摄影绘画风格：历史，特征 自动翻译

May Prinsep，饰演“ Beatrice Cenci”（1866年）
拉斐尔前派风格的绘画作品系列之一
由Julia Margaret Cameron创建。

词汇表
简要说明
相机和摄影
条款，请参阅：
艺术摄影词汇 。

相机艺术家
对于基于len的前80个
艺术家和发明家，请参见：
摄影师：19世纪 。

历史与特征

在里面 摄影史 ，“绘画主义”一词是指一种国际风格和美学运动，尤其是在1885年至1915年之间蓬勃发展。 最伟大的摄影师 当时，绘画主义是一种 美术摄影 摄影者通过操纵普通照片来创建“艺术”图像。 摄影运动的兴起是对业余摄影的兴起的回应，这种摄影是由易于使用的照相设备（例如， 柯达 1888年推出的手持式业余照相设备）的发明而引起的。当时，敬业的摄影师认为，业余摄影“指向摄影”的方法破坏了摄影的艺术性以及摄影师作为工匠的作用。 因此，为了维护他们的“ 艺术 “，他们采用了一种更加“专业”的摄影方法（ 在暗室中进行或不进行操作 ），其中包括使用更复杂的相机以及劳动密集型过程，包括重铬酸胶印刷，自制乳剂和铂金印刷。这使得绘画家能够以各种不寻常的，色调微妙的图像形式创造出一种艺术摄影风格。绘画主义兴起的另一个重要因素是摄影与摄影之间的紧密联系。 美术绘画 。 首先，越来越多的 现代艺术家 – 包含 爱德华·马奈 （1832年至1883年）， 埃德加·德加 （1834-1917），以及 保罗·高更 （1848-1903）-在工作室里完成风景或肖像时开始使用照片。 同时，许多摄影家摄影师，例如 阿尔文·兰登·科本 （ Alvin Langdon Coburn） ， 爱德华 ·史提琴 （ Edward Steichen） ， 奥斯卡·古斯塔夫 ·瑞兰德 （ Oscar Gustave Rejlander） ， 格特鲁德·卡塞比尔（Satru Choate Sears） 和 萨拉·乔特·西尔斯 （ Sarah Choate Sears） ，都接受过画家的培训或从事摄影工作。 尽管在第二次世界大战之前，绘画主义并没有消失，但是在1920年以后，绘画主义在人们中逐渐消失了。 在下降的这段时间内，它被更加清晰的图像所取代。 图片主义的代表人物包括：（在美国） F。荷兰日 （1864-1933）， 阿尔弗雷德·斯蒂格里茨 （1864-1946）， 克拉伦斯·怀特 （ Clarence H.White（1871-1925））， 爱德华·史提琴（Edward Steichen） （1879年至1973年）， 保罗·安德森 （1880-1956年）， 查尔斯·希勒 （1883-1965）， 爱德华·韦斯顿 （1886年至1958年）， 曼雷 （1890-1976）和 保罗·斯特兰德 （1890-1976）; （在英国） 朱莉娅·玛格丽特·卡梅伦 （1815-79）， 亨利·桃罗宾逊 （ Henry Peach Robinson） （1830-1901）， 弗雷德里克·H·埃文斯 （ Frederick H.Evans）（1853-1943）， 乔治·戴维斯 （ George Davision） （1854-1930）， 彼得·亨利·爱默生 （ Peter Henry Emerson） （1856-1936）， 亚历山大·基斯利 （ Alexander Keighley） （1861-1947）， Alfred Horsley Hinton （1863-1908）， Malcolm Arbuthnot （1874-1967）和 Francis J.Mortimer （1874-1944）; （在欧洲） Constant Puyo （1857-1953）， Robert Demachy （1859-1936）， Leonard Misonne （1870-1943）， Pierre Dubreuil （1872-1944）， Hans Watzek （1848-1903）， Hugo Henneberg （1863-1918） ）， 海因里希·库恩 （ Heinrich Kuhn （1866-1944）， 阿道夫·法斯宾德 （ Adolf Fassbender） （1884-1980）， 西奥多·霍夫迈斯特 （ Theodor Hofmeister） （1863-1943）， 奥斯卡 ·霍夫迈斯特 （ Oskar Hofmeister） （1871-1937）， 约翰·哈特菲尔德 （1891-1968）， Andre Kertesz （1894-1985）和 拉斯洛·莫霍利·纳吉（Laszlo Moholy-Nagy） （1895年至1946年）。

有关基于镜头的艺术的美学和艺术本质的简要指南，请参阅： 摄影艺术吗？

杰夫·沃尔（Jeff Wall）的《风的突然狂风》（1993）
这张照片仿照了 北斋 ，标题为：
“骏河省葛饰北斋野ji站”（1832年）

背景

摄影家摄影师关心的是制作据说在美学上令人愉悦的照片，即那些具有人们美感的照片。 （有关更多信息，请参阅： 美学 。）“图片摄影”或“图片主义”一词用于描述这类照片，其中 艺术品质 比记录现实更为重要。 例如，纪录片摄影师可能会在肮脏的后街房屋外的人们进行记录，以说明恶劣的住房条件。 摄影摄影师可以通过使用柔焦相机镜头将人们归类为令人愉悦的形状，然后等到雨后街面闪闪发光，可以进行喜怒无常的大气研究。 一张照片可能被称为 住房问题的受害者，格拉斯哥 ，另一张被称为 黄昏 。 显然， 纪实摄影 摄影作品可以相距甚远。

多年来，人们对摄影摄影的态度也发生了变化。 尽管今天难以置信，但绘画主义在1880年代后期被认为是现代的和实验性的。 这是因为它与19世纪中叶早期的“高级艺术”摄影朝着直接来自自然的艺术摄影脱离了现实。 从当时被认为是好的艺术的角度来看，再次尝试看这些照片很重要。

从英国开始，摄影摄影很快就传到了欧美。 严肃的业余爱好者非常关注摄影俱乐部和摄影社。 志趣相投的摄影摄影师也组成了独立小组。 展览是审稿人争论和战斗的战场。 最终，在1920年代和1930年代接管了一种较新的方法-“直拍摄影”，使绘画作品重复出现并被淡化了。
摄影主义使英国在1880年代和1890年代成为新思想的中心，然后似乎阻碍了其严肃的业余摄影技术的发展。 它留给了美国和欧洲的摄影师，以进行更新和更具实验性的方法。

绘画主义的起源

像艺术团体一样，在19世纪下半叶出现在许多城市的摄影社团定期举办会员作品展览。 相机是拍摄照片的新方式，但是摄影师非常意识到它只是“机械记录介质”。 自然，他们希望被视为和公认的艺术家一样优秀。 因此，为了授权使用“机械制作”，早期的摄影师遵循了当时绘画的内容和风格。 这意味着要采取浪漫的态度，强烈表达情感和戏剧性，并经常使用历史或文学的主题。 该 拉斐尔前派 绘画风格-画家喜欢 罗塞蒂 （1828年至1882年）， 弗雷德里克·莱顿 （1830至1896年）， 爱德华·伯恩·琼斯 （1833-98）和 约翰·威廉姆·沃特豪斯 （1849-1917）-在1850年代主导了英国皇家学院的展览。 崇高的，诗意的和宗教的主题受到感性的对待，但画得非常细致，并仔细考虑了准确性。 他们的工作方式与上世纪文艺复兴时期绘画前的画家相似 拉斐尔 （1483年至1520年）。

艺术评论家 被送去审查摄影展览的人自然会将这种新的绘画与绘画相提并论。 他们建议摄影师避免平凡的日常场景，遮盖“丑陋的事实”，并且如果他们想将摄影提升为高级艺术，则可以美化他们的主题。 当您考虑相机提供的细节和准确性时，这并不容易实现。 为了解决问题（并帮助解决诸如长时间曝光等技术难题），专门安排了主题和场景。 人们穿着服装，并在​​安排好的环境中摆出艺术姿势。 照片必须做得漂亮，就像专业工作室在舞台上管理一样 肖像艺术 此时。

“高级艺术”照片的主题选择也受到很大限制。 从圣经中选择情节，或者从像Tennyson或Longfellow这样的现代诗人中讲出一个有说服力的短语，或者从生活中找到一些戏剧性的场景，例如“海之家”，是最安全的。 维多利亚时代的人喜欢那些叙述故事并具有道德风范的图片，例如当时的绚丽小说。 他们喜欢场景，这些场景展现在眼前的细节十分清晰，经过彻底的处理和完成。 因此，从某种意义上讲，绘画具有像今天的电影或电视那样的讲故事的功能，特别是对于许多无法阅读的人而言。

想象一下，参观1857年的曼彻斯特艺术珍品展览。到处都是伦勃朗和范戴克斯，还有Philip Delamotte（1821-89）组织的500多张英国和欧洲照片。 引起最大轰动的照片是 奥斯卡·古斯塔夫·瑞兰德（Oscar Gustav Rejlander）的“ 两种生活方式” ，这是一部具有故事情节的大型合成照片，其中包含超过21个人物肖像。 一位父亲带领两个儿子进入了广阔的世界。 一个看起来很满足的人转向了有价值的生活-知识，产业，婚姻生活，宗教。 另一位则从父亲的指导转向“不良”影响，包括无所事事，酗酒，性行为和赌博。 这张照片可与著名的画作 “画家工作室” （1855年，奥赛博物馆，巴黎）相提并论，后者两年前由 古斯塔夫·库尔贝 （1819年至1877年）。

Rejlander是前画家，曾在沃尔夫汉普顿（Wolverhampton）经营一家工作室，主要为艺术家制作参考照片人物研究。 从某种意义上说， 两种生活方式 是他的商品的目录。 他使用了30多个单独的底片来创建自己的画面-单独或成组地拍摄艺术人物形象。 背景是在朋友的花园里拍的。 Rejlander自己的工作室里的窗帘。 他以每张10几内亚（合10.50英镑）的价格出售全尺寸版画，这笔巨款相当于3个月的平均工资。 减小尺寸的复印件要花十二先令和六便士（62便士）。

其他高级摄影师，例如 亨利·佩奇·罗宾逊 （ Henry Peach Robinson） 也使用了组合技术，但大多数情况下，他们在镜头前对整个照片进行了舞台管理。 使用在房子周围可以找到的任何零散碎片进行设置。 朱莉娅·玛格丽特·卡梅隆 （ Julia Margaret Cameron ，1815-79年）沉迷于许多这样的幻想中，与那些模糊的肖像相比，这些结果更受同行摄影师的赞赏。

这些摄影师选择的虚构，文学主题很难用像摄影这样逼真的东西来描绘。 （即使是今天，也很难用照片来说明杂志的故事或小说。）在艺术家中，摄影师开始被视为愚蠢的傻瓜-仅仅知道如何使用机械装置的新贵。 在摄影师中，1870年代和1880年代的高级艺术摄影是一个舒适而封闭的世界。 亨利·桃·鲁滨逊（Henry Peach Robinson）写了一些书，列出了允许或不允许的内容。 除了更好的技术外，实际上所有的摄影作品都是在1850年代后期完成的，这本身就是10年前学术画的复制品。

彼得·亨利·爱默生与自然主义

正如一位作家所描述的那样，“这就像是在茶话会上掉下来的重磅炸弹”。 茶会是鲁滨逊及其追随者的受限世界。 重磅炸弹是 彼得·亨利·爱默生 （ Peter Henry Emerson） 博士于1889年写的一本《为艺术学生拍摄的自然摄影》，他是由医生转而在东安格利亚工作的摄影师。 艾默生（Emerson）认为摄影师模仿模仿主题和方法是愚蠢的 学术画 。 使用相机作为方便的机器来构造图片是错误的。 摄影是一种更为独立的艺术形式-完全应得其他摄影作品的地位 精美艺术 。

他敦促摄影师研究自然现象而不是绘画。 看看相机的磨砂玻璃对焦屏上的镜头所赋予的自然场景图像之美-以及它引起的情绪和情感。 本质上使用诸如焦点和照明之类的 摄影 效果，而不是使用虚假的组合印刷技术来赋予图片质量。

摄影也应该符合人类的视野。 艾默生以其科学背景指出，眼睛一次只专注于场景的一部分。 视觉在观看场景的边缘不明显，并且在中心附近最为详细。 因此，“整体”清晰度（在高级艺术中被认为很重要）是不自然的。 通过使某些对象不如其他对象锐利并且在照片的角落和边缘具有柔焦效果，结果将更自然，更接近真实。 艾默生补充说，每位摄影专业的学生都应尝试制作自己的照片，这表明作者有话要说并且知道如何说。

艾默生不仅是一位有影响力的作家和讲师，而且还是自然景观的杰出摄影师。 早在1886年，他就发行了相册“诺福克大草原上的生活与风景”，其中包含40张实际印刷品（艾默生的联系人在铂金纸上印制了他的大型底片，从而以柔和的银灰色提供了极为永久的图像）。 他总共出版了8个收藏集-带有粘贴的铂金版画或通过照相凹版印刷的金属板制成的油墨复制品。 他对“真实”场景的未经修饰的解释（现在借助更快，更方便的干版帮助）对受“可接受”摄影挫败的年轻摄影师产生了巨大影响。

鲁滨逊和他的追随者当然抨击了这一新趋势。 他们辩称，艾默生完全缺乏想象力，“健康的人眼从未见过场景的任何部分都无法聚焦”。 摄影永远不可能是真正的自然主义。 毕竟，底片细节的负片会产生过度曝光的无特征的天空。 但是一个底片暴露在天空中，另一个底片暴露在地面细节上，然后组合印刷，可以使结果更加真实。

艾默生在他的影响力达到顶峰之时突然放弃了他的自然摄影-部分是由于Hurter和Driffield的新发表的研究，他认为摄影证明了固定范围的色调是用户可以控制的。 1891年，艾默生在一部名为“自然主义摄影之死”的戏剧性小册子中，收回了他所说的关于摄影是一种艺术形式的所有观点。 但是到那时，为时已晚。 审美摄影的一种更直接形式的观念已经突破了高级艺术的规则和主张。

链接环

每个摄影摄影师都将他在展览中的挂画视为一个伟大的目标。 展览非常重视。 1880年代的英国是伦敦摄影学会的基础上的世界摄影摄影中心（很快成为皇家摄影学会）。 但是在1891年，成员之间引发了一场激烈的辩论，这在很大程度上是由于社会对科学和贸易（专业）摄影以及具有艺术意图的摄影的垂涎。 在年轻成员的作品上也存在分歧，表现出柔和的焦点和散布，而老年传统主义者则反对。

最终，在1892年，一群摄影师离开了，他们发现了自己的突破性运动“是为了更好地激发绘画理想”。 （这是艺术动荡的好时机，有小团体或“兄弟”从正式机构中分裂出来）。 他们自称“ The Linked Ring ”，这个名字与这些摄影师的组织方式有关，仅受邀请，而没有主席或展览悬挂委员会-该小组由每个“链接”依次组织，仅一个月。 早期的成员包括 George Davison ， Frank Sutcliffe ，业余摄影师， A。Horsley-Hinton ， Frederick H. Evans的编辑 以及自然主义摄影的大多数追随者，但自the弃的Emerson也是如此。 第二年，他们举办了第一次年度画展，称其为“环链摄影沙龙”。

欧洲也发生了同样的事情。 在1890年代初期，维也纳摄影俱乐部，巴黎摄影俱乐部以及汉堡和都灵的俱乐部成功举办了仅限于摄影作品的展览。 您会发现这些“沙龙”中挂着的工作在各个国家之间并没有太大差异。 许多摄影师已经将艾默生的有限视觉清晰度理论阐述为整体柔焦效果。 通过扩散来散布图片的高光也使它具有类似于艺术中一种相对较新的运动风格的效果，即 印象派 在1873年至1893年左右繁荣起来。

设计了照相印刷工艺的新变体，其给出了重铬酸胶图像。 通过用颜料涂抹，您可以在完全控制色调值的情况下手工制作图像-克服了Hurter和Driffield证明的普通纸张中存在的灰度色调关系。 其他各种技术被用来使照片失去锐度和细节，并具有绘画的质量。 人们使用针孔相机，将其打印在涂有乳胶的粗糙绘图纸上。 图像被调成类似 粉笔画 要么 蜡笔画 。

这个动作并不是对高画质的回归-镜头前的主体现在大多是真实自然的。 旨在使该过程看起来 尽可能少于照片而尽可能象绘画 。 也许这也是对刚在使用柯达相机工作的速成摄影大军的反应。 变得不同，更严肃，地位更高并且意识到绘画美学变得很重要。

并不是所有的新摄影摄影师都以相同的方式工作。 有些方法的方法明显“更直”。 例如，这两个绘画家 罗伯特·德马基 （ Robert Demachy） 和 弗雷德里克·埃文斯 （ Frederick Evans） 的作品之间的差异就证明了这一点，他们的绘画 风格完全 相反。

罗伯特·德马奇

罗伯特·德马奇 （ Robert Demachy） 是一位银行家，业余画家和摄影师，并且是巴黎摄影俱乐部的主要成员。 Demachy展出的几乎所有照片都使用某种形式的操纵过程来消除“无趣和不必要”。 大多数是通过口香糖或油脂工艺印刷的人物研究。 他有说服力的解释了为什么他要这样工作。 德马奇认为，一件艺术品必须是笔录，而不是自然的复制品。 自然之美本身并不能制成艺术品-这只能通过艺术家表达自我的方式来体现。 无论是用刷子，钢笔还是照相机，大肆复制自然，都不能称为艺术。

对于使用“笔直”方法的摄影爱好者来说，德马奇（Demachy）没有时间。 他指出，在所有最好的画作中，您都可以看到艺术家介入了平凡的现实和最终作品之间。 特纳画的日落存在吗？ 伦勃朗的场景是否像它们看上去那样？ 即使由艺术家拍摄，直拍照片也可能不是一件艺术品，因为只要不是同一位艺术家的其他人，只需在同一位置立即设置相机，就可以精确地重复拍摄。 直版印刷可能适合对这个主题有特殊事实兴趣的纪录片摄影师，但是绘画摄影运动的整个想法肯定是脱离记录的。

弗雷德里克·H·埃文斯

弗雷德里克·H·埃文斯（Frederick H. Evans） 在电影《环环》（The Linked Ring）成立几年后就加入了该组织，但他坚信摄影作品采用“更直截了当”的方法。 埃文斯（Evans）是伦敦的书商和业余摄影师，后来成为专业人士。 他的学科范围广泛，从肖像到《 乡村生活 》杂志的建筑研究。 他在沙龙展览中广为人知的一张典型照片被称为“阶梯之海”，并展示了Wells Cathedral的Chapter House阶梯。 该主题是一个特定的13世纪楼梯这一事实，并不比Evans传达他的脚步声一波又一波的感觉重要。

埃文斯认为，视觉是摄影中最重要的一个方面。 最好使用诸如在一天的特定时间选择视点和光的方向，或由不同天气情况给出的阴影的柔和度或硬度之类的因素，在相机的对焦屏或取景器上进行图像制作。 埃文斯（Evans）花了数小时在大教堂上行走，确定了他要描绘的区域后，便在不同时间返回，以查看明暗变化的影响。 所有这些都在他的大型平板相机和19英寸蔡司镜头被拆开之前就已经完成了。

弗雷德里克·埃文斯（Frederick Evans）相信简单，简单，直接的摄影，尽管他在技术上非常谨慎，以确保他的底片能够再现出他认为对该主题很重要的所有精致色调值。 印刷同样简单明了-通过接触铂金纸进行印刷，使用整个图片区域，并且完全无需手工处理图像。

埃文斯（Evans）在摄影机背后而不是在暗室中做出创意决定的想法与德玛奇直接相反。 他认为，确实有可能两名摄影师使用相同尺寸的相机依次占据同一地点，但只有一名摄影师可以制作出比例，氛围和空间感完美的照片。 另一个将由于镜头，相机高度，时间等错误选择而失败，但最重要的是对他实际看到的景象和美味不做出反应。 太多的摄影师试图通过伪装成艺术品来伪装成艺术品。

斯蒂格利茨和照片分离

彼得·亨利·爱默生（Peter Henry Emerson）于1887年担任《 业余摄影师 》杂志举办的竞赛的评委。 他获得了柏林理工学院一名年轻美国学生阿尔弗雷德·斯蒂格里茨（Alfred Stieglitz）送来的自然研究街道顽童的一等奖。 施蒂格利茨（Stieglitz）曾在德国学习工程学，但对摄影越来越感兴趣。 他参加了光化学课程，并对艺术家的作品进行了自己的研究。 施蒂格利茨（Stieglitz）拍摄的照片虽然是图画，但是却笔直而通常没有被操纵，尽管他对这一点的重要性不及艾默生（Emerson）痴迷。 他们大多以日常生活中的简单场景为特色。 许多人被吊死在1891年的维也纳沙龙中，受到极大的钦佩。

因此，斯蒂格利茨回到纽约后发现那里的美国摄影师仍在努力追求高艺术手法，这使他感到震惊-比英国和欧洲大陆落后了几年。 一段时间以来，他在新的照相制版业务中担任合伙人，制作照片印版。 他继续在纽约街头及周边地区使用手持平板摄影机继续拍摄照片。 但是与 雅各布 ·里伊斯 （ Jacob Riis） 和 刘易斯·海因 （ Lewis Hine）不同 ，斯蒂格利茨甚至在最普通的日常场景中也将这座城市视为美丽和形式的源泉。 他对天气状况的视觉效果特别感兴趣，有时需要等待数小时才能正确放置人和物体。

使用手持相机的摄影家的想法很不寻常，但斯蒂格里茨也敢于裁剪图像，通常只打印底片中能提供最佳构图的部分。 他此时的某些照片具有柔和的细节和细腻的色调，类似于 印象派绘画 他曾在欧洲敬佩。

到1894年，斯蒂格利茨的作品使他当选为“环链节”的第一批美国成员之一。 第二年，他离开了 雕刻 私人收入少的公司，决心鼓励在美国从事创意摄影。 美国 业余摄影 Stieglitz被任命为编辑，在创作和技术事务上博学多才，并为他选择打印的摄影作品设定了高标准。 实际上，这是他的不折不扣，因为他侮辱了读者拒绝接受他们的作品，不得不离开。

不久，他为《纽约摄影俱乐部》（New York Camera Club）编辑了一本室内杂志《 Camera Notes》 ，他是该杂志的副主席。 施蒂格利茨决心使该杂志为现代绘画而努力。 他发现并复制了 克拉伦斯·怀特 （ Clarence White） ， 爱德华 ·史蒂琴 （ Edward Steichen） 和 格特鲁德·卡塞比尔 （ Gertrude Kasebier） 等不知名的年轻美国摄影师的 作品 ，但俱乐部成员抱怨他未能为自己的照片投入足够的空间。

因过于雄心勃勃而被挤出，1902年，斯蒂格利茨有机会在著名的国家艺术俱乐部展示自己的作品和发现的作品。 在他称之为“ 摄影分裂国家 主义者”的作品的那一刻起，艺术分裂意味着脱离公认的观念，例如： 维也纳分裂国家 ）。 起初，斯蒂格利茨是唯一的分裂主义者，但他很快说服其他参展商成为新 的分裂国家 组织的创始人，该组织的目标是“将致力于摄影的美国人团结在一起，并展示已经取得的最好成绩”由其成员”。 他们推进摄影的许多想法都与“ The Linked Ring”相似-一个紧密联系的团体，仅受邀请才能成为会员，并且着重展览。 但是，他们对样式的接受程度更高-从直接摄影到 Coburn 和 Steichen 当时使用的分散的胶印刷工艺。

在斯蒂格利茨，他们也有一个非常独裁的领袖。 他只允许摄影爱好者集体展示他们的作品，然后只提供（未经他批准的）所有作品都悬挂而未提交任何展览选择委员会的作品。 尽管持这种傲慢态度，但斯蒂格利茨在各种绘画风格中保持高水准的才华得到了回报。 在欧洲大部分主要展览中悬挂的集体作品证明了个性表达摄影的一种独特媒介是什么。

从1903年开始，斯蒂格利茨资助，出版和编辑了分离主义者自己的季刊《 相机工作》 ，以展示当代摄影作品。 它包含来自世界各地的作品，书面批评，展览评论以及关于艺术和摄影趋势的文章。 凹版印刷的插图在最好的纸上质量非常出色（毫无疑问，Stieglitz的照相制版经验是有帮助的）。 到1905年，斯蒂格利茨还在第五大街291号开设了一个小画廊，以展示和出售照片，以及后来的现代素描和绘画。

画廊和杂志都帮助向美国介绍了英国和欧洲摄影师的作品。 在第一年内，范围从 希尔 和 亚当森的 回顾性照片到 弗雷德里克·埃文斯 的最新作品。 斯蒂格里茨再次坚持要准确选择他要挂的照片，但是要区分摄影师。 他还展示了自己的作品，其中包括艺术家和摄影师的肖像以及他的城市场景-沉闷，大气，充满浓郁的色调。 在许多方面，一个人作为评论家，作家，艺术品经纪人和摄影师的努力将摄影摄影新思想的中心从英国转移到了美国。

爱德华·史提琴（Edward Steichen）

斯蒂格利茨的一个重要的当代人物是 爱德华斯蒂兴 。 他是学徒制版画家和业余摄影师，他出生于欧洲，但在美国长大。 他参加了由阿尔弗雷德•斯蒂格利茨（Alfred Stieglitz）评判的展览的一些工作，导致他们在“ 摄影笔记”中 出版。 在巴黎学习了一段时间后，主要是想成为一名画家，Steichen柔和的低调肖像和风景被包括在他作为创始人之一的1902年照片分离主义秀中。

在为斯蒂格利茨设计并帮助建立 291画廊后 ，他回到了欧洲。 在这里，他既绘画又摄影，包括使用Lumiere的新型Autochrome板彩色肖像。 他从巴黎安排了当时不知名的艺术家的绘画作品 亨利·马蒂斯（Henri Matisse） （1869-1954）和 巴勃罗毕加索 （1881-1973）被发送挂在291。

后来，在第一次世界大战期间担任美国陆军摄影侦察官的经历后，施泰辛放弃了绘画，彻底改变了他早期操纵的摄影风格。 他教自己使用具有清晰硬边细节和完整色调范围的图像。 到1920年代，他已成为 Vogue 和 Vanity Fair 杂志的首席时尚和肖像摄影师。 Steichen结束了他作为摄影策展人的职业生涯 纽约现代艺术博物馆 在1940年代末和1950年代。

绘画主义的衰落

同时，在第一次世界大战之前的那个时期，摄影摄影的新动向已经用光了时间。 到1909年，“环网”已经建立起来，扼杀而不是鼓吹新思想。 缺乏领导力现在在“联系”之间引发了可观的争论和内f。 在照片分裂国家内，许多成员转为专业人士，并在1912年左右逐渐离开。该组织的目标意识似乎已经消失。

现已推出291 Gallery和 Camera Work 现代绘画 和 画画 比照片更常见。 最后两个问题专门介绍了一位年轻的美国摄影师保罗·斯特兰德（Paul Strand）采取的惊人直接方法，但现在订户已降至40人以下。1917年，斯蒂格里茨关闭了出版物和画廊，离开了他的妻子，并以一个29岁的艺术家， 乔治亚·奥基夫 （1887-1986）-他于1924年结婚。

在第一次世界大战之后，斯蒂格里茨处于总体变化状态，但最终却视而不见了。 他自己的摄影作品正在发生变化，他正在探索一种更个人化的图像形式，通过树木，云朵等的象征性照片表达对生活的感受，他称之为“等效物”。 他于1925年继续开设“ 亲密画廊” ，其后继者一直经营直到1946年去世 的“美国广场” 。这些地方经常是摄影或绘画创作者的聚会场所。 他始终致力于新兴国家，始终反对具有重复性消极影响的机构。 得益于斯蒂格利茨（Stieglitz）这样的先驱，人们种下了种子，随着人们逐渐认识到摄影作为一种与绘画分离和不同的美学媒介，人们的摄影才逐渐发展起来。 实际上，有一些 美国艺术博物馆 像MOMA，古根海姆博物馆和大都会博物馆这样的博物馆，早在1910年就开始以与其他艺术形式相同的方式购买照片。英国博物馆仿效了将近50年。

绘画对摄影的影响

很难证明绘画和摄影之间的双向影响。 然而，“环环相扣”和“照片分裂国家”的形成时期也见证了艺术界其他领域的革命。 早在1874年的法国，画家 克劳德·莫奈 （1840至1926年）， 奥古斯特·雷诺阿 （1841-1919）， 卡米尔·毕沙罗（Camille Pissarro） （1830-1903）和其他人组成了一个“分裂主义者”组织。 他们在最近撤离的巴黎工作室展示了他们的作品。 评论家使用了莫奈（Monet）的水景之一，名为“印象：日出”。 路易·莱罗伊 （1812-1885）作为新画家的名字的基础，后来被称为印象派画家。

该运动与当时的传统绘画背道而驰，旨在实现最大可能 自然主义 试图通过完美地控制色调和色彩来描绘物体表面的光的运动。 多数印象派绘画都有光的氛围，而物体则缺乏牢固的轮廓。 许多是在门外生产的 空气画 样式，可以观察和渲染自然状况的短暂变化。 所有 巴黎印象派展览 在1876年到1886年之间（当时该小组解散以允许成员分别工作）时，他们受到的热情是彻头彻尾的，如果不是完全敌对的话。 的第一次展览 印象派画家 直到1889年，即“环链节”的形成之前的三年，才出现在伦敦。 同时，照片分裂主义者也承认，他们受到当时画家风格的影响，例如 让·巴蒂斯特·卡米尔·柯罗 （1796-1875）或 惠斯勒 （1834年至1903年）。

另一方面，画家通常不愿使用照片，尽管他们经常拍摄或委托它们作为参考。 他们也负担不起 不去 冒险摄影师拍摄的新型图像。 看看莫奈（Monet）在城市街道上描绘动人的人物或闪烁的树木叶子的方式。 黑白摄影作为一种艺术形式的普遍发展一定会鼓励印象派画家强调 在绘画中 使用 色彩 。 实际上，画家之间朝着更多的个人表现力和更少的现实主义迈进的普遍运动可能是由于需要与摄影保持距离而影响的。

摄影运动的一个奇怪特征是，尽管英国在1890年代提供了当时最重要的突破性摄影运动（《环环》），但二十年后却没有进一步发展-实际上，英国摄影已经失去了美国。 这在很大程度上是由于传统在英国对避免新颖性的重要性。 新想法被认为是威胁。 一些在第二次世界大战之前在英国工作的摄影师，例如 AL Coburn ，仍然设法冒险-但总的来说，压力很大，反对个人走出困境。

后现代主义绘画主义

从1970年左右开始， 后现代主义艺术 时代 见证了“阶段性”写实 主义 摄影的复兴。著名 后现代艺术家 采取这种风格的人包括： 辛迪·谢尔曼（Cindy Sherman） （b.1954年生）探索超现实主义； 杰夫·沃尔 生于1946年（b.1946年），他创作了 《突然的狂风》（北斋之后） （1993年，伦敦泰特美术馆）；和 安德烈亚斯·高斯基（Andreas Gursky） （b.1955年生）对 当代艺术 包括 莱茵二世 （ Rhein II ，1999年）-莱茵河的照片，该照片被放大到很大的尺寸，然后进行数字化修改以擦除所有可见的建筑物和人。 2011年11月，它在 佳士得 纽约以438.35万美元的价格成为世界上最昂贵的照片。

画报中的照片和照片定期显示在 当代艺术最好的画廊 全美国。