当代艺术运动（1970年至今） 自动翻译

相关文章

介绍

在本文中，我们列出了“ 当代艺术 从1960年代后期开始出现。”因为“当代艺术”取代了“ 现代艺术 “，也称为 后现代主义艺术 。 但是请注意，从现代主义到后现代主义的过渡是一个渐进的 过程， 发生 在1960年代的十年中 。 因此，这两种样式在这段时间内彼此并存。

另外，请注意，现代艺术与后现代艺术之间最重要的区别之一是“成品”的降级。 几乎所有人的目标 现代艺术家 举例来说，是创造一种持久而独特的艺术作品，例如绘画，雕塑，素描或其他类型的物体。 相比之下， 后现代艺术家 对这种产品的兴趣减少，而对其背后的想法的兴趣更大。 这有助于解释新产品的增长 艺术类型 -例如装置艺术（包括声音和视频装置），概念主义（各种各样的“思想艺术”）， 发生的事情 （表演艺术的类型），视频装置，投影贴图和室外土方工程（环境建筑）-其中没有成品可言，或者是暂时性的，仅记录为​​“事件”。 过去20年来， 特纳当代艺术奖 已获得2位画家，0位雕塑家和10位装置艺术家的殊荣。

当代艺术运动

波普艺术 （1960年代开始）

流行艺术 既是现代主义者又是当代主义者。 它首先通过使用电影明星和其他名人的图像以及大量消费品来描绘最新的现实。 但是，后现代社会对影响力和风格的日益关注使其迅速黯然失色。 例如，请参阅我们的 安迪·沃霍尔的流行艺术 六十年代

艺术字/文字绘画 （1960年代开始）

文字艺术 是一种全新的绘画或雕塑形式，使用了基于文字的图像。 它与Robert Indiana（b.1928年生），Jasper Johns（b.1930年生），On Kawara（1932-2014）， 芭芭拉·克鲁格（Barbara Kruger） （b.1945年生）和 克里斯托弗·伍尔（Christopher Wool） （b.1955）。

概念主义 （1960年代开始）

概念艺术 是一种后现代主义艺术运动，它基于艺术是“概念”而不是物质对象的原则。 也就是说，一件作品所代表的“思想”被认为是其必不可少的组成部分，而“成品”（如果存在的话）实质上被视为一种文件形式，而不是一种人工制品。 概念主义的起源可以追溯到 达达 和20世纪初的前卫艺术家 马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp） ，但直到1960年代，它才成为公认的运动并获得了知名度。 概念艺术具有相当有力地传达思想的能力，因此它已成为社会政治评论的流行工具。 此外，通过淡化对任何绘画或雕塑技巧的需求（实际上对任何工艺技巧的需求），它通过挑战艺术品的整个传统来保留其颠覆性优势，因为艺术品是一种独特而有价值的对象。 一些专家指出，事实上，后现代时代所需要的不仅仅是“观看”艺术品的被动体验，而概念主义则提供了更为互动的体验。 这种增加的娱乐价值是否有助于“创意”获得艺术品的资格，值得怀疑。 对于欧洲最早的概念艺术家之一的作品，请参见： 伊夫·克莱因（Yves Klein）的后现代主义艺术 （1956年至1962年）。

这个问题的一个例证是华盛顿特区的大屠杀博物馆收集的大量鞋子，这些鞋子属于纳粹集中营的受害者。 有人认为这具有概念艺术品的特征，因为走过那双大鞋子有助于我们理解毒气室的恐怖现实。 确实可以，但是坦率地说，它并不能将鞋子变成一件艺术品，或者任何形式的艺术品。 （相比 大屠杀艺术 1933-45。）这是政治或历史声明。 因此，概念主义的困难在于证明它如何被定义为 艺术 ，而不是娱乐，戏剧或政治评论。

概念主义的重要指数包括 索尔·勒威特 ，约瑟夫·博伊斯，费利克斯·冈萨雷斯-托雷斯，伊娃·黑森，珍妮·霍尔泽，约瑟夫·科苏特，芭芭拉·克鲁格，让·廷格利和劳伦斯·韦纳。 其他与该运动有关的艺术家包括梅尔·博纳（Mel Bochner），汉娜·达博文（Hanne Darboven），阿格尼丝·丹尼斯（Agnes Denes），扬·迪比兹（Jan Dibbets），汉斯·哈克（Hans Haacke），安·卡瓦拉（On Kawara）和莱斯·莱文（Les Levine）。

性能 （从1960年代开始）

在1960年代初期出现在美国和欧洲， 表演艺术 是受概念艺术以及达达（Dada），未来主义，包豪斯（Bauhaus）和（在美国）黑山学院（Black Mountain College）启发的实验性艺术形式。 通常认为表演的特征在于其“生动”的本质-艺术家直接与观众交流的事实-其影响，无论是有趣还是令人震惊，都必须令人难忘。 一个很好的例子是一系列的自毁机器-可能是最著名的例子 动力学艺术 -由瑞士艺术家创作 让·廷格利 （1925年至1991年）。 即便如此，创新的剧院和表演艺术之间的确切区别还是很难发现。 此外，它坚持被标记为“艺术”（传统上是资产阶级事件），与它的反建制道德观念尴尬地坐在一起。

表演现在包括视觉艺术家，诗人，音乐家，电影制片人，视频艺术家等的活动和“事件”。 1960年代末和1970年代还见证了“人体艺术”的出现，一种表演形式，艺术家自己的肉成为画布，随后以一种令人震惊的，具有新闻价值的方式“表演”（更多信息见下文）。 在1980年代，行为艺术越来越依靠技术（视频，计算机）来传达其“艺术”信息。 与该类型相关的当代艺术家包括先锋 艾伦·卡普罗（Allan Kaprow） （1927至2006年）， 伊夫·克莱因（Yves Klein） （1928年至1962年）， 吉尔伯特和乔治 （1943年生，1942年）和非凡 约瑟夫·博伊斯 （1921-86），他创作了创新性的表演《 如何向死野兔解释图片》 （1965）。 另一位富有创造力的艺术家是韩裔美国人Nam June Paik（1932-2006），他从表演艺术开始，然后是电视和视频，后来是装置。

磁通运动 （1960年代）

激浪 是出生于立陶宛的艺术理论家乔治·马修纳斯（George Maciunas，1931-78年）领导的先锋派艺术家（其名字在拉丁语中意为“流”），该艺术家首先出现在德国，然后传播到其他欧洲首都，然后扩散到纽约，成为其活动的中心。 它的既定目标是“革命性”艺术和“反艺术”艺术形式的混合体-继承了达达的传统，侧重于发生现象（在德国称为Aktions）和各种类型的街头艺术。 领导成员包括德国概念艺术家约瑟夫·博伊斯，日本出生的概念主义者小野洋子，以及德国表演和视频艺术家沃尔夫·福斯特尔（Wolf Vostell）（b.1932）。 Maciunas的最终目标是摆脱所有美术作品，因为这是浪费资源，而仅仅是资产阶级的放纵。 Fluxus的艺术家合作将不同的媒体（视觉，文学，音乐）融合成许多“事件”，涉及装置，事件，摄影和电影。 20世纪60年代在阿姆斯特丹，哥本哈根，杜塞尔多夫，伦敦，巴黎和纽约举行了当代艺术节拍活动。 另请参见下文“人体艺术”下的维也纳行动主义。

安装 （1960年代开始）

安装艺术 这是一种新的艺术形式，在1960年代在美国引起了人们的注意，尽管这个想法可以追溯到由马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）和其他人创建的超现实主义展览，当时艺术品被安排形成一个复杂而引人注目的环境。 俄罗斯画家和设计师 El Lissitzky 是另一位先驱，他的1923年在柏林火车站的“宽敞房间”是一种早期的装置，充满空间的 Merzbilder 建筑也是 库尔特·史威特 （1887年至1948年）。 其他最近的例子包括卢西奥·丰塔纳（Lucio Fontana）的1950年代的“空间环境”，以及伊夫·克莱因（Yves Klein）的1958年的展览“ Le Vide”（虚空），那是一间空荡荡的画廊。 同样，在1960年代， 维歇尔艺术博物馆（Groupe Recherche d’Art Visuel） 以动态光环境的形式创作了早期的装置。 装置通常占据整个空间，例如房间或更大的区域，并且由几个不同的组件组成。 美国雕塑家埃德·基恩霍尔茨（Ed Kienholz）在1960年代曾使用汽车和公共家具，展示了关于死亡和社会问题的装置。 他的雕塑家乔治·西格尔（George Segal）使用在日常环境中描绘的真人大小的石膏像（例如，等待地铁）对平凡的事物发表评论。 最近的其他装置艺术家包括丽贝卡·霍恩（Rebecca Horn）， 布鲁斯·诺曼（Bruce Nauman） ，克里斯蒂安·博尔坦斯基（Christian Boltanski），理查德·威尔逊（Richard Wilson）和特蕾西·埃敏（Tracey Emin）。 另请参见宫岛达男（生于1957年）的LED装置艺术-一种动力学艺术。

视频装置 （1960年代开始）

在1960年代，艺术家开始利用视频媒介来重新定义艺术。 例如，许多视频艺术家对先入为主的艺术观念提出了质疑，即高眉，高价，只有社会精英才能理解。 其他人则通过制作自己的作品，通过视频来破坏艺术作为一种商品的思想-一种独特的“制成品” 影像艺术 一种“经验”（而不是拥有的东西）或一种变革的工具，一种思想的媒介。 视频还可以使艺术家揭示创作艺术的实际过程。 通常，视频装置将视频与音轨和/或音乐结合在一起，并且可能涉及其他交互式设备，从而充分利用周围环境来刺激观众。 视频安装的先驱包括： 白南准 （1932-2006），其1960年代的安排通常涉及雕塑安排中的多台电视监视器； 以及安迪·沃霍尔（1928-87），彼得·校园（1937年生），沃尔夫·福斯特尔（1932年生），比尔·维奥拉（1951年生），加里·希尔和托尼·欧斯勒。 在英国，视频艺术家包括：劳伦·普罗沃斯托斯（Laure Prouvost），伊丽莎白·普莱斯（Elizabeth Price），杰里米·戴勒（Jeremy Deller），史蒂夫·麦昆（Steve McQueen），阿娇·沃灵（Gillian Wearing），道格拉斯·戈登（Douglas Gordon），萨姆·泰勒·伍德，大卫·霍尔和托尼·辛登（Tony Sinden）等。

极简主义 （1960年代起）

在60年代后半叶出现在美国， 极简主义/极简艺术 是一种精致的形式 抽象主义 它继承了Post Painterly抽象（一种后期 抽象表现主义 ）成为雕塑，绘画和建筑界的全球影响力。 在美术领域，极简主义的特征在于形式的极简性和故意缺乏表现力的内容。 对象以其基本的几何形式呈现，完全没有情感。 极简主义的作品（雕塑和绘画作品）通常由裸露的统一元素组成，构成某种类型的网格或图案。 规律性对于减少任何闪烁几乎是必不可少的 表现主义 。

极简主义是抽象表现主义逻辑发展的最后阶段，其表现形式从手势（动作绘画）到平面作品（ 色场绘画 ），以清晰地定义几何平面和图案（硬边画）以达到极简艺术。 一路走来，它逐渐抛弃了所有的感觉和情感，直到它成为一种所谓的艺术纯正或真理的朴素和非人格形式。 剩下的只是该作品的理性思想：没有情感。 这就是为什么极简主义接近概念主义的原因 -两者都与创作作品的基本思想或观念有关。

重要的极简雕刻家包括 卡尔·安德烈 （b.1935）， 唐·贾德 （1928-94），索尔·勒维特（1928-2007）， 罗伯特·莫里斯 （生于1931年），理查德·塞拉（生于1939年）和 托尼·史密斯 （1912至80年）。 极简主义画家包括Agnes Martin（1912-2004）， 广告莱因哈特 （1913年至1967年）， 埃尔斯沃思·凯利 （生于1923年），肯尼斯·诺兰德（生于1924年），罗伯特·赖曼（生于1930年）和 弗兰克·斯特拉 （b.1936）。

照片写实艺术（超写实主义） （1960年代，1970年代）

照相写实主义 这是一种出现在1960年代后期的绘画风格，其中以非常细致的方式绘画主题（人物或城市场景），类似于照片。 大多数从业者直接从照片或数字计算机图像中进行工作，该主题相当平淡，没有特别的兴趣。 相反，真正的焦点是艺术家所达到的精度和细节，以及它对观众的影响。 摄影写实主义在很大程度上受到波普艺术的启发-平庸的题材对于这两者都是共同的，并且某些艺术家（例如Malcolm Morley和Mel Ramos）使用了两种风格。 但是，照片写实主义缺乏波普艺术的异想天开或讽刺的幽默，甚至可能微不足道。 更奇怪的是，其微观的，无差别的细节实际上会产生轻微的“虚幻”效果。 超现实主义运动的主要成员包括 理查德·埃斯蒂斯 -专门研究包含复杂玻璃反射的街道场景-和 卡盘关闭 ，他擅长于无表情面孔的丰碑。 其他超写实画家包括Robert Bechtle，Audrey Flack，Ralph Goings和 约翰·多尔蒂 。 超写实雕塑家包括 杜安·汉森（Duane Hanson） （1925年至1996年）， 约翰·德·安德里亚 （b.1941）， 卡罗尔·福尔曼 （生于1945年），罗恩·穆克（Ron Mueck）和罗伯特·戈伯（Robert Gober）。

土方工程（土地或环境艺术） （1960年代，1970年代）

土地艺术 它在1960年代主要出现在美国，它使用景观或与景观互动以创造艺术形状或“事件”。 它被各种名称所指，通常会重新塑造自然形态或使用人造材料对其进行改良。 这种艺术形式的先驱包括 罗伯特·史密森 ，Richard Long和Andy Goldsworthy以及干预主义者 克里斯托和珍妮·克劳德 。 请注意，陆地艺术与巨石阵等人造古迹有很大不同。 后者是出于礼仪或宗教意义而竖立的，不被视为该国的要素。 即使是著名的拉什莫尔山著名总统肖像，尽管显然是艺术品，但由于它们不是在庆祝土地而是在庆祝由土地制成的图像，因此也不符合土地艺术的资格。 对于类似的样式，请参阅 艺术运动，时期，学校 （从公元前100年开始）。

当代摄影 （1960年代开始）

直到1960年代初， 摄影 受绘画和肖像摄影的驱动。 自那以后， 纪实摄影 ，越来越复杂 时尚摄影 和越来越多的流派 街头摄影 一直是主要动力。 当代名人肖像也很受欢迎。 从事新闻摄影的当代摄影师包括 唐·麦卡林 （b.1935年生）和 史蒂夫·麦卡里 （b.1950）; 而最好的时尚摄影师包括 赫尔穆特·牛顿 （2020至04年）， 戴维·贝利 （生于1938年），尼克·奈特（生于1958年）和戴维·拉夏贝尔（生于1963年）。 Garry Winogrand（1928-1984）和 南戈丁 （b.1953年），而后现代肖像画则以 黛安·阿布斯（Diane Arbus） （1923-71）和 安妮·莱博维兹（Annie Leibovitz） （b.1949）。

Arte Povera （1966-71）

由意大利评论家日耳曼诺·塞兰特（Germano Celant）命名为“贫穷的艺术”（他还撰写了一本颇具影响力的书，名为“贫困艺术：概念，实际或不可能的艺术”）， Arte Povera 是一种反商业风格的艺术，主要与所用材料的物理质量有关。 后者通常由普通或其他不值钱的东西组成，例如报纸的碎片，旧衣服，泥土，金属碎片等，尽管实际上有时会使用相当复杂且昂贵的材料（！）。 Arte Povera由一群意大利前卫艺术家发起，成员包括：Piero Manzoni（1933-63），Mario Merz（1925-2003），Michelangelo Pistoletto（b.1933），Pino Pascali（1935-68） ，扬尼斯·库努里斯（Jannis Kounellis）（b.1936年生），卢西亚诺·法布罗（Luciano Fabro）（b.1936年生），吉尔伯托·佐里奥（Gilberto Zorio）（b.1944年生）和朱塞佩·彭内（Giuseppe Penone）（b.1947年生）。 另一个重要人物是都灵艺术品经销商和发起人恩佐·斯佩罗内（Enzo Sperone）。

支撑 表面 （c.1966-72）

Supports-Surfaces是一群由左翼年轻法国艺术家组成的概念主义者团体，他们于1966年至1972年一起展出。（这个名字之所以被选为迟来作品，是因为他们在法国现代艺术博物馆的展览“ Animation，Recherche，Controntation ”巴黎）。 该小组的成员包括安德烈·皮埃尔·阿纳尔，文森​​特·比奥莱斯，路易斯·甘蔗，马克·德瓦德，丹尼尔·德泽兹，诺埃尔·多拉，托尼·格兰德，伯纳德·佩吉斯，让·皮埃尔·平斯敏，帕特里克·赛图尔，安德烈·瓦伦西和克劳德·维拉拉特。 该小组的目标是剥离艺术的象征和浪漫特质-将艺术从品味暴政，表现主义的平庸性，晚期超现实主义的多愁善感和艺术混凝土的纯正中解放出来，从而解构了这一行为。绘画的 基本物理特性 -画布和担架（框架）。 该团队因在户外巡回展览而闻名，他们在作品中使用了各种不寻常的材料，例如石头，打蜡的织物，纸板和绳索，并且这些作品本身经常被折叠，压碎，焚烧或染色，然后摆放在地板上或悬挂起来。没有框架。 他们发布了许多解释性论文和海报，试图解释其行为，并出版了定期的期刊《 Peinture / Cahiers理论》 。 一般而言，他们的作品可以解释为概念主义的一种变体。

当代现实主义

狭义的术语用来表示1960年代末和1970年代初出现的美国绘画风格，是菲利普·珀尔斯坦（Philip Pearlstein），尼尔·威尔维尔（Neil Wellilver）和威廉·贝利（William Bailey）等众多艺术家的作品中出现的。 它的特点是以原始的客观风格执行具有象征意义的作品，而没有歪曲立体主义或表现主义的解释。 当代现实主义者故意拒绝抽象艺术，而是选择以直接自然主义的方式描绘现实的主题。

从广义上讲，当代现实主义一词涵盖了所有1970年后的画家和雕塑家，他们专注于 代表性艺术 ，目的是描绘“真实”而不是理想。 因此，以（例如）浪漫或怀旧的色彩描绘主题的体裁绘画或具象作品被排除在这一体裁之外。 目前还没有普通的当代现实主义流派，许多艺术家（包括抽象主义者）已经尝试了这种更为传统的方法。 当代写实主义最有趣的代表人物也许是具象大师 露西恩·弗洛伊德（Lucian Freud） （1922-2011），他对人体的强大研究成功地传达了坚毅和爱。 有关写实绘画的早期样式，请参见 现代艺术运动 （1870- 1970）。

后极简主义 （1971年起）

美国艺术评论家罗伯特·平库斯·威滕（Robert Pincus-Witten）在描述 伊娃·黑塞 在1971年成为Artforum的“后极简主义”。黑森与其他艺术家通过关注所涉及的物理和创造性过程，对极简主义的僵化和非人格形式主义做出了反应。 这种称为“ 工艺美术 ”的新样式具有很高的瞬态性，并使用了不稳定的材料，这些材料会凝结，蒸发或变质，而艺术家无法控制。 由于1969年的两次展览，它成为一种趋势：伯尔尼美术馆（Berne Kunsthalle）的“当态度形成形式”和伯尔尼艺术馆的“程序/材料” 惠特尼美国艺术博物馆 在纽约。 杰出的后极简主义艺术家以及黑森包括美国雕塑家 理查德·塞拉 还有德国出生的概念艺术家汉斯·哈克（Hans Haake）。

但是，从广义上讲，后极简主义（如后印象派）涵盖了许多不同的风格，以及绘画，雕塑和其他当代艺术形式的类型，它们在1960年代末和1970年代继承了极简主义，并且使用它作为发展的美学或概念参考点。 简单来说，极简主义艺术家开始对艺术采取更多的概念性方法，并专注于传达一个单一的真理，因此他们逐渐跨入后极简主义。 确实，许多概念艺术家经常被称为后极简主义者。 如果这听起来太复杂，请不要担心：我们现在处在严肃的理论领域，涉及认识论和本体论问题，需要掌握硕士学位。 可以说后极简主义（与后现代主义不同）将艺术的焦点从形式转移到了图像。 如何完成和传达事物与创造事物一样重要。

女权主义艺术 （1960年代中后期）

女权主义艺术 -妇女创作的有关妇女问题的艺术-在1960年代末出现，并探索了在男性主导的世界中成为女性和艺术家的意义。 它首先出现在美国和英国，那里的各种女权主义艺术团体都受到妇女解放运动的启发，然后传播到整个欧洲。 与男性前卫艺术家追求的精英形式和非个人主题相比，女性艺术家的作品提供了情感和现实体验。 英美女权艺术家固有地采用女性象征形式，从而提高了所谓“女性”材料和习俗的地位。 他们讨论了基于性别的基本问题，例如分娩，生育和强迫诱惑，以及种族主义和工作条件等更广泛的问题。 1970年代在加利福尼亚州兴起了一种特殊的女性艺术风格，即“图案和装饰”运动，主要由女性艺术家组成。 他们通过将相同或相似的图案并列放置，并使用编织，剪纸和拼布等传统工艺将色彩和纹理强烈融合在一起，从而对Minimalizm的紧缩政策做出了反应。 他们美丽的色彩运用受到1900年代巴黎法国法维运动的启发，而其几何和花卉图案则来自伊斯兰，远东，凯尔特人和波斯艺术。 杰出的女权主义艺术家包括美国人南希·斯佩罗（Nancy Spero，1926-2009年），埃莉诺·安坦（Eleanor Antin，生于1935年生），琼·乔纳斯（Joan Jonas，生于1936年）， 朱迪·芝加哥 （b.1939）。 玛丽·凯利（Mary Kelly）（生于1941年生），芭芭拉·克鲁格（生于1945年生）和米里亚姆·沙皮罗（Miriam Schapiro）（生于1923-2015年），瑞典艺术家莫妮卡·舒（Monica Sjoo），英国艺术家玛格丽特·哈里森（生于1940年）等仅举几例。 在里面 造型艺术 ，伟大的女权主义雕塑家之一是 路易丝·布尔乔亚 （1911年至2010年）。

新主观性 （1970年代）

“ 新主题 ”是法国策展人和艺术史学家让·克莱尔（Jean Clair）于1976年在巴黎蓬皮杜艺术中心举办的国际 现代艺术博物馆 的国际展览的标题。 展览以美国，英国和欧洲现代艺术家的作品为特色，他们拒绝了现代艺术中占主导地位的抽象和概念主义，而是希望以现代的方式回归到描绘事物的现实。 在他们的绘画中，他们关心对真实世界的仔细观察。

“新主观主义”的指数采用了从纪念性到小规模的各种形式的画布，并使用了丙烯酸，油和水彩以及彩色铅笔和蜡笔。 在他们回到形象化和代表自然的过程中，他们描绘了花园，田野，游泳池，肖像和静物画的景色。 通常，他们是熟练的绘图员和受过学术训练的画家，并根据线性和垂直视角的传统文艺复兴时期的规则建造他们的画作。 与新主体性相关的杰出艺术家包括英国艺术家 大卫·霍克尼 ，美国艺术家（活跃于英格兰）RB Kitaj，瑞士艺术家Samuel Buri和法国艺术家Olivier O Olivier，Christian Zeimert，Michel Parre和Sam Szafran。

伦敦学校

美国画家 RB Kitaj 在1976年在伦敦的海沃德画廊（Hayward Gallery）举办的展览目录中使用的一个术语，当时极简主义和概念主义是高级时装。 该展览名为“人类黏土”，专注于绘画和绘画的具象作品，在小册子RB Kitaj中创造了“ 伦敦学校 ”一词，指的是正在展出其作品的单个艺术家。 从那时起，伦敦学校一词被用来指代当时与这座城市相关的艺术家群体，面对前卫的建立，他们继续练习具象作品的形式。 参与伦敦学校的主要艺术家包括迈克尔·安德鲁斯（Michael Andrews）， 法式培根 ，卢西安·弗洛伊德（Lucian Freud），大卫·霍克尼（David Hockney）（尽管实际上居住在美国），霍华德·霍奇金（Howard Hodgkin）， 弗兰克·奥尔巴赫 和莱昂·科索夫（Leon Kossoff）。 1970年代后期，随着极简和观念艺术的兴起，新一代具象画家和雕塑家开始出现，他们对学校的工作产生了新的兴趣。 （有关英国现代画家的简要指南，请参阅： 当代英国绘画 。）

涂鸦艺术 （1970年代开始）

也称为“街头艺术”，“ Spraycan艺术”和“气溶胶艺术”， 涂鸦艺术 是一种与嘻哈相关的绘画风格，嘻哈是一种文化运动，在1970年代和1980年代在美国各个城市，特别是在纽约地铁上大肆传播。 第一代嘻哈B男孩在试图创造自己的艺术形式时表达了城市少数民族的挫败感，这是一种非商业性的尝试，其目的并不是要取悦大众。 他们使用了蜡纸，记号笔和喷雾罐，并用工业喷漆和丙烯酸在所有类型的支撑物上写字：石头，石膏，金属，木材和塑料。 他们的“画布”是地铁，城市墙壁和工业荒地，地铁，屋顶和广告牌。 1970年代，涂鸦艺术传遍欧洲和日本，并最终从街头越过进入画廊。 （参见 班克斯 ，这是英国最著名的涂鸦模具艺术家。）然而，运动的核心是纽约市。

在纽约，一位以华盛顿州高地市的青年时代闻名的早期先驱以他的TAKI 183标签而闻名。 第一批女性涂鸦艺术家是Barbara 62和Eva62。从1971年开始，艺术家开始采用签名书法风格来区分自己的作品，并开始闯入地铁站，以便将其标签贴在火车的侧面，这一过程称为“ 轰炸 ”-效果最佳。 火车因此成为他们的“画廊”，因为它在整个城市展示了他们的工作。 标签 的大小和规模也有所增加，在1972年导致了由称为Super Kool 223的涂鸦喷雾器生产所谓的“ 杰作 ”或“ 碎片 ”。进一步的发展涉及包括圆点，方格和交叉影线等设计，并很快出现了“ 自下而上 ”的作品-横跨地铁车厢的整个高度-以及风景和卡通人物。 逐渐地，主流艺术界开始注意到。 雨果·马丁内斯（Hugo Martinez）于1972年成立的联合涂鸦艺术家（UGA）扩大了会员范围，其中包括许多领先的涂鸦艺术家，目的是在Razor画廊等官方场所展示作品。 到1970年代中期，涂鸦创作中的大多数创造性标准已经确立，这种类型开始停滞。 纽约市地铁运输管理局还发起了一项双重运动，以确保仓库的安全并持续擦除涂鸦。 结果，标记者放弃了地铁，走上了街头，在那里他们的静态艺术必定受到的曝光要少得多。 在1980年代末期和1990年代，越来越多的艺术家开始在画廊展出作品并租用艺术工作室，这种做法早在几年前就已经开始，例如 让·米歇尔·巴斯奎特 -现在是世界顶级当代艺术家之一-放弃了他的签名SAMO（Same Old Shit），以争取主流机会。 其他著名的涂鸦艺术家包括 基思·哈林 （1958-90），班克斯（生于1973-4）和 戴维·沃纳诺维奇 （1954年至1992年）。 涂鸦是大型“街头艺术”运动的一种形式， 局外人艺术 在传统艺术场所的框架之外创作。 它包含模具涂鸦，海报或贴纸艺术，弹出式艺术和街头装置，包括最新的视频投影，炸弹袭击和锁定雕塑。 街头艺术有时被称为“城市艺术”，“游击艺术”，“后涂鸦”或“新涂鸦”。

有关前30个后现代主义艺术展览，双年展和博览会的列表，请参阅： 最佳当代艺术节 。

新表现主义 （1970年代后期）

后现代主义的几种风格之一， 新表现主义 这是一场广泛的绘画运动，大约在1980年左右出现，以应对极简主义和概念艺术的停滞，他的知识分子和自我风格的“纯净”统治了1970年代，但现在开始引起许多艺术家的神经。 新表现主义者拥护高度时尚的实践 美术绘画 （被后现代主义者称为“死者”），并支持现代主义者试图抹黑的一切：形象，情感，象征和叙事。 他们使用感性的色彩，并结合了与许多历史风格和运动相关的主题，例如文艺复兴时期，矫饰主义，立体主义，野兽派，超现实主义，抽象表现主义和波普艺术。 毫不奇怪，在德国，新表现主义受到早期德国表现主义团体如 Der Blaue Reiter 和 Die Brucke的 强烈影响。

该运动接受了像德国这样的艺术家的新绘画 乔治·巴塞利兹 生于1938年（生）的乔治·伊门多夫（Jorg Immendorf） 安瑟姆·基弗（Anselm Kiefer） ，AR Penk，Sigmar Polke和 格哈德·里希特 以及Markus Lupertz等“ 丑陋的现实主义者 ”的作品。 它还涵盖了 Neue Wilden （新野生动物，指的是1900年代野兽派或“野兽”风格），其成员包括Rainer Fetting。 继国际展览如“绘画中的新精神”（伦敦皇家艺术学院，1981年）和“时代精神”（柏林，1982年）之后，“新表现主义”一词开始被应用到其他群体，例如法国的 自由女神像 ，意大利的 Transavanguardia ，“ 新形象画家 ”和所谓的“ 不良画家” 。 在美国，这种风格虽然很流行，但除了像 菲利普·古斯顿 （1913-80），朱利安·施纳贝尔（Julian Schnabel），大卫·萨勒（David Salle）等。 在英国，这种风格体现为 珍妮·萨维尔（Jenny Saville） ，这挑战了人体尺寸和形状的传统观念。 运动的兴起导致几位以类似方式工作的艺术家得以康复。 其中包括美国人路易斯·布尔乔亚，列昂·古鲁布和 Cy Twombly ; 和英国艺术家卢西安·弗洛伊德（Lucian Freud），他们的所有作品都被贴上了新表现主义的标签。 该标签也已应用于雕塑。 像美国的查尔斯·西蒙兹，英国的艺术家阿尼什·卡普尔和雷切尔·怀特里德，捷克的马格达莱纳·杰特洛娃，德国的伊萨·根茨肯和波兰的雕塑家马格达莱纳·阿巴卡诺维兹（Magdalena Abakanowitz）等雕塑家的作品都具有表现主义特征。 在建筑学中，表现主义一词已应用于悉尼歌剧院和毕尔巴鄂的古根海姆博物馆等建筑。 有关更多信息，请参见： 表现主义绘画史 （1880-1930）和 表现主义运动 （1880年代起）。

Transavanguardia （Trans-avant-garde）（从1979年开始）

1979年10月，意大利艺术评论家Achille Bonito Oliva在Flash Art杂志中使用了“超前卫”一词（超越前卫），当时是指国际新表现主义。 但是从那以后，它仅用于描述1980年代和1990年代以这种风格工作的意大利艺术家的作品。 他们包括Sandro Chia，Francesco Clemente，Enzo Cucchi和Mimmo Paladino。 Transavantgarde的艺术家采用一种自由的，具象形的绘画风格，并怀旧地提及 再生 及其图像。 他们用油画了大型作品，包括写实肖像和虚构肖像，宗教和寓言历史绘画，并受到了启发。 象征 以及 野兽派 。 Chia在其叙事宗教作品中融合了意大利的手法，立体主义，未来主义和野蛮主义。 Paladino创作了具有几何和象征图案的大型神话图片。 库奇（Cucchi）受灵感启发制作了巨人和山脉的浪漫场景 超现实主义 ，并在其绘画作品中使用了金属或粘土制成的多余物品； 克莱门特（Clemente）因其自我刻画和私密的形象作品而闻名。 他们的作品被包括在1980年巴塞尔的Kuntshalle和威尼斯双年展以及1981年的伦敦皇家学院的大型展览中，导致在欧洲和美国的个人展览以及学校的意义迅速上升。

Britart：年轻的英国艺术家 （1980年代）

该 英国青年艺术家 （YBA）首次出现在1980年代，并于1997年在“ 轰动 ”展览中 得到正式认可 。由于Dada和超现实主义等20世纪初期的风格，他们的作品通常被称为“ Britart”。该小组由在英国工作的许多画家，雕塑家，概念画家和装置画家组成，其中许多人曾在伦敦的金史密斯学院学习。其成员在1990年代期间以其令人震惊的艺术品获得了广泛的媒体报道，并主导了英国艺术。著名成员包括 达米安·赫斯特（Damien Hirst） （因 有人活着而导致死亡的身体上的不可能 ，一个用甲醛腌制的死虎鲨，最近又为他的钻石镶嵌的头骨献给 上帝的爱而 闻名 ），和 特蕾西·艾敏（Tracey Emin） （因 My Bed 而闻名 ，这是一张蓬乱的双人床，带有一些高度个人化的碎屑）。

可以说，许多YBA永远不会成功，而只是为了当代艺术品收藏家的赞助和推广他们的作品 查尔斯·萨奇 ，他是在1988年金史密斯学院学生展览“冻结”中首次遇到达米安·赫斯特的，该展览展示了16个YBA。萨奇（Saatchi）购买了许多展出的作品。两年后，赫斯特策划了另外两个颇具影响力的YBA节目：“现代医学”和“赌徒”。萨奇参加了两个展览并购买了更多作品。到1992年，萨奇不仅成为赫斯特的主要赞助人，而且还是其他年轻的英国艺术家的最大赞助商-通过“新当代人”，“新英国夏日”和“明基·曼基”等展览出现了第二批青年艺术家。 ，其中包括Tracey Emin等艺术家。同时，英国的经济衰退加剧了伦敦当代艺术市场的崩溃。作为回应，萨奇（Saatchi）在他的主持下举办了一系列展览 萨奇画廊 ，推广“青年英国艺术”这个名字，从而追溯了该运动的身份。第一个作品展示了莎拉·卢卡斯（Sarah Lucas），马克·沃林格（Mark Wallinger），瑞秋·怀特里德（Rachel Whiteread）以及当然达米恩·赫斯特（Damien Hirst）的作品，这些人的死鲨迅速成为了全球Britart的标志性象征。

1993年，YBA蕾切尔·怀特里德（Rachel Whiteread）赢得了特纳奖，1995年，达米恩·赫斯特（Damien Hirst）获得了特纳奖。 1997年，年轻的英国艺术家成为主流，当时伦敦皇家学院与萨奇（Saatchi）共同举办了“感官”（Sensation），这是YBA艺术的权威展览，引起了不少争议。 然后，它去了纽约的布鲁克林艺术博物馆。 1999年，特蕾西·艾敏（Tracey Emin）的作品《我的床》（My Bed）获得了特纳奖的提名，而2000年，YBA的展品被纳入新的泰特现代美术馆，这一切都证实了该组织的声誉。

也可以看看： 当代爱尔兰艺术家 和 20世纪的爱尔兰画家 。

某些著名的YBA包括：James Rielly（肖像），Keith Coventry（抽象画家），Simon Callery（城市风景），Martin Maloney（表现主义画家），Gary Hume（极简主义者），Richard Patterson（超级抽象），Fiona Rae（抽象抽象） ，波普艺术），马库斯·哈维（Marcus Harvey）（表现主义的具象作品），伊恩·达文波特（Ian Davenport）（几何抽象），格伦·布朗（Glenn Brown）（雕塑家和表现主义绘画）和珍妮·萨维尔（Jenny Saville）（表现主义风格的女性身体）， 特纳奖得主 （1984年至2014年）。

解构主义设计 （1985-2010）

解构主义 是“反几何”形式的 20世纪建筑 最早出现在1980年代后期，在加利福尼亚和欧洲。 解构主义体系结构在航空航天工业开发的计算机软件的大力推动下，拥护一种非直线型设计方法，该方法通常会使结构的外部变形。 解构主义是加拿大裔美国人率先提出的 弗兰克·格里 （生于1929年），是最具创新性的公司之一 美国建筑师 后现代时代。 其他著名的从业者还包括Peter Eisenman，Coop Himmelb（l）au公司，Rem Koolhaas和Daniel Libeskind。 最著名的解构主义建筑包括：古根海姆博物馆（毕尔巴鄂），国家歌剧院（布拉格）和体验音乐计划（西雅图），均由弗兰克·盖里（Frank Gehry）设计； UFA-Palast（Dresden），由Coop Himmelb（l）au设计； 还有雷姆·库哈斯（Rem Koolhaas）设计的西雅图图书馆。也可以看看： 设计艺术 c.1850-1970。

人体艺术 （1990年代）

在1960年代后期，出现了一种名为“ 人体艺术”的行为艺术 ，在这种 艺术 中，艺术家自己的身体成为被动艺术作品的“画布”，或者以令人震惊的方式“表演”。 被动人体艺术的最典型形式是 人体彩绘 ，纹身， 美甲 ，穿孔 面部彩绘 ，品牌或植入物。与表演相关的更为活跃的人体艺术类型是艺术家滥用自己的身体来传达其特定的“艺术信息”，其中包括残割，吸毒，极端体育活动或极度的耐力。维也纳行动小组是一个有争议的表演团体，该团体由Gunter Brus，Otto Muhl，Herman Nitsch和Rudolf Schwartzkogler于1965年成立。其他著名的人体艺术家包括Michel Journiac（1935-1995），Kety La Rocca（1938-76），Vito Acconci（b.1940），Ulay（Frank Uwe Laysiepen）（b.1943）和非凡的塞尔维亚艺术家 Marina Abramovic （b.1946）。

领先的人体画家是新西兰人乔安妮·盖尔（Joanne Gair，生于1958年）。 以她的错视画人体彩绘和化妆艺术而闻名，她最著名的是她的 一位女性裸照 ，名为“黛咪·摩尔的生日套装”，该肖像出现在 1992年8月 的 《名利场》 杂志的 封面上 。它是由当代摄影师 安妮·莱博维茨 （ Annie Leibovitz） （1949年生） 拍摄的 。

中国玩世现实主义 （1990年代）

愤世嫉俗的现实主义 -这个词是由极具影响力的艺术评论家和策展人李宪庭（b.1949年）首次创造的，旨在刻意表现出官方认可的 社会主义现实主义 -描述了在天安门广场示威被压制之后，许多北京艺术家在1989年后的阴霾中采用的绘画风格。 它对中国当代社会的讽刺有时是极具讽刺意味的批评给西方艺术收藏家留下了深刻的印象，尽管过去和现在被中国艺术评论家们含混不清地看待，他们对西方的名声感到不安。 与玩世现实主义有关的艺术家包括：岳敏君（生于1962年），方立钧（生于1963年）和张小刚（生于1958年），他们的油画价格均超过100万美元。 该运动与“政治波普”有关-1980年代后期的中国波普艺术形式。

新流行艺术 （1980年代以后）

术语“新流行”或“后流行”表示美国人对1950年代和1960年代流行艺术运动的主题和方法的兴趣的复兴。 特别是涉及Ashley Bickerton等艺术家的作品， 杰夫·昆斯 ，艾伦·麦科勒姆（Alan McCollum）和海姆·斯坦巴赫（Haim Steinbach）。 通过使用可识别的物体，名人图像（例如迈克尔·杰克逊，麦当娜，布兰妮·斯皮尔斯）以及1980年代和1990年代流行文化的图标和符号，这种更新的波普艺术形式也从达达（从使用 现成品 和 找到的对象 ），以及现代概念艺术。新流行艺术的经典例子是Katharina Fritsch的雕塑“ Rat-King”（1993年）和1988年的Jeff Koons雕塑“ Michael Jackson and Bubbles”。就像它的父辈风格一样，Neo-Pop嘲笑着名人明星，并公开质疑了社会上一些最宝贵的假设。昆斯本人因将媚俗提升为高级艺术而声名狼藉。他的“气球狗”（1994-2000年）是一个闪亮的红色钢雕塑（高10英尺），其详细的纪念碑形式与其主题的琐碎性质形成了荒谬的对比。其他著名的新流行艺人包括美国人珍妮·霍尔泽（Jenny Holzer），卡迪·诺兰德（Cady Noland）和丹尼尔·爱德华兹（Daniel Edwards）。英国青年艺术家达米安·赫斯特（Damien Hirst），加里·休姆（Gary Hume）和加文·特克（Gavin Turk），以及迈克尔·克雷格·马丁（Michael Craig-Martin），朱利安·奥皮（Julian Opie）和丽莎·米尔罗伊（Lisa Milroy）；俄罗斯人Vitali Komar和Alexander Melamid；和比利时艺术家Leo Coper。

注意：关于Neo-Pop的一个令人困惑的事情是，原始的1960年代和70年代的波普艺术的几位创作者仍在1990年代创作有趣的作品。 最好的例子是雕刻家 克莱斯·奥尔登堡 （b.1929），其巨型的雕塑流行包括 免费邮票 （1985-1991，威拉德公园，克利夫兰）和 苹果的核心 （1992年，以色列博物馆，耶路撒冷）。

Stuckism （1999年以后）

颇具争议的英国艺术团体，由查尔斯·汤姆森（Charles Thomson）和比利·柴迪什（Billy Childish）以及其他11位艺术家于1999年共同创立。这个名字源于英国艺术家特蕾西·埃敏（Tracey Emin）对幼稚的侮辱，后者建议他的作品是“粘住”。他们拒绝接受概念艺术的无菌性质，以及像Emin这样的YBA的表演和装置，他们声称这基本上没有艺术价值，Stuckist艺术家赞成恢复 比喻绘画形式 所体现的更多绘画品质 和其他代表性艺术。该小组在2000年代初期在英国举办了许多展览，包括“新千年的首次艺术展”（2000年1月1日）和“尼古拉斯·塞罗塔爵士的辞职”（2000年3月），以及一些年度展览，题为“真正的特纳奖节目”，以及许多其他活动。该小组还在巴黎，汉堡，科隆，莱比锡，新泽西州，美国纽黑文和澳大利亚墨尔本举行。 Stuckism还出现在最近的两本书中：Amy Dempsey撰写的“样式，学校和动作：现代艺术百科全书”；以及Rosie Millard撰写的“ The Tastemakers：UK Art Now”。在伦敦市中心也开设了一家Stuckist画廊。 Stuckist小组的成员包括Charles Thomson，Billy Childish，Bill Lewis，Philip Absolon，Sanchia Lewis，Sheila Clark，Ella Guru和Joe Machine。

新莱比锡学校 （2000年起）

在新千年的头几年，新莱比锡画派（德语为“ Neue Leipziger Schule ”）也被称为“ 德国青年艺术家 ”（YGA）， 引起了公众的关注，这 是画家和雕塑家的松散运动，他们接受了在 东德莱比锡的视觉艺术学院（ HochschulefürGrafik und Buchkunst ）进行 培训 ，在很大程度上与西方现代艺术潮流隔离开来。 教学方法一贯是传统的，注重传统的基础 美术 着重于制图技术， 人物画 ，生活图，网格的使用，颜色理论和透视定律。 1989年重新统一后，该学校开始教来自德国各地的学生，其毕业生寻找在西方出售作品的机会。出现的第一位成功的艺术家是Neo Rauch，他于2000年在纽约的David Zwirner画廊举办了个展。他的成功现在为其他同样才华横溢的莱比锡艺术家打开了大门，他们的作品正在欧洲和美国展出。状态。他们的风格通常具有象征意义，特别强调叙述性，并以柔和的色彩为特征。

古典现实主义与后现代工作室运动
新莱比锡学院是当代传统手工艺中心之一。 在美国，传统美术绘画在1980年代被“古典现实主义”复兴，这是由Richard Lack（1928–2009）创建的当代运动，Richard Lack（1928–2009）是波士顿艺术家RH Ives Gammell（1893–1981）的前学生。 20世纪50年代。 1967年，他成立了 Atelier Lack 培训班，该培训班以 19世纪巴黎 的 工作室 为 蓝本 。

投影艺术 （21世纪）

投影艺术（也称为投影映射或视频映射或空间增强现实）是后现代艺术的高度。 使用计算机投影技术，只需要在其上投影成品的表面（如建筑物，教堂正面，树木等）。 任何图像都可以映射到接收表面上，并且效果非常壮观：它可以从字面上转换室外或室内空间，同时讲故事和创造视觉盛宴。 著名的放映艺术家包括Paolo Buroni，Clement Briend，Ross Ashton，Jennifer Steinkamp，Andy McKeown和Felice Varini，仅举几例。

计算机艺术 （21世纪）

历史可以追溯到亨利拉丝机，由德斯蒙德保罗·亨利设计于1960年，术语“ 计算机艺术 “”表示计算机在其中起重要作用的任何艺术。此广义定义也包括使用计算机的更常规的艺术形式，例如：计算机控制的动画或动态艺术，或计算机生成的绘画-以及基于这些形式的形式计算机艺术，也可以称为“数字艺术”，“互联网艺术”，“软件艺术”或“计算机图形学”，这类艺术的先驱包括Harold Cohen，Ronald Davis，George Grie ，让-皮埃尔·赫伯特（Jean-Pierre Hebert），贝拉·朱里斯（Bela Julesz），奥尔加·基塞列娃（Olga Kisseleva），约翰·兰斯当（John Lansdown），莫恩·梅森（Maughan Mason），曼弗雷德·莫尔（Manfred Mohr）和约瑟夫·内奇瓦塔尔（Joseph Nechvatal）。约翰·惠特尼（John Whitney）。其他重要的研究先驱包括：加州大学圣地亚哥分校的Harold Cohen教授和加州大学伯克利分校的Ken Goldberg。最早的计算机艺术展览包括：1965年在德国斯图加特Technische Hochschule举办的“ Generative Computergrafik”展览；纽约霍华德·怀斯画廊的《计算机图片》（1965年）； “计算机图像”（1965年），位于德国斯图加特的Wendelin Niedlich画廊；伦敦当代艺术学院的《 Cyber​​netic Serendipity》（1968年）。在21世纪，计算机艺术已成为当代艺术的最新舞台-一种最终的后现代主义。实际上，计算机生成的艺术具有很高的革命性-尤其是因为它具有（随着人工智能的发展）实现完全的艺术独立性的能力。关注此空间！最早的计算机艺术展览包括：1965年在德国斯图加特Technische Hochschule举办的“ Generative Computergrafik”展览；纽约霍华德·怀斯画廊的《计算机图片》（1965年）； “计算机图像”（1965年），位于德国斯图加特的Wendelin Niedlich画廊；伦敦当代艺术学院的《 Cyber​​netic Serendipity》（1968年）。在21世纪，计算机艺术已成为当代艺术的最新舞台-一种最终的后现代主义。实际上，计算机生成的艺术具有很高的革命性-尤其是因为它具有（随着人工智能的发展）实现完全的艺术独立性的能力。关注此空间！最早的计算机艺术展览包括：1965年在德国斯图加特Technische Hochschule举办的“ Generative Computergrafik”展览；纽约霍华德·怀斯画廊的《计算机图片》（1965年）； “计算机图像”（1965年），位于德国斯图加特的Wendelin Niedlich画廊；伦敦当代艺术学院的《 Cyber​​netic Serendipity》（1968年）。在21世纪，计算机艺术已成为当代艺术的最新舞台-一种最终的后现代主义。实际上，计算机生成的艺术具有很高的革命性-尤其是因为它具有（随着人工智能的发展）实现完全的艺术独立性的能力。关注此空间！（1965年）在德国斯图加特的理工学院学习；纽约霍华德·怀斯画廊的《计算机图片》（1965年）； “计算机图像”（1965年），位于德国斯图加特的Wendelin Niedlich画廊；伦敦当代艺术学院的《 Cyber​​netic Serendipity》（1968年）。在21世纪，计算机艺术已成为当代艺术的最新舞台-一种最终的后现代主义。实际上，计算机生成的艺术具有很高的革命性-尤其是因为它具有（随着人工智能的发展）实现完全的艺术独立性的能力。关注此空间！（1965年）在德国斯图加特的理工学院学习；纽约霍华德·怀斯画廊的《计算机图片》（1965年）； “计算机图像”（1965年），位于德国斯图加特的Wendelin Niedlich画廊；伦敦当代艺术学院的《 Cyber​​netic Serendipity》（1968年）。在21世纪，计算机艺术已成为当代艺术的最新舞台-一种最终的后现代主义。实际上，计算机生成的艺术具有很高的革命性-尤其是因为它具有（随着人工智能的发展）实现完全的艺术独立性的能力。关注此空间！“控制论的偶然”（1968年），位于伦敦当代艺术学院。在21世纪，计算机艺术已成为当代艺术的最新舞台-一种终极的后现代主义。事实上，计算机生成的艺术具有很高的革命性-尤其是因为它具有（随着人工智能的发展）实现完全的艺术独立性的能力。“控制论的偶然”（1968年），位于伦敦当代艺术学院。在21世纪，计算机艺术已成为当代艺术的最新舞台-一种终极的后现代主义。事实上，计算机生成的艺术具有很高的革命性-尤其是因为它具有（随着人工智能的发展）实现完全的艺术独立性的能力。