后现代主义艺术：定义，特征，历史 自动翻译

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什么是后现代主义艺术？

“后现代主义艺术”一词是指 当代艺术 从1970年左右开始创作。 “后现代主义艺术”的标志是它对艺术的拒绝。 美学 它的前身是“现代艺术”（1870-1970）的基础。 这些被拒绝的价值观之一是这样的观念，即“艺术”是一种“特殊的”东西，应该“从”大众口味中“提升”。 伴随着新技术的发展，后现代主义导致了将近五十年的艺术实验，包括新媒体和新艺术形式，包括“ 概念艺术 “，各种” 表演艺术 “和” 安装艺术 以及解构主义和投影艺术等计算机辅助运动。使用这些新形式， 后现代艺术家 已经伸展了 艺术的定义 到几乎“什么都行”的地步。

不幸的是，大多数关于后现代主义的文章充满了复杂的词，例如“现代性”（与现代主义不同），“后现代性”（与后现代主义不同），“元现代主义”（来自后现代主义，但不属于后现代主义）和“后后现代主义”（稍作休息）。 因此，让我不使用行话，而是给您一个简单的着装示例，以帮助您理解“后现代主义艺术”及其与“现代艺术”及其更早的“学术艺术”的区别。

文艺复兴时期后的第一种主要艺术风格是学术艺术，这是由学院教授教授的古典艺术。 学术艺术等同于传统的“西装和领带”。 接下来，大约是1870年，出现了“现代艺术”。 这在艺术上等同于“衬衫和裤子”或“夹克和裤子”。 接下来，大约是1970年，出现了“后现代艺术”，这在艺术上等同于“牛仔裤和T恤”。 同样，着装规范也变得不那么正式，更“无所不包”，因此当今的艺术家对艺术应有的旧观念印象深刻，而更着重于创作出引起人们注意的事物（任何事物）。

但是诸如牛仔裤和T恤之类的非正式服装之所以流行，是因为社会本身已经变得不那么正式。 同样，正如我们将看到的那样，“后现代主义艺术”是西方技术，政治和社会变革的更广泛潮流的一部分，西方潮流引入了许多新的态度和新的行为方式。 互联网的全面影响，例如对艺术意象的来源和发行，以及对创作的影响 应用艺术 和 设计 ，仍有待观察。 但是，由于它已经彻底改变了音乐产业，因此它对艺术界的影响不会长期拖延。

后现代主义艺术的定义

如果您确实需要对后现代主义艺术进行一句话定义，那就可以了。

一种1960年代后的艺术风格，摒弃了其前辈的传统价值观和政治保守的假设，而是主张采用更广泛，更有趣的艺术概念，使用通过视频和基于计算机的技术所丰富的新艺术形式。

它与当代艺术有何不同

后现代主义艺术与当代艺术之间有什么区别？ 实际上，这两个术语或多或少是可以互换的。 但是，从技术上讲，“后现代艺术”的意思是“现代之后”，是指大约从1970年开始的固定时期（例如，长度为50年），而“当代艺术”是指紧接当前的50年。 目前，这两个时期重合。 但是例如在2050年，“后现代艺术”（1970-2020年）将被另一个时代所取代，而“当代艺术”现在将覆盖2000-2050年。 因此，两者将分歧。

它与晚期现代主义艺术有何不同

在 视觉艺术 ，“晚期现代主义”一词是指拒绝“现代艺术”某些方面的运动或趋势，但仍保留在现代主义传统之内。 像 抽象表现主义 （1948-65）由许多激进的现代艺术家所创作，包括全能发明者杰克逊·波洛克（Jackson Pollock） 动作绘画 -和威廉·德·库宁（Willem De Kooning），他们都拒绝了许多油画的正式惯例。 然而，波洛克和德库宁都没有像劳森伯格的 《古德素描画》 （ Erased de Kooning Drawing ，1953年，旧金山现代艺术博物馆）这样的东西，因为他们仍然坚信现代主义的真实性和意义。 同样，诸如现代现实主义（1970年代起）和新表现主义（1980年代起）之类的后现代主义运动的追随者也包括许多以现代主义者而非后现代主义方式工作的画家。 用着装规范的术语来说，晚现代主义在艺术上等同于“衬衫和裤子”，但颜色是亮黄色。

背景

“ 现代艺术 “通常与1870-1970年有关-大致从印象派到波普艺术。尽管发生了几场全球性的灾难-大战（1914-18），流感大流行（1918-19），华尔街崩溃和大萧条（1920年代后期，1930年代）-破坏了时代的许多道德确定性， 现代艺术家 通常保留对理性和理性思想的基本科学定律的信仰。 广义上讲，就像那个时期的大多数西方人一样，他们认为生活是有意义的。 科学进步自然是好的； 基督教西部优于世界其他地方； 男人高于女人。 现代主义者也相信艺术，尤其是美术和建筑的意义，相关性和进步。 跟随莱昂纳多（Leonardo）和米开朗基罗（Michelangelo）的脚步，他们相信“高级艺术”（一种提升和启发耕cultivate的旁观者的艺术），而不是“低级艺术”，后者仅是使人们娱乐或娱乐。 他们采用前瞻性思维方法，将艺术视为由一群前卫艺术家领导的不断发展的东西。

第二次世界大战和犹太人大屠杀使一切都颠倒了。 巴黎突然被纽约取代，成为世界艺术之都。 在奥斯威辛集中营之后 代表性艺术 – 除了 大屠杀艺术 -突然显得无关紧要，所以现代画家转向 抽象主义 （尽管充满情感，象征或动画）来表达自己。 令人惊讶的是，在1950年代 纽约学校 -特色 杰克逊·波洛克的画 以及马克·罗斯科（Mark Rothko）较为平静的《色彩原野》（Color Field）绘画-引领了大西洋两岸艺术的暂时复苏。 这些前卫的画家成功地为抽象绘画重新定义了信封，但它们仍处于现代主义的范围之内。 他们相信创作具有重要内容的真实，完成的艺术品。

但是，“现代主义”时代势不可挡。 Shoah的广泛启示，原子弹的测试，古巴导弹危机（1962年）和越南战争（1964年起）使人们对生活（和艺术）越来越幻灭。 在五十年代中期， 贾斯珀·约翰斯（Jasper Johns） 和 罗伯特·劳森伯格 制作了新达达和波普的第一批后现代风格的作品。 不久，主流的波普艺术将迎来后现代主义，因为美国电视网络的焦点是1968年的《春节攻势》和芝加哥混乱的民主党大会。

注意：在 20世纪建筑 ，情况略有不同。 现代建筑设计受到了为“现代人”创造全新风格的渴望的影响。 现代主义建筑师想要消除所有历史参考，并创造出完全新鲜的东西。 （因此，没有希腊专栏，哥特式拱门或任何其他“过去”风格的提醒。）这导致了 国际建筑风格 （1920-70），一个无聊的规律性极简主义成语，充满了一些真正可怕的野蛮主义（带有小窗户的混凝土公寓楼）。 仁慈的是，从1970年左右开始，后现代主义建筑师开始通过设计具有有趣特征的结构来重新赋予20世纪建筑人性化，这些结构取材自大众文化和更传统的风格。

后现代主义的特征

“后现代主义”不是运动，而是一种普遍的态度。 因此，没有定义“后现代主义艺术”的特征的商定清单。 但是我们必须从某个地方开始，所以这里有一些选定的指针。

一般思想

后现代主义反映了人们对生活的广泛幻灭，以及现有价值体系和/或技术实现有益变革的力量。 结果，权威，专业知识，知识和成就无能为力。 现在，艺术家对“大创意”（例如，所有“进步”都是好的）更加警惕。 最重要的是，“现代主义艺术”不仅被视为精英主义者，而且被视为白人，男性主导且对少数民族不感兴趣。 这就是为什么后现代主义拥护第三世界，女权主义者和少数民族艺术家的艺术。 但是，批评家说，尽管所谓的“大思想”被“拒绝”了，但后现代运动似乎有许多自己的大思想。 例子包括：“所有类型的艺术品都同样有效”； “艺术可以由任何东西制成”； “艺术的民主化是一件好事”（脑外科手术的民主化怎么样？）。

释义 安迪·沃霍尔 ，“任何人都可以在15分钟内成名”。 这个想法比任何其他想法更能概括后现代主义的时代。 面对一个荒谬的新世界，后现代主义的回应是：

好吧，让我们玩这个废话。 我们接受生活和艺术不再具有任何明显的内在含义，那又如何呢？ 让我们进行实验，使艺术变得更有趣，并了解它的发展方向。 谁知道，也许我们可以成名15分钟！

艺术教育

后现代主义改变了许多艺术学院的教育重点。 在1970年代， 绘画艺术 （程度较小 雕塑 ），被视为已用完。 此外，工作四年来掌握这些传统美术的必要技能的想法被认为是倒退的。 人们认为，艺术应该从精英中解放出来，并向公众开放，因此艺术学校开始培养出一种新型的毕业生-熟悉即时后现代主义形式以及基本生产技术的人。 简而言之，个人的“创造力”被认为比积累类似工匠的技能更为重要。

技术运用

“后现代主义艺术”时代正值几种基于图像的新技术（例如电视，视频，丝网印刷，计算机，互联网）的出现，并从中受益匪浅。 视频和摄影图像的新范围降低了 画画 技巧，以及通过运用新技术，艺术家（尤其是那些从事新媒体的艺术家，例如装置艺术，视频和镜头艺术的艺术家）已经能够简化“艺术创作”中涉及的传统流程，但仍然可以创造出新的东西。 这是由 黛安·阿布斯（Diane Arbus） ，重点关注纽约市的少数群体成员以及韩裔美国人的录像艺术 白南准 （1932年至2006年）。

后现代主义对大众文化的关注

“高文化”一词经常被 艺术评论家 当试图区分绘画和雕塑（以及其他美术）的“高级文化”时，与杂志，电视，纸浆小说和其他大众化商品的“低级”流行文化不同。 现代主义者及其有影响力的支持者，例如 克莱门特·格林伯格 （1909-94），认为低等文化不如高等文化。 相比之下，后现代主义者-主张更“民主”的艺术观念-将“高级文化”视为更精英。 因此，波普艺术-第一个后现代主义运动-用普通的消费物品（汉堡，汤罐，肥皂粉盒，漫画）制成艺术品，这些物品立即被Joe Public认可。 流行艺术家和其他人通过在杯子，纸袋和T恤衫上印制“艺术品”，进一步努力使艺术民主化：这种方法顺带体现了后现代主义者破坏艺术品创意和真实性的愿望。

流派和风格的融合

自从 新达达 ，后现代主义者喜欢将事物混合在一起-或将新颖的元素注入传统形式-以创造新的组合和特色。 费尔南多·博特罗 创作原始风格的肥胖人物画； 乔治·巴塞利兹 绘制颠倒的数字。 格哈德·里希特 在他1970年代的“照片绘画”中将摄影机艺术和绘画相结合，而 杰夫·昆斯 结合了消费主义的意象（气球形状）和高度精湛的雕塑技术，创作了他的“ 气球狗” 流行雕塑（1994-2000年）。 与此同时 安德烈亚斯·高斯基（Andreas Gursky） 将摄影与计算机生成的图像相结合，创建了 Rhein II （1999年，纽约现代艺术博物馆，纽约）等作品， 杰夫·沃尔 在他的后现代主义绘画作品中使用了经过数字处理的蒙太奇照片。

后现代主义多重含义

后现代艺术家认为艺术品仅具有一种内在的含义。 相反，他们认为观众是意义的同等重要的裁判。 例如，辛迪·谢尔曼（Cindy Sherman）的超现实主义摄影作品强调了一种观念，即可以用多种方式来解释艺术品。 确实，有些艺术家，例如表演艺术家Marina Abramovic（生于1946年生），甚至允许观众参加他们的“艺术作品”，甚至要求观众干预以完成他们的作品。

满足消费者需求

在20世纪最后几十年中，消费主义的兴起和人们的即时满足也对视觉艺术产生了巨大影响。 消费者现在想要新颖。 他们还想要娱乐和奇观。 作为回应，许多后现代主义的艺术家，策展人和其他专业人士利用这个机会将艺术变成了一种“娱乐产品”。 引进新 艺术类型 例如表演，事件和装置之类的内容，以及新的主题，包括死鲨，垂死的苍蝇，巨大的冰雕，裸体尸体，似乎在运动的建筑物等，共35, 000件兵马俑，包裹在粉红色聚丙烯织物中的岛屿，彩绘车身，公共建筑上怪异的投影图像等，为观众带来了一系列新颖（有时令人震惊）的体验。 这些新的所谓艺术形式是否真正构成“艺术”仍然是一个备受争议的问题。 后现代的概念主义者说“是”，传统主义者说“否”。

专注于眼镜

在生活没有任何真正意义的情况下-尤其是当我们在广播和电视广告中日夜轰炸我们，而同时又被迫听政客们解释说，两个加两个等于三个时，后现代主义者更喜欢专注于风格和眼镜，通常使用广告材料和技术来产生最大的影响。 这种方法可以通过商业印刷方法，广告牌风格的图像和波普艺术家的原色来举例说明，例如 罗伊·利希滕斯坦 和 詹姆斯·罗森奎斯特 。 这种对表面的关注是后现代艺术的一种反复出现的特征，有时会以戏剧性，令人眼花，乱，甚至令人震惊的图像而达到顶峰。 举例来说， 时尚摄影 Nick Knight和David LaChapelle的作品。 自1980年以来，计算机和其他技术的使用彻底改变了多媒体艺术（例如动画），并在诸如建筑和投影贴图等领域创造了特殊的机遇。

一群金史密斯学院学生的震惊策略很好地说明了后现代主义对引起观众注意的重要性。 年轻的英国艺术家 -1980年代后期和1990年代在伦敦。 由三个展览- 冻结 （1988）和 现代医学 （1990）闻名，这两个展览都是由一个不知名的学生Damien Hirst（b.1965）和 Sensation （1997）策划的-YBA因令人震惊的不良味道而受到抨击。几个人（雷切尔·怀特里德（Rachel Whiteread），达米安·赫斯特（Damien Hirst），道格拉斯·戈登（Douglas Gordon），吉莉安·沃灵（Gillian Wearing），克里斯·奥菲利（Chris Ofili），史蒂夫·麦昆（Steve McQueen），马克·沃林格（Mark Wallinger）继续成为 特纳奖得主 而其他人（杰克和迪诺斯·查普​​曼，特蕾西·埃敏，马克·奎因和珍妮·萨维尔）也获得了可观的名利。

“后现代主义艺术”的三项原则

1.即时意义

不再有褪色的油画描绘出希腊神话中晦涩难懂的事件，而不会引起耕地观众的微笑。 从波普艺术运动的起源开始，后现代主义的绘画和雕塑就大胆，明亮且立即可识别。 主题和图像主要是从知名消费品，杂志，广告图形，电视，电影，卡通和漫画书中借来的。 第一次，每个人都了解展出的艺术品。 尽管自波普艺术以来后现代主义已经演变，但一个主要目标仍然是即时识别。

但是，某些“后现代主义艺术”的作品比其他作品更“被即刻理解”。 以下列者的 等值1 （1966年，巴塞尔艺术博物馆）为例： 卡尔·安德烈 （b.1935）。 它是那些艺术品之一，需要被专家解释才能被欣赏。 这是由120块普通建筑砖组成的后现代主义极简主义雕塑。 砖块以两层60块砖的形式彼此叠放在地板上，以3块乘20块的精确矩形配置排列。 乍一看，这种当代艺术杰作看起来就像是您在超整洁的建筑工地上看到的东西。 幸运的是，您的美术馆目录告诉您，安德烈（Andre）于1965年做出了一个激进的决定，那就是在新罕布什尔州的一个湖上划独木舟时，将艺术品平放在地板上，这堆雄伟的砖块彰显了他的艺术信条：“形式=结构=地点。” 碰巧的是，原始的 Equivalent 1 在1966年被“摧毁”，在1969年被“重制”。（也许他们需要砖头来做某事）。

2.艺术可以由任何东西制成

延续传统 马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp） -他的小便池“喷泉”（1917）是将普通物品制成艺术品的第一个著名示例-后现代主义者提出了用最不可能的材料和碎屑创造艺术品的观点。 看到： 垃圾艺术 。 雕刻家，装置艺术家和集合艺术家用工业废铁，防毒面具，毛毡，人类头骨，人类血液，死蝇，霓虹灯，泡沫橡胶，汤罐，混凝土，橡胶，旧衣服，大象粪便和大象制成艺术品。更多。 其背后的想法是使艺术民主化并使其更易于使用。

3.观念比艺术品本身更重要

广义上讲，直到1960年代，艺术家（包括毕加索，波洛克和利希滕斯坦）都认为没有成品就没有东西。 因此，人们对艺术品成品的质量给予了极大的关注，而制作艺术品所需的工艺也得到了极大的关注。 今天，情况有所不同。 后现代主义者通常对成品背后的概念，而不是产品本身有更强烈的信念。 这就是为什么许多“后现代主义艺术”被称为“概念艺术”或“概念主义”的原因。 这种新方法以马丁·克里德（Martin Creed）的概念艺术品（指令列表）为例，该作品名为“ 227：灯的开与关”（2001年），获得了 特纳奖 在2001年。无产品概念主义的其他形式包括装置（毕竟纯粹是临时事务），表演艺术，事件，放映艺术等。

概念艺术的最终例子也许是2009年3月在法国国家当代艺术博物馆举办的展览。 蓬皮杜中心 在巴黎。 标题为“将原材料状态中的感化专业化为稳定的图形感性”，它由九个完全空的房间组成，仅此而已。

后现代主义艺术收藏
要获得两次后现代主义艺术的精彩展示，请访问 萨奇画廊 ，在伦敦或 纽约古根海姆 。

后现代艺术运动

到目前为止，还没有伟大的国际 艺术运动 在后现代时期。 取而代之的是，这个时代见证了许多狭窄的局部运动的出现，以及几种崭新的艺术形式，例如视频和文字绘画。 此外，还有数十个艺术分裂团体，以及一两个反后现代主义学校，其成员致力于产生米开朗基罗或毕加索会为之骄傲的那种艺术。 以下是主要的后现代运动和风格的简要列表，包括大多数新的艺术形式。