装饰 物外，外墙没有任何装饰，而有意义的是不同尺寸窗户的交替布置。 只有山墙上方的山墙代表了德国人的品味。 通过平衡的比例以及水平线和垂直线的和谐相互作用，该结构所传达的整体印象是一种极大的优雅。 奥格斯堡市政厅完工后，立即爆发了三十年战争，这场战争使建筑活动完全停滞不前。

德国文艺复兴时期雕塑

彼得·维谢尔（Peter Vischer）创作的德国文艺复兴时期雕塑的一个典型例子是圣塞巴尔德神殿。 其他杰出作品 文艺复兴时期的雕刻家 “，例如Riemenschneider和Stoss，实际上并不受文艺复兴时期古典形式和理想的复兴的影响，因此被认为是哥特式风格的最后开花。另一方面，Peter Vischer和他的儿子们更容易接受从15世纪中叶开始，Vischer家族蓬勃发展 青铜雕塑 班贝格（Bamberg）铸造厂声名such起，欧洲各地的王子和有能力的人都参观了这座铸造厂，尽管彼得·维舍尔（Peter Vischer）的重要著作可以在波兰，波西米亚，匈牙利，普法尔茨州以及世界各地的王子法院找到。帝国。 圣塞巴尔神殿（St. Sebald Shrine） ，原定于纽伦堡的同名教堂， 始建 于1488年， 哥特式风格 顶部有三个尖顶尖顶。 当纪念碑最终于1507年投入使用时，Vischer决定赋予它更为古典的外观。 结果是一个奇怪的，令人迷惑的圆拱形系统超越了圆顶状的baldachin，这表明Vischer不熟悉当前的意大利形式的雕塑装饰。 他的儿子小彼得（Peter Vischer）创造了十二使徒的雕像。 他们均衡的比例和庄重的举止表明他努力克服 罗马雕塑 。 在圣塞巴德（Si。Sebald）生平的神社场景底部的浮雕上，刻着半裸人物，描绘了古典神话； 这些被认为是赫尔曼·维舍尔（Hermann Vischer the Younger）的作品，据记载，赫尔曼·维舍尔（Hermann Vischer the Younger）于1515年在罗马和托斯卡纳（Toscana）居住。将这些新想法融合到一个统一的雕塑作品中。 通过其细长的形状以及令人迷惑的丰富的人物形象和装饰细节， 圣塞巴德神殿 传达的总体印象仍然是哥特式。

德国文艺复兴时期绘画

阿尔布雷希特·阿尔特多夫（Albrecht Altdorfer）

从中世纪到现代的过渡时期创作的绘画经常表达出传统与进步之间的冲突，这种冲突在本世纪初占主导地位。 Albrecht Altdorfer的 亚历山大大战 -最激烈的 战斗 之一 著名山水画 -包含了这种过渡风格的最重要方面。 从高视角可以看到深度和宽度的巨大全景图，这最终证明了三维已经被绘画所接受，中世纪的场景被金色的天空“密封”起来已成为过去。 夕阳照耀着宇宙背景，包括戏剧性的云朵，奇异的山脉，闪闪发光的水面和分散的岛屿。 具象形的场景从前景到中距离的海岸线无限延伸：一个坚固的城镇，陡峭的岩石被城堡，草地，田野，小路和树木所包围，环绕着两支马其顿军队亚历山大国王和波斯国王大流士。 士兵们的画作精巧细腻，传达出与周围宇宙大小有关的人类微不足道的信息； 这表明了潜在的形而上学意图，但也说明了当前将中世纪描述性细节与意大利人开发的三维空间观念相结合的艺术努力。

早在Altdorfer之前，北欧绘画就已描绘出风景。 他们在许多迷人的人物中占据主导地位 发光的手稿 来自勃艮第的艺术家，荷兰画家休伯特（Hubert）和扬·范·艾克（Jan van Eyck）将风景引入面板绘画中。 但是，荷兰的学校仅以自然为背景，给他们的照片留下空间深度的印象，并且没有尝试将其与前景中的场景融合。 瑞士画家康拉德·维茨（Konrad Witz）向山水画发展迈出了又一步，他用一种在地形上可识别的解释代替了梦幻般的风景。 但即使是他非常真实的自然写照，例如 《奇迹的鱼稿》中的 日内瓦湖 ， 也仅被用作背景，而绘画的主题则由前景中的人物传达。

这在《 亚历山大大战》中 不再适用。 Altdorfer通过景观传达了戏剧性的气氛，在这场战斗中，战斗本身似乎更像是锡兵的集会。 世俗的事件，两个大军之间的斗争，只是对天空正在发生的事情的苍白反映。 Altdorfer在这里传达了明与暗之间，白天与黑夜之间，日月与月亮之间的冲突。

Altdorfer的来历说明了他与自然的紧密交往。 他可能出生在雷根斯堡（Regensburg），几乎从未离开过他在多瑙河树木繁茂的山谷的家。 他的最好的绘画作品是他自由表达自己的感受的作品，与当时的艺术活动隔离开来，不受与当代人有关的形式问题的束缚。 他因建立欧洲山水画传统而享有盛誉。 通过创建没有人物的风景，他建立了一种艺术形式，这种艺术形式一直存在至今，尽管发生了许多变化。 绘画 在此期间经历了几个世纪。

尽管Altdorfer没有直接的继任者，但他的风格却产生了广泛的影响。 他是多瑙河风格的主要代表，这是一种以景观对人物和物体的重要性为特征的绘画。 多瑙河艺术家对大自然的这种亲密感在很大程度上是十九世纪浪漫主义者重新发现他们的原因，他们将多瑙河流派视为一场浪漫运动。 实际上，在十九世纪的浪漫主义绘画与十六世纪初的绘画之间确实可以找到令人信服的相似之处，尤其是在使用风景表达方式来表达意味和传达画意的方式上。

卢卡斯·克拉纳赫

老卢卡斯·克拉纳赫（Lucas Cranach）在某种程度上可以被视为多瑙河风格的直接先驱。 人们对他的早期发展知之甚少，但据推测，在他多年的旅行中，他参观了德国南部重要的艺术中心。 他极易接受，能够吸收各种影响，然后将其转变成他自己的个人风格。 虽然他的早期照片清楚地显示了Durer和Grunewald的影响，但后来他更倾向于采用 荷兰文艺复兴 和霍尔拜因。 他的作品涉及各种各样的主题：女性裸体像画像一样频繁出现， 神话绘画 与宗教意象一样普遍。 从意识形态上讲，他也没有限制自己：尽管他被认为是宗教改革运动的最热烈支持者之一，但他仍然继续为天主教教堂和天主教王子的画像画坛。 他拒绝承诺自己的行为经常被解释为善变，他非凡的生产力是纯粹的商业强迫，而他的各种主题则是知识上的肤浅。 但是，这种评估并不能使Cranach作为男人或画家的性格公正。 他代表了一种新型的艺术家，以前不为人所知，他不再是致力于当代意识形态的正直工匠，而是一个机敏且有批判心智的独立人士，能够吸收许多不同且自相矛盾的想法并将其融入其中在他的工作中没有偏见，也没有个人参与。

这些态度使克拉纳赫成为文艺复兴时期的真正代表，尽管已在许多方面牢牢地扎根于传统，但他已迈入了决定性的一步。 因此，在他的画作 《飞往埃及的飞行中 的天使》中，让人想起那些“软”哥特式风格的大师，天使的集会是每个维尔京人写照中必不可少的伴侣。 但是Cranach对它们的解释却截然不同。 中世纪传统的天堂般的身体已经变成了友好的玩伴，想要吸引婴儿耶稣注意的小流氓：一个正在带来鲜花，另一个正在捉住他试图以非常粗糙的方式抓住的鸟，而另一个正在取水。在一个贝壳里，一个小家伙在一块岩石后面睡着了。三个稍大一些的天使正试图用一首歌来取悦婴儿耶稣，而这些天上人物之间明显的意见分歧使他们跌入了人类的争吵状态。这是一个主题的不敬虔的变化，当时仍然非常重视。玛丽显然已经摆脱了飞行的艰辛，她信任地享受着和平清除此刻为她提供的住所。另一方面，约瑟夫仍然不信任。他那令人恐惧的询问眼睛似乎正在寻求帮助和有关可能发生的危险的信息，而他一直戴着帽子和工作人员的事实表明，他随时准备继续飞行。但是他的谨慎似乎没有必要，因为现场弥漫着深深的魔幻般的和平：高高的饱经风霜的枞树传达出一种安全感，广阔的视野令人欣喜地放心，天使们的无忧无虑的喧嚣向圣家族承诺了一切保护。天使无忧无虑的喧嚣向圣洁的家庭保证了一切保护。天使无忧无虑的喧嚣向圣洁的家庭保证了一切保护。

德国文艺复兴时期的艺术主题

恐惧的主题是德国特色主题之一，可以从早期的德国绘画和雕塑中找到 奥托尼亚艺术 到现在。 对恶魔的恐惧，对自然不可预测的力量的恐惧在原始国家中根深蒂固，而原始国家经常被各种自然灾害所淹没，至少在中世纪，甚至基督教也无法消除这种持续的恐惧。 相反，教会巧妙地以基督教的方式重新诠释了对恶魔和其他神话思想的恐惧，从而将异教徒的迷信与基督教信仰融合在一起。 异教徒的冬至节时的圣诞节庆祝只是众多例子之一。

这种对恶魔的异教恐惧经常表现在 中世纪雕塑 来自德国。石雕动物是罗马式建筑上令人恐惧，奇妙的人物，并非受福音启发，而是取自异教徒的神话，目的是驱魔，将魔鬼锁在石头上。 德国哥特式雕塑 表现出对异教徒主题的较少关注；由于宗教和文明在阿尔卑斯山北部的同步发展，人们感到更加安全。但是，尽管中世纪和圣徒对中世纪的敏感和诗意的表达忽略了恶魔的存在，但它们仍然存在于人们的潜意识中。在现代之初，与世界现实的对抗使人们摆脱了他们的信仰和文明向他们承诺的更高生存的梦想。在拒绝宗教和农奴制的集体束缚之时，对新现实的这种探索使人们越来越认识到面对超自然力量的人的无能。在意大利文艺复兴时期，对自由的追求带来了更大的自信心和新的意识，德国人担心，这片闪闪发光的外墙背后可能隐藏着混乱。

恐惧的话题仅在克拉纳赫 飞往埃及的 旅程中 得到了暗示 ，但在汉斯·巴尔登·格里恩（Hans Baldung Grien）的 逝世和少女中 却成为了一个可怕的现实 。一个感性美丽和优雅的年轻女孩被一个可怕的骨骼抓住，被拉入深渊。尸体的移动和指向手的力量将眼睛引向坟墓，并以图形方式表达题词为“您必须在这里进入”。笼罩着盛开着的身体的绿色阴影和泪水掩盖了女孩的脸，表明了她命运的必然性。对解剖学的新兴趣刺激了意大利画家描绘美丽的裸体，这使德国艺术家陷入了悲观的 记忆 。当然，对于许多处理过这种严肃主题的人来说，这仅仅是以人体的所有感性美描绘人体的借口，而不会冒被指控不当行为的风险。汉斯·鲍登·格里恩（Hans Baldung Grien）只是一个愚蠢的道德主义者。他自信而灵活，对所有形式的问题都感兴趣，却没有创造出属于自己的，有才华的和充满思想的东西，他吸收了当时的新发展，而没有完全脱离传统。他对科目的选择与卢卡斯·克拉纳赫（Lucas Cranach）一样无限，并且与后者共享对女性裸体的兴趣。但是Baldung Grien是Albrecht Durer的勤奋学生，因此，与Cranach不同，Baldung Grien的目的是在解剖学上正确地描绘人体，而不采用Durer略带腐的现实主义。 Baldung Grien在 雕刻 和其他形式的版画。他的作品包括对 “死亡之舞” 和 “女巫的安息日”的 多种解释 ;这种对恶魔主题的偏爱再次受到人们对人体所有动作和扭曲描绘的兴趣的启发。

马蒂亚斯·格鲁内瓦尔德（Matthias Grunewald）

饱受折磨和残缺的世界的景象与文艺复兴时期创造的图像截然相反，因此经常出现在格鲁内瓦尔德的作品中，因此，格鲁内瓦尔德被称为“最后的中世纪神秘主义者”。对苦难的专注是他作品的特征：在二十二幅经鉴定的绘画中，不少于六幅被钉十字架，两幅对基督的哀叹和一幅对基督的嘲笑。恐惧，黑暗，破坏和荒凉是他摄影的主要主题，即使主题需要更积极的阐释，例如对 天使报喜 ， 耶稣降生 和 复活 的刻画。 在艾森海姆祭坛的内侧板上；这些被涂上了强烈的色彩，充满了远比令人愉悦的想象力。 格吕内瓦尔德的主要作品 伊森海姆祭坛（Isenheim Altar） 是在1512年至1515年间为伊森海姆的圣安东尼修道院创建的，当时由高度耕种的意大利人圭多·古尔西（Guido Guersi）指导。修道院吸引了许多著名的艺术家。例如，马丁·雄高（Martin Schongauer）在1470年为高坛画了一幅画。

格鲁内瓦尔德（Grunewald）创建了一个折叠祭坛，由一对固定翼和一对双折叠翼组成，因此可以在不同的礼仪场合中显示适当的场景。当两对折叠翼均关闭时，中央面板代表受难，而固定翼的任一侧都代表圣塞巴斯蒂安和圣安东尼。打开第一对折叠翼，可以看到中央面板上的耶稣诞生，两侧是天使报喜和复活的代表。当祭坛的门打开以进行最后的变换时，雕刻的神殿在中央变得可见，而在两侧，现在露出的第二对折叠翼的内表面分别显示了圣安东尼的诱惑和圣保罗的圣保罗话语。圣安东尼格吕内瓦尔德（Grunewald）将“诱惑”描述为恶魔人物的地狱队伍，他们以圣徒为难，凶恶，可怕的恶魔和地狱的产物，从异教时代手中接过的自然力量的化身，堪称绝妙的动物。

阿尔布雷希特·杜勒（Albrecht Durer）

中世纪的遗产和现代先锋精神在阿尔布雷希特·杜勒（Albrecht Durer）的作品中达到了最完美的综合，中世纪德国画家的特征-他们的田园诗般的礼物，他们的宗教热情以及对日常生活的敏锐观察，以及他们的能力Durer的作品中都包含了以微妙的道德底蕴渗透世俗主题的方法，但是他超越了其局限性，取得了新的成就。他不断努力地寻找新经验，以及与他们面对面时保持完全公正的态度，这使纽伦堡大师在他的时代中独树一帜。杜勒19岁那年，离开了他的老师迈克尔·沃尔吉姆特（Michael Wolgemut）的工作坊，前往人文主义运动的中心巴塞尔（Basle），在那里他以a夫的名字闻名。四年后，他前往威尼斯。威尼斯人的色彩缤纷和佛罗伦萨画作的线性结构给这位年轻画家留下了深刻的印象，但是回到纽伦堡之后，他接受了意大利的经历进行了仔细的审查，然后接受并将其纳入自己的画作中。尽管受到了意大利人的启发，但他对裸体的研究以更加科学的方式进行，他的著名作品 关于人类比例 的论文在清晰度和逻辑 上 优于意大利的艺术理论作品。 他希望通过对裸露的身体进行无数次测量，希望为它找到一个数学公式，而他在解释人形及其运动方面的绝对确定性正是这些努力的结果。

丢勒的 画画 通过不断对周围环境进行详尽的检查，尤其是对自然的密切观察，水彩画和水彩画展示了他的艺术进步的程度。 18岁那年，他画了 《电线绘图厂》 ，这是他家乡大门外的一处风景，风景如画，坐落在绿色草地和缓缓丘陵上的河上。该磨机已不复存在，但由于Durer的精度，已经可以确定其确切位置。纽伦堡的西门Spitteler Tor位于左上角；中心的教堂是圣莱昂哈德（St. Leonhard），从那里的草地被称为 哈勒维森（Hallerwiesen） ，就像今天一样下降到河里。 阴暗的阴天产生一种庄严的光线，柔和的色彩可以避免光线和阴影的过度影响，同时提供良好的可见性。 尽管存在某些错误 线性透视 就构架房屋，行人天桥和左边的小墙而言，图片传达了个人经历的生动印象，即基于无理想意图的精确观察对自然的描述。

Durer的观察的直接性在对风景的真实写照中如此有效，从而导致了更进一步，更详细的发现，并通过他 的《草皮大片 》极大地完善了文艺复兴时期的现实主义 。 从地球上脱离出来的大自然的一小部分，似乎是偶然地变成了 艺术 。 下半部分自然荒野的灌木丛般的不可穿透性逐渐转变，直到每个叶片和叶片从发光背景中以和谐的顺序突出。 无关紧要的细节不断扩大，自然界的原始奇观在智力和情感上都得到了体验。

杜勒在水彩画和 文艺复兴时期的 绘画中显示出与自然的关系 远比在绘画中 更接近自然 ，这不仅是因为他认为银点或画笔和水彩画是比油画更好地再现自然印象的媒介，而且因为那时人们期望画画传达的东西不仅仅是描述。 因此， 自画像 1498年作的油画绝不能被视为忠实的肖像，而应试图以尽可能有利的姿态展现自己。精心绘制的高贵服装的时髦细节表明了他的品味和生活方式，他的批判性，略显傲慢的表情表明了自信和内在的高贵，而非常显眼的签名-著名的Durer会标证实了他不再自以为是匿名工匠；签名上方的解释性注释为“我是按照我的相像来做的，当时我只有六岁和二十岁”。他采用了景观设计，给意大利人留下了宽广的印象。南蒂罗尔的风景本身就是他第一次去意大利的暗示。

四十岁时，杜勒（Durr）站到了鼎鼎大名的时候，他又回到了 麦当娜与柴尔德 （ Madonna and Child） 的传统主题 。这可以解释为这位成熟艺术家的保守主义标志，但实际上，他的麦当娜-一共创作了七幅在不同时期创作的画作-是一种测试知名主题新艺术经验的方式。他 于1506年在威尼斯创作 的《玫瑰花环盛宴 的 麦当娜》的 刻画描绘了 一个被圣人和天使包围的富丽堂皇的人物，而在绘画 《梨 中的 麦当娜》中 她只是一个母亲而已，没有神秘的象征，但仅凭艺术手段就能获得超自然的光芒。 有限地使用颜色可以保留狭窄图像的亲密感。 明亮的蓝色有效地突出了柔和的温暖肤色和头饰的金黄色。 麦当娜的内向表情和姿势与孩子坚强而不受约束的活力之间的对比可以实现令人神往的效果。 这种强大的生命力通过儿童身体的强大造型而得到进一步增强，从而使造型更加生动。 神的儿子已经成为人。

小汉斯·霍尔拜因

文艺复兴时期的重大成就之一是发现了人作为个体，这一点在当代得到了体现。 肖像画 。 像大多数文艺复兴时期的思想一样，肖像画艺术起源于意大利，但后来由汉斯·霍尔拜因（Hans Holbein）精通。霍尔拜因虽然在德国出生和成长，但他属于欧洲，文艺复兴时期和人文主义欧洲，产生鹿特丹伊拉斯姆斯的欧洲，法国的弗朗西斯一世，托马斯·莫尔爵士，亨利八世和梅兰奇顿。霍尔拜因从本质上说是德国人，但他的发展需要比他的祖国的省级狭offered范围更大的范围和更大的行动自由。因此，他经常前往意大利北部和法国进行长途旅行，并寻求巴塞尔，鹿特丹和伦敦的伟大人道主义者的友谊。即使在加入亨利八世后，他仍然坚持与其他欧洲文化中心保持个人联系。

霍尔拜因最显着的特征之一就是他对周围世界的开放态度，这在他一生中常常给他带来不稳定的谴责。他当然比其他德国艺术家（如Durer）安定下来，但不准备束手无策。例如，人们非常反对他，尽管有重要委员会的承诺，他还是回到了英格兰，拒绝准予巴塞尔议员的紧急要求，要求他定居在自己的家乡。但是，一个在欧洲拥有如此众多知识和政治影响力的人，必然超越了任何形式的中产阶级思想，而霍尔拜因的艺术成就便证明了这一点。最令他着迷的是他那个时代的男人和女人，他用极大的勤奋刻画了他们：充满自信的王子，学者和哲学家，世界各地的男人和富裕的商人，时髦的女士和家庭亲密圈子中的妇女。他总是在敏锐的观察者的安全距离范围内对它们进行绘画，完全专注于他的主题，并否认自己有任何个人参与。由于对他的模特持谦虚态度，霍尔拜因能够创作出具有巨大文献价值的图片。他的画不言自明。他画了一位学者的三幅肖像画：鹿特丹的伊拉斯mus（Erasmus）是一位著名的政治家和教会要人寻求建议和判断的地方。尽管霍尔拜因通常更喜欢全神贯注地展现自己的研究对象，但毫无疑问，他向伊拉兹马斯展示了伊拉斯mus斯的身影，这无疑是为了展示他的智力独立性。一个被描绘成全脸的人必然会展现自己，他必须以某种方式摆出姿势才能以有利的姿态展示自己，而通过侧面展示可以使模型忽略艺术家。在霍尔拜因的伊拉斯mus肖像中，这种转折似乎并不嚣张，但可以通过学者的紧张智力集中来解释，这是通过紧绷的面部表情和书写手来传达的。他敏锐的性格表现出批判的头脑，双手的敏锐度和犹豫不决，以及精心研究的学者的特征。他穿着简单的风格和昂贵的衣服，显示出对简单和品味之美的感觉​​，而手指上的三个戒指则表明，即使是伟大的伊拉斯mus也无法摆脱虚荣。霍尔拜因的出色表现被历史记载所证实，这说明伊拉斯mus公开反对罗马教皇，但拒绝给予路德他所要求的支持，因为改革者的宗教激进主义和不宽容与伊拉斯mus自己的温和与妥协的人本主义思想有太多冲突。

对新教徒的日益狂热是德国绘画突然衰落的主要原因之一。当伊拉斯mus（Erasmus）在1526年写信给霍尔拜因（Holbein）时，认为改革后的巴塞尔（Basle）不再对艺术有利，他指的是新教徒对图片的厌恶。新教徒禁止绘画中的宗教主题。因此，教会在很大程度上停止了艺术品的交易，在农民战争之后，甚至有富裕的王子和商人也撤回了庇护，收紧了他们的钱包，以免引起骚扰者的愤怒。视觉艺术不仅在思想上而且在经济基础上都被剥夺了。鉴于这些事态发展，必须看到霍尔拜因决定在英国定居。

因此，在十六世纪下半叶出现了两种趋势，有时是由同一位艺术家跟随，有时甚至在需要时也同时出现：一种强烈道德化，有点淡淡的绘画风格，旨在作为对绘画的一种让步。新教徒的精神改革目标和宫廷艺术面向意大利文艺复兴时期，表达了统治者对享乐的日益增长的渴望。 两种趋势的特征都在于表面性，与杜勒时期绘画的严肃性形成了鲜明的对比。

克拉纳赫长老的儿子卢卡斯·克拉纳赫（Lucas Cranach） 风俗画 。 除了寓教于乐之外，他还寓意寓言作品，例如《 明爱》 上的《 明爱》 和《 寓言》 ，以及一些出色的肖像画，还创作了一些幽默的例子 体裁画 ，其中 “青春之泉” 是最有趣的游戏之一。 老病残的妇女被带到马车，独轮车和担架上到焕发活力的浴池中，从那里涌现出另一面新的美丽。 厌倦了自己讨厌的妻子的老农们显然希望他们的麻烦除了最终摆脱老妇们之外没有其他回报。 变态后，骑士们迎接了小姐们，他们赶紧带她们穿上漂亮的礼服，并参加跳舞，饮酒和制作欢乐的同性恋生活。

德国文艺复兴版画

在15和16世纪的德国大师擅长的一个专业领域是 图形艺术 。 当时的许多画家在这一领域都取得了卓越的成就，其绘画和版画的重要性常常超过其绘画的重要性。因此，不应该将杜勒（Durr）的水彩画仅仅看作是油画研究。它们本身就是艺术品。这同样适用于Altdorfer对圣克里斯托弗的陈述。纯图形方式，即笔的清晰笔触和白色突出显示，用于说明图例。圣徒的泰坦尼克号性质在线条与微缩景观之间相互作用的戏剧性运动中得到了体现，而这种微缩景观不参与任何具象的场景。纸张的绿色涂层突显了白色的高光，使该组具有像鬼一样的可塑性，而垂直和水平线的平坦，静态背景则突显了这种可塑性。圣克里斯托弗的传说几乎因承担基督的承载者的工作重担而屈膝屈膝，被转化为视觉体验。

雕刻的重要性在Durer时期增加了。最古老的图形技术，木刻，起初只是为了复制绘画意念。在印刷机发明之后，木刻代替了绘画的缩影，因此具有重要的艺术意义。与绘画相比，雕刻所需的时间和材料也更少，因此艺术家无需承担顾客的口味就可以进行正式的实验。由于能够轻松复制，因此新的艺术形式迅速传播。

因此，图形艺术的影响力增强，并开始为其他艺术发展设定风格。这解释了它在德国的巨大重要性以及它与绘画的完全独立。年轻的杜勒尔（Durr）在巴塞尔（Basle）担任a夫，开始了他的艺术生涯，在那里他被委托担任插图书籍。他认为这是表达的完全有效的媒介，后来经常返回。他的木刻系列（ 启示录 ， 大激情 ， 处女的生活 和 小激情。 ）属于他的主要图形作品，与他的绘画作品一样，对他的名声贡献很大。 这次的其他大师，Cranach，Altdorfer，Griinewald，Baldung Grien和Holbein也留下了大量的版画收藏。 印刷品备受追捧，即使是 艺术收藏家 在德国以外的地区，由于德国版画的艺术品质和精湛的工艺，德国艺术家在法国，意大利和荷兰的声誉很高。

中世纪的德国艺术在19世纪经历了复兴，并受到诸如 拿撒勒 由Friedrich Overbeck领导。

反映德国文艺复兴时期艺术运动的作品可见于一些 最好的艺术博物馆 在世界上，例如 巴塞尔艺术博物馆 和 Gemaldegalerie SMPK，柏林 。 有关包含德国文艺复兴时期绘画/木雕的欧洲藏品的详细信息，请参见： 欧洲的艺术博物馆 。

有关德国的下一个文化阶段，请参见 德国巴洛克艺术 ，其中包括对1550-1750年时期的建筑，绘画，雕塑和一些装饰元素的评论。