摄影艺术吗？ 自动翻译

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艺术摄影词汇

摄影是一种基于镜头的艺术吗？

在正在进行的关于是否 摄影 应该被视为基于镜头的一种 美术 ，一些批评家认为，照片是通过应用科学技术而非真正有创意的摄影作品而制作的。 毕竟，他们声称，一个非常 出色的 业余摄影师，配备一台好相机，能够产生完全可接受的图像。 相比之下，一个不知道如何绘画，雕刻或雕刻的人将很难创建出可接受的绘画或雕像。 因此，他们指出摄影无法与 绘画 ， 要么 雕塑 。

其他评论家不同意。 他们说，正是因为摄影与绘画和雕塑的差异如此之大 美学 应用。 此外，他们挑战任何画家来绘画一幅与精心构图的照片一样引人注目的照片。 例如，国王查理一世在脚手架上向人群讲话的瞬间，将比同一场景的绘画产生更大的影响。 而且由于相机捕捉了现实，所以影响力是相机艺术的重要组成部分。 最后，即使未经培训的相机操作员设法拍摄出可接受的照片，也不太可能与专业摄影师拍摄的照片的创意相匹配。 他们说，由于所有这些，摄影可能不仅是最新的摄影之一。 艺术类型 ，甚至可能是 现代艺术 -直接反映了现代科学时代。

这些问题已由艺术家和艺术家面对和讨论。 艺术评论家 在整个19世纪和20世纪。 举例来说，这是《泰晤士语简介》和哈德森精彩的新出版物《 摄影：整个故事》 （2012）的扩展摘录，这是对基于镜头的艺术感兴趣的人必不可少的书。 例如，它对照片的选择和分析非常出色。

著名艺术摄影师
黛安·阿布斯（Diane Arbus） （1923年至1971年）
怪胎的摄影师。
戴维·贝利 （b.1938）
人像/时尚照片。
塞西尔·比顿（Cecil Beaton） （一九零四年至1980年）
肖像摄影师。
罗伯特·杜伊斯瑙（1912-1994）
法国街头摄影师。
沃克·埃文斯 （1903至1975年）
抑郁时代的肖像。
优素福·卡什（Yousuf Karsh） （1908年至2002年）
正式的肖像画家。
安妮·莱博维兹（Annie Leibovitz） （b.1949）
名人肖像画家。
莫霍利 – 纳吉 （1895年至1946年）
以摄影而闻名。
诺曼·帕金森 （1913年至1990年）
以室外肖像而闻名。

摄影图像：部分真实，部分想象

为什么摄影图像如此吸引人？ 我们中的许多人现在每周甚至每天都拍照，这一事实并没有减少个人快照或在画廊，博物馆或书籍中发现的作品的魔力。 放在相册中或在社交网站上发布的图片会使我们大笑。 当我们遇到来自 摄影史 例如，赫伯特·庞廷（Herbert Ponting，1870-1935）拍摄的20世纪早期南极洲照片，我们着迷了。 庞廷从1910年至1913年的英国南极探险队拍摄的影像使遥远的过去令人振奋地呈现。 然而，这些图像并非仅仅是历史文献：很明显，即使在这种禁止的条件下，摄影师也决心不牺牲任何美学效果。 摄影既属于现实领域，又属于想象力领域：尽管有时摄影胜过另一摄影，但它从未完全放弃任何一种。

摄影过程：Daguerreotypy，上镜绘画

当它于1839年1月向世界宣布时，便有可能捕获在 照相机暗箱中 看到的图像（ 画画 将艺术家所看到的东西投射到可以复制其主题的表面上），似乎人类的创造力是无限的。 Daguerreotypy-由Louis-Jacques-Mande Daguerre（1787-1851）在法国开发，在一块小金属板上产生了非常详细的图像，就好像一面小镜子照在大自然上一样。 1月份宣布了daguerreotype的消息之后，亨利·福克斯·塔尔伯特（Henry Fox Talbot）（1800-77）在英国开发了另一种摄影工艺的消息迅速出现。 Talbot的过程被他称为“上镜绘画”，在纸上产生的负像具有温暖和毛刺。 图形艺术 。 daguerreotype是一个独特的对象（没有负片），可以使用上镜的图纸制作多个正片。 自从这些开始以来，摄影就在独特性和多样性之间摇摆。 如今，由著名画家创作的独特或限量版摄影作品可以卖出超过一百万美元的价格，与此同时，数字摄影（似乎无止境地复制）在全球传播中起着根本性的作用。

艺术摄影

世界范围内，公共和私人收藏中有成千上万的重要艺术摄影作品，但大多数并不是在考虑艺术展览的情况下制作的。 其中一些旨在说明新媒体可以做什么。 其他人以文件，记录或插图的形式开始生活； 直到后来他们才被视为艺术品。 一些照片，例如书房 尤金·阿格特 （1852-1927）巴黎人观看日食，在真实中发现超现实。 其他作品，包括希波利特·贝亚德（Hippolyte Bayard）（1807-77） 创作的《被淹死的人的自画像》 （1840），都发挥了摄影使小说成为现实的能力。 由于大多数伟大的摄影图像已被追溯为艺术品，因此无法通过提及机芯，学校和陶器来讲述它们的故事。

从1839年摄影术的发明开始，关于媒介的身份和地位的问题不是通过提及其技术渊源而是通过与 视觉艺术 。 很少有人否认摄影是近代的巧妙发明，但许多人认为摄影是对与艺术有关的传统价值观的威胁。 在一个象征性地划分为“绅士”（行使智力和想象力的人）和“操作员”（从事无思想的机械工作的体力劳动者）的社会中，制造照片的机器对现有的社会秩序构成了挑战。

纸上摄影

在1850年代，daguerreotypy和calotypy（Talbot在1841年进行了重大改进后为其工艺赋予的名称）都被湿法胶版照相术取代，该工艺是基于使用玻璃底片来生产纸图像的工艺。 生成的图像通常打印在涂有蛋白（蛋白）的纸上，并具有清晰的细节，巧克力棕色的色调和光泽的表面。 1850年代中期，无论是业余摄影还是商业摄影，都经历了大规模的繁荣。 19世纪的摄影师 充分利用。 纸上摄影的实践已摆脱许可限制，并且两种新格式即将变得非常流行。 立体图（将同一主题的两幅图像略微分开并排粘贴在一张卡上）在特殊观察者中观看时呈现的是三维图像。 这些科目有时具有教育意义，但通常只是为了视觉效果甚至滴定而设计。 来访者 票，也称为专辑或名片照，是一张全长名片，像名片（名片）一样大，强调着装而不是保姆的特征。

反对摄影艺术

摄影在19世纪中叶的普及导致人们对媒介的态度发生了转变。 1840年代和1850年代在英国和法国的有节制习俗得到了非常高的技术和美学实验与成就。 面对1850和1860年代摄影的快速商业化和普及，摄影可能是 艺术 -某些摄影师（从较低社会阶层吸引）可能是艺术家-似乎有些荒谬。 在1857年，艺术评论家和历史学家伊丽莎白·伊斯特莱克（Elizabeth Eastlake）表示，应该庆祝摄影，但前提是摄影不应该冒充超越“事实”的范围。 几年后，法国诗人兼评论家查尔斯·鲍德莱尔（Charles Baudelaire）谴责商业摄影是艺术的“最大致命敌人”。 有影响力的艺术评论家 约翰·罗斯金 曾在1840年代中期在威尼斯将daguerreotypy用作视觉辅助时惊叹于daguerreotypy的真实性，后来对摄影说：“与艺术无关，永远也不会取代它”。 （注：摄影为 山水画 ，并且即将替换 肖像艺术 几乎完全用作创造个人肖像的一种手段，但尚未被接受为一种 独立 的表达方式。）

在1860年代，大多数商业摄影师都将技术质量（例如视觉信息的清晰度和完美的打印质量）视为展示其摄影图像优越性的手段。 这种卓越的技术概念意味着，对于准专业摄影师而言，摄影是一门真实的艺术。 一些著名的人拒绝这种正统观念，并认为摄影是创造理想和现实的复杂编织的一种手段。 这些业余爱好者中最有名的是一个女人： 朱莉娅·玛格丽特·卡梅伦 （1815年至1879年）。 卡梅隆（Cameron）在四十年代末开始从事摄影，并在接下来的十年中，仅出于美学目的就创作了大量作品。 她使用微分聚焦，服装盒子衣服和偶尔的道具来创作边缘柔和，色调温暖的肖像和人物形象研究，后者的灵感来自圣经，文学或寓言题材。 卡梅伦（Cameron）相信是她从事摄影艺术的工作如此大胆，她的特质实践对摄影社展览中所展示作品的谦虚抱有侮辱，以至于摄影界将她描述为不幸的女性怪人。无法正确使用她的设备的人。

Pictorialism

直到19世纪末，摄影的主体性才获得了更广泛的文化合法性。 被称为“ Pictorialism ”的代表人物将摄影作为一种表达媒介进行了推广，他们是从成功的摄影社会及其所获得的技术成就中“成功”的摄影师。 绘画摄影的特征是从绘画艺术中借用的技术和效果。 尽管“绘画大师”图像通常来自清晰定义的负片图像，但通常需要进行大量的暗房操作，才能将图像从这种难以理解的现实中解脱出来，这意味着每幅画都可以被认为是独一无二的。 生成的图像通常以鲜明的色彩打印，并显得柔和，朦胧和梦幻，旨在激发美学而非文字反应。 许多绘画家的作品都唤起了当代人对艺术的高度重视 象征 ，如安妮·布里格曼（Anne Brigman）（1869-1950）的照片 《风竖琴 （1912）》中所见。

直摄影

目前与艺术摄影推广最紧密相关的人物是 阿尔弗雷德·斯蒂格里茨 （1864-1946）是与欧洲关系密切的纽约客。 （注：斯蒂格利茨的妻子 乔治亚·奥基夫 （1887-1986）和他的年轻当代艺术家 爱德华·史提琴（Edward Steichen） （1879年至1973年）也是基于镜头的美术的积极拥护者，并帮助将这种媒介引入博物馆收藏中。）在离开纽约相机俱乐部并创立摄影分离派之后，斯蒂格利茨继续主持在“ 相机工作 ”杂志上，展示了当时国际上最好的摄影艺术作品，包括他自己的作品。 Stieglitz和 Camera Work 在摆脱绘画主义的过程中扮演了重要角色，就像他们在推广摄影术中所做的一样。 早在1904年，评论家萨达基奇·哈特曼（Sadakichi Hartmann）就在《 相机工作 》中撰文，将“直接摄影”一词用作绘画主义软边美学的衬托。 斯蒂列兹 的 《转向》 （ The Steerage ，1907年）出现在1911年的《 相机工作》 中，通常被誉为第一张现代照片。 直到1917年《科学》杂志的最后一期问世，摄影的美感才得以完全实现。 该问题专门针对 保罗·斯特兰德 （1890-1976），包括他现在具有标志性的 华尔街 （1915），将大胆的图形几何与现代生活主题融合在一起。

摄影可以有其自身的美感，其基础是媒介所特有的特质，这种想法对于美国艺术摄影家来说是极具吸引力的，其中许多人都放弃了摄影主义。 爱德华·韦斯顿 （1886-1958）接受了这样一种观念，即摄影的创作不再是在暗室中进行，而是在摄影师对被摄体及其构图的“预可视化”之前进行，然后再将负片暴露在相机中。 1932年，与韦斯顿（Weston）和 安塞尔·亚当斯（Ansel Adams） （1902-84）之间的成员。 韦斯顿（Weston）拥有近乎抽象的静物和裸照，亚当斯（Adams）拥有抒情的风景 纪实摄影 几十年来一直主导着美国的摄影艺术创作。

前卫艺术

在欧洲，第一次世界大战对艺术创作产生了深远的影响。 灰心丧气的艺术家们试图发展出绘画表达方式，以表达对冲突所带来的传统价值观的信仰危机。 战争期间拍摄了第一批非象征性的照片，涉及时间，空间和其他抽象概念，这种激进的创新精神促使人们创作了 前卫艺术 在1920年代及以后。 作为具有流行内涵的现代技术，摄影在前卫艺术领域中处于完美的地位。 该介质（现在通常采用带有“黑白”外观的银色印刷品）被用于 达达 在德国因对社会批评的works讽而著称-例如，参见达达（Dada）的照片蒙太奇 劳尔·豪斯曼（Raoul Hausmann） （1886-1971），汉娜·霍奇（1889-1978）和 约翰·哈特菲尔德 （赫尔穆特·赫兹菲​​尔德（Helmut Herzfeld）（1891-1968）-通过 建构主义 在苏联为新社会打造新的绘画方式； 通过 超现实主义艺术家 喜欢 曼雷 （1890-76）在巴黎，通过视觉笑话和潜意识探索； 并由现代主义者在国际上庆祝新的艺术和设计形式。 摄影因其对现实的把握而适合于这些迥然不同的美学议程。 作为一种现代技术，摄影庆祝了现代与物质。 作为一种机械记录设备，摄影赋予了客观事实以想象力或非理性的重量。 在意识形态上像苏联俄罗斯和美国反对的国家中，一小部分但有影响力的前卫实践者开始将摄影视为现代时代的理想视觉媒介。

商业会破坏艺术吗？

摄影可能已经被前卫艺术家广泛使用，但这并不意味着他们总是认识到摄影与其他艺术的平等性。 这部分是因为它以名人肖像画，广告和时尚形式商业化。 传记作者，艺术史学家和策展人都对摄影状态感到焦虑，他们掩饰了摄影师职业的商业元素，以确保他们成为艺术家。 如今，众所周知的是1920年代巴黎前卫艺术中的主要摄影师-曼·雷（Man Ray），安德烈·克特斯（Andre Kertesz）（1894-1985）和 布拉塞 （1899年-1984年）-全部从事委托工作。 曼·雷（Man Ray）出生于费城的伊曼纽尔·拉德尼茨基（Emmanuel Radnitzky），于1921年移居巴黎，以绘画，雕塑，电影和摄影领域的反传统创新者而著称。 （注：Edward Steichen在1911年为《 艺术与装饰 》杂志撰写的Paul Poiret着装礼服的著名照片也未受到损害。）如今，我们认为他的创造力不因其社论或时装拍摄而受到损害。 有时候，就像他著名的形象《黑白》一样，该委员会是对创造力的刺激。 （特别请参阅 查尔斯·希勒 福特河胭脂汽车制造厂的镜头。）甚至一些摄影师的战争摄影都喜欢 罗伯特·卡帕 （1913年至1954年）， 拉里·伯罗斯 （1926年至1971年）， 唐·麦卡林 （b.1935年生）和 史蒂夫·麦卡里 （生于1950年）具有深厚的艺术素养。 领先的美国商业广告 时尚摄影师 1950和60年代的 欧文·佩恩 （1917-2009）和 理查德·艾文顿 （1923-2004）尽管他们的商业性质，但他们为现代艺术做出了巨大贡献 时尚摄影 ，并在此过程中开发了几种新的摄影技术。

人文摄影

两次世界大战之间起源于法国的另一个重要发展是人文主义摄影。 这种类型的摄影作品与诸如 Life 杂志之类的流行杂志的兴起紧密相连，描绘了人类感兴趣的主题。 以人文精神工作的最著名摄影师是艺术家 多萝西娅·兰格（Dorothea Lange） （1895-1965）和 亨利·卡蒂埃·布雷森 （1908-2004），其 街头摄影 以及来自世界各地的照片报道图像也发表在一系列有影响力的照​​片书中。 卡地亚·布列森（Cartier-Bresson）以现实主义的成语执行了全部 作品 超现实主义 关于直接摄影，但在20世纪后期，摄影在现代主义正统观念中的地位被模糊了。 另请参阅写在 Twentysix加油站 （1962）的写真集中的无聊摄影 埃德·鲁沙（Ed Ruscha） （b.1937）。

接受摄影作为一种艺术形式

世界之一 当代艺术最好的画廊 ，著名的纽约 现代艺术博物馆 （MoMA）是现代主义的意识形态之所-世纪中叶盛行的前卫美学涵盖了艺术， 设计 和 建筑 。 现代艺术博物馆（MoMA）在1937年进行了一次重要的摄影调查，并最终在1940年成立了摄影系，但是摄影作为一种艺术形式的地位仍然不确定。 约翰·萨考斯基（John Szarkowski，1925-2007年）于1962年在现代艺术博物馆担任摄影策展人，在将摄影与现代主义融合方面发挥了最有效的作用。 根据Szarkowski的说法，合法摄影是“笔直的”，主题上的民主且具有很强的形式成分。 照片不是想象力的作品，而是通过图像组织的现实片段，以反映强烈的个人愿景。

根据学者道格拉斯·克里普（Douglas Crimp）的说法，如果摄影是在1839年发明的，那么它只是在1960年代和1970年代才被发现-摄影，即摄影的本质。 Crimp和他的圈子里的其他人批评由于将照片从档案柜的抽屉转移到美术馆的墙壁而造成的理解力的丧失。 不可避免地，对摄影的这种批判兴趣以及皮埃尔·布迪厄（Pierre Bourdieu）的 《 摄影 艺术》 （ Un art moyen） （1965），苏珊·桑塔格（Susan Sontag）的 《摄影》 （1977）和罗兰·巴特斯（Roland Barthes）的《 相机 · 卢迪达》 （ Camera Lucida） （1979）等文字，都在进一步提升摄影的文化地位。 Barthes的文字-对他寻找母亲的“真实”图像的高度含蓄的描述-也许是试图从本质主义角度定义摄影的最有影响力的例子。 巴特（Barthe）在书中提出了“泪点”的概念，即照片中的细节，以一种伤口般的感觉刺痛了观众。 像现代主义者对摄影的描述一样， Camera Lucida 认为摄影具有独特的性质，使其与所有其他视觉媒体截然不同。 [注：许多1960年代的艺术运动和新的艺术形式使摄影成为其方法不可或缺的要素。 包括动作 激浪 （1960年代）和 流行艺术 （c.1955-70），以及 Arte Povera （约1966-71年），而使用照片的新艺术品包括 装置艺术 和 表演艺术 。 最重要的之一 现代艺术家 依靠摄影创作他的影像， 安迪·沃霍尔 （1928年至1987年）; 例如，查看他对电影明星照片的屏幕截图，例如猫王和伊丽莎白·泰勒。 许多当代艺术家，包括 吉尔伯特和乔治 （b.1943和1942年）在很大程度上也依赖于摄影的使用。]有趣的是，沃霍尔自己的摄影肖像，是由1987年拍摄的 罗伯特·马普索普 （1946-89），并于2006年在佳士得拍卖会上以643, 200美元拍卖，仍然是该时期最昂贵的照片之一。

后现代主义摄影

竞争性的摄影概念化声称它没有先天的特征。 据认为，它的身份取决于赋予它的角色和应用。 摄影的这种理论化属于对现代主义的当代批判，即后现代主义。 （注意：另请参见： 后现代主义艺术 和 后现代艺术家 。）渴望再次将艺术视为社会和政治参与的一种渴望，而不是属于纯粹的创作领域，这促使学者们回到了1930年代与法兰克福学派有联系的评论家和哲学家沃尔特·本杰明（Walter Benjamin）的著作中。 在声称照相复制品破坏了原始艺术作品的“光环”，以及群众有可能通过这种模拟享受艺术时，摄影为本杰明象征了剥离文化，甚至最终是政治力量的可能性。来自国家社会主义者。 在1980年代，左翼理论家开始重新思考媒介的历史，即摄影与力量的运用有何关系。 （有关权力和裸体，请参阅 赫尔穆特·牛顿 （2020至04年）; 有关性别问题，请参阅 南高丁 （b.1953）。摄影客观性的概念进一步被那些学者和知识分子的著作所破坏，最著名的是让·鲍德里亚（Jean Baudrillard），他们挑战仅存在于视觉媒体中的既存现实的观念。 根据鲍德里亚（Baudrillard）的观点，图像是我们了解世界的现实。

直到1970年代，摄影艺术都被认为具有19世纪和20世纪初期的标志性图像。 今天，它被确认为过去三十五年左右的作品。 在撰写本文时， 《莱茵河II》 （1999年）在拍卖会上的世界纪录为430万美元。 安德烈亚斯·高斯基（Andreas Gursky） （b.1955）。 仅仅十二年前，当我们进入21世纪时，世界纪录是860, 000美元-古斯塔夫·勒·格雷（Gustave Le Gray，1820-84年）的 《大波浪》，塞特 。 摄影价值的大量增加通常被认为是摄影最终被接受为艺术的证据。 （注意：另请参见 最昂贵的绘画：前20名 。）但这并不是第一次，摄影被确定为一种艺术形式。 今天与过去的不同之处在于，如今无论以何种形式出现的信息都很少在没有静止或运动图像的情况下传递：数字形式的摄影与1839年的达格里奥原型一样，是现代的奇迹。（注：也可以看看 动画艺术 和 录像艺术 。）

结论：摄影是艺术

通过一些智慧型的鼠尾草，目前的共识似乎是照片捕捉了人为的或刻意的现实时刻，而正是这种刻意包含了艺术内核。 [例如，参见 杰夫·沃尔 （生于1946年），安德烈亚斯（Andreas Gursky）生于1955年的风景，或 辛迪·谢尔曼（Cindy Sherman） （b.1954）。 换句话说，摄影师的艺术是他捕捉现实时刻并将其转变为可见的兴趣和/或美丽图像的能力。 照片可以复制一千次并不重要，因此剥夺了“原始照片”的独特地位。 没有两个摄影师可能会创建相同的图像就足够了。 可以说，在暗室中“创造”的“绘画家”图像的艺术品质更加得到保证。 判断摄影是否是艺术的过程提醒我们，绘画和雕塑都不像有时所想象的那样纯粹。 青铜雕塑可以大量复制和铸造。 我们对希腊雕塑的了解不是来自原始希腊雕像，而是来自罗马复制品。 此外，据估计，挂在墙上的画作中，每10幅就有1幅 最好的艺术博物馆 ，不是原件。 归根结底，一台照相机以及一个暗室及其处理化学药品与画家的画笔和颜料并没有太大区别。 它只不过是摄影师用来尝试创建图像的一组工具：以图像的方式激发我们灵魂的图像。

如今，在世界各地的许多博物馆都可以看到精美的照片，包括 大都会艺术博物馆 ，纽约（Stieglitz，Steichen，Walker Evans和福特汽车公司系列）； 纽约现代艺术博物馆（爱德华·史蒂琴，约翰·萨科夫斯基和彼得·加拉西收藏）； 纽约古根海姆博物馆 ，（Robert Mapplethorpe收藏）； 芝加哥艺术学院 （阿尔弗雷德·斯蒂格里茨收藏）; 底特律艺术学院 （阿尔伯特/佩吉·德·萨勒画廊）; 洛杉矶县博物馆 艺术（沃利斯·安嫩伯格摄影系）； 费城艺术博物馆 （30, 000张由Alfred Stieglitz，Paul Strand等摄影师拍摄的照片）； 和 维多利亚和阿尔伯特博物馆 ，伦敦（1839年至今有500, 000张图像）。