洛可可艺术 自动翻译

有关此艺术风格的建筑方面的简要介绍，请参见： 洛可可式建筑 。

介绍

以路易十四国王的皇家宫殿的巴洛克式宏伟建筑为中心，以法国为中心 凡尔赛宫 ，洛可可式运动或 法国画 尤其与新国王路易十五的情妇庞帕度夫人以及法国贵族的巴黎住所有关。 这是一种异想天开且精心装饰的艺术风格，其名称源于法语单词“ rocaille”，意为贝壳形式的岩石制品。

在洛可可世界中，所有艺术形式，包括 美术绘画 ，建筑， 雕塑 ，室内设计，家具，织物，瓷器和其他“ 艺术品 ”被包含在一种高雅的美中。

洛可可艺术的例子是 著名画家 像让·安托万·沃托（Jean-Antoine Watteau，1684-1721年），尤其是他的“祝宴晚宴”户外求爱聚会； 让·霍诺尔·弗拉戈纳尔（Jean-Honore Fragonard）（1732-1806）的照片描绘了他的爱与诱惑。 弗朗索瓦·布歇（Francois Boucher，1703-70年）的油画富丽堂皇。 威尼斯人Giambattista Tiepolo（1696-1770）以其出色的装饰而闻名 维尔茨堡住宅壁画 （1750-3）; 以及巴黎凯旋门的雕刻家克劳德·米歇尔·克洛迪翁（Claude Michel Clodion）（1738-1814）的雕塑，最著名的是 兵马俑雕塑 若虫和色狼。 在英国，洛可可式的绘画在托马斯·盖恩斯伯勒（Thomas Gainsborough）（1727-88）的女性肖像中达到了顶峰。 洛可可最终被取代 新古典艺术 ，这是拿破仑在法国和美国革命时期的标志性视觉风格。

洛可可：起源

洛可可是轻浮，任性的高贵孩子 巴洛克 。 父母在意大利出生，孩子在法国。 巴洛克式（barocco，一种粗糙的珍珠）在17世纪初期发展起来，并在整个欧洲迅速传播。 起初主要是雕塑和建筑风格，其最大的指数和天才是 吉安洛伦佐·贝尼尼 （1598-1680）和他之前的米开朗基罗一样，首先也是雕塑家，但自然而然地转向绘画，戏剧装饰和建筑，同时为罗马的几位教皇服务。 他的“ 圣特雷莎的迷魂药 ”和罗马的S. Andrea al Quirinale小型教堂都揭示了导致洛可可风格的趋势：在昂贵且精致的材料（如彩色大理石和青铜）上巧妙地使用了光和影。

十七世纪是一个宏伟的时代，强烈的宗教情感在卡拉瓦乔和科尔托纳的绘画，贝尼尼（Berini）的雕塑和圣保罗的建筑中以醒目的视觉形式清晰而有力地表达出来。 弗朗切斯科·波罗米尼（Francesco Borromini） （1599年至1667年）。 它最重要的表现是意大利，这确实是意大利作为创造力的天鹅之歌，因为在贝尔尼尼的赞助人教皇厄本八世去世时，新星就已经出现了-法国，这将继续她的流星雨在整个世纪中崛起，并在随后的世纪中统治着时尚和艺术性的欧洲。 也可以看看： 洛可可艺术家 。

法国洛可可风格-特点

1651年，年轻的路易十四时代到来，到1660年代，在法国的任何分歧都被完全压制了，因此路易士可以将注意力集中在 凡尔赛 宫的建筑和装修上。 在这里，意大利巴洛克风格被路易斯的全能艺术家，设计师和室内装饰师采用和修改， 查尔斯·勒布朗 ，不是要荣耀天主教的圣徒，而是要荣耀法国国王：“ Le Roi Soleil”。 路易的绝对统治不仅包括视觉上证明了他的至高无上的地位，而且还涉及精心制作的宫廷礼节，就像勒诺特在宫殿周围布置的花园一样僵硬和不自然。 在著名的镜厅和五彩缤纷的大使楼梯等公寓中，都感觉到了这种极端的形式。 法国表明她已经是品味的仲裁者，并且渴望新颖。

法国洛可可式建筑，室内设计和装饰

洛可可式（Rococo）与法国的18世纪有着正当的联系，但即使在上个世纪的最后几年，也出现了新风格的迹象，就像法院建筑师的作品一样， 朱尔斯·哈杜因·曼萨特 （1646-1708），在凡尔赛的特里亚农宫和Marly，另一处王室住所。 在这两座建筑中，曼萨特（Mansart）摆脱了大理石和青铜的惊人使用，转而采用木制镶板和浅色。 Trianon的规模如此之大，表明人们渴望逃离宏伟的宫殿，这种感觉在18世纪引起了许多极为重要的作品。 [请注意早期的影响 枫丹白露学校 （1530-1610）关于洛可可风格的演变，特别是俏皮的灰泥雕刻和其他类似洛可可的图案。]

路易十四似乎对这种反应感到非常鼓舞，正如他对曼萨尔（Mansart）的著名禁令所表明的那样，该禁令装饰了年轻的杜纳塞城堡（Chateau de la Menagerie）的勃艮第公爵夫人（Duchesse de Bourgogne）的房间：“您必须散布青春的感觉。” 那是在1699年，国王还有16年的生存时间，这些年将决定至少下一代的艺术和装饰过程，不仅在法国，而且在遥远的西西里岛和奥地利。

如果说洛可可式是法国的创作，那么来自更远地方的许多因素都影响和促进了这种风格，例如，在巴黎呆了很长时间的17世纪意大利艺术家 Stefano delia Bella 的图形作品。 在他的设计中，细腻而羽毛状的线条包裹着形式，这些形式通常纯粹是出于装饰目的，就像洛可可式的艺术品一样。

十七世纪最后几十年的许多雕刻书籍都以洛可可式的胚胎形式展现出来。 佛兰芒和德国文艺复兴时期装饰，甚至枫丹白露画派的特色，其紧凑的卷轴作品得以解放，使其不那么严格和对称，并引入了奇妙的元素，这在原著中是未知的。 在法国，在 安德烈·查尔斯·布勒 的家具中以及在威尼斯，在 安德里亚·布鲁斯托隆 的家具中都可以看到这一点，在世纪之交开始，弯曲，错综复杂的巴洛克风格开始被改变。

在极为重要的环境中，这种新风格的首次出现是在凡尔赛宫的路易十四的卧室中。 它在1701年进行了重新装修，主要采用白色和金色，完全是依靠精细雕刻的壁柱与镀金雕刻的丰富区域之间鲜明对比的效果，并在烟囱上方设置了带圆顶的大镜子。 当然，早在格拉西斯美术馆和大特里亚农宫的镜室创建时，大面积的威尼斯镜玻璃就已成为重要的装饰特征：由于洛可可式的出现，它们常常被错误地识别出来。风格，实际上它们在其中起着重要作用。 然而，路易式卧室的设计仍然见证了古典秩序的强烈偏爱，古典的十七世纪传统中的壁柱装饰。

任何对洛可可装饰的研究都存在的问题之一是，我们不确定它到底有多少是源于小型的绘图员部队，而绘图员曼萨尔等主要人物一直在幕后，还有多少是伟大的建筑师自己。 因此，当建筑物或室内装饰像曼萨特（Mansart）或德科特（De Cotte）的作品通过时一样，其中的新颖细节也可能来自“鬼”设计师，带有某种幻想和皇家建筑师通过的独创性作为他自己的。

这些绘图员很可能熟悉装饰图案的书籍，这些书籍起源于20世纪60年代。 文艺复兴时期的艺术 -说明了著名的怪诞 拉斐尔 在Madama别墅和梵蒂冈凉廊中。 怪诞的东西 起源于罗马坟墓中的灰泥浮雕和绘画（或称“怪诞的洞穴”），早在1650年代就在法国装饰中发挥了重要作用，后来出现在勒布朗自己的一些装饰品中，例如在美术馆中罗浮宫中的d’Apollon。 它们由弯曲的植物和卷形组成，通常起源于骨灰盒或花盆，并以规则的方式向上弯曲，居住在嬉戏的猴子，昆虫和其他提供轻微不对称触感的生物中。 皮埃尔·勒帕特雷 （ Pierre Lepautre） 于1699年在马利（Marly）布置国王套房时，便想到了这种装饰的轻巧性。

可悲的是，我们只能从图纸中得知Lepautre在Marly的内饰。 它们表明，他省去了门和镜子周围沉重的矩形框架，取而代之的是将微型弯曲装饰集成到了模制的角落中，这些装饰本身比以往任何时候都更精美，更优雅。 Lepautre代替传统的喷漆和镀金天花板，简单地用宽大的白色石膏板进行铰接，并在其中央饰有精致的镀金玫瑰花环-在整个洛可可时期，天花板和镶板都应模仿。

洛可可式风格在 奥尔良公爵摄政时期 （1715-23年）发展最为迅速，其城镇住所为皇家宫殿。 在这里，执照才是规则，洛可可式社会的基调就此确立：一个社会需要不断的新颖性，机智和优雅-正是洛可可式风格的特质。 社会向路易十四永远不会接受的人们敞开了大门：新近富裕且日益重要的知识分子。 在摄政时期，许多贵族在路易十四统治期间发现自己仅限于凡尔赛宫，然后回到巴黎并委托新的联排别墅，就像在旺多姆广场（Place Vendome）一样，那里仍然可以清晰地看到过渡风格。

他们的内饰并不需要上个世纪的精美天花板画，而是在他们的位置上出现了一群新的画家，他们专门研究柔和弯曲的半球形（外门）和小尺寸粉刷面板，这构成了很大一部分。 （例如） Francois Boucher （1703-70）的输出。 从此时期到革命期间一直从事固定工作的是scupteurs，他们在boiseries（装饰的面板框架）上进行了通常细致的雕刻。

大约在1720年，过渡风格开始让位给清晰的洛可可风格。 “洛可可”一词可能源自法语“ rocaille”，该词最初是指花园设计中的一种雕刻装饰。 当然，洛可可风格的主要设计师 Gilles-Marie Oppenordt ， Nicolas Pineau 和 Juste-Aurele Meissonnier 都非常了解。 在瓦托的老师 克劳德·奥德兰 （ Claude Audran ）的带领下，十七世纪的怪诞如今变成了蔓藤花纹，充满了新的幻想和美味。

向前迈出的主要步骤是在室内装饰和绘画上，而外观的重要性不高，只是某种程度上的轻巧取代了路易十四风格的沉重，并且建筑师不再依赖古典秩序。如 Jean Courtonne 和 Germain Boffrand等 生产的建筑物，其主要作用在于对石制品的微妙处理以及对精致的乡村雕塑的巧妙处理。 在巴黎，最好的两个例子是著名的1722-23年的Matignon酒店和1714年的Torcy酒店。

摄政时期，在室内装饰方面，朝着极致精致的方向稳步发展，皇家宫殿和阿瑟酒店就证明了这一点，最终形成了诸如巴黎苏比塞酒店（1738-39）的沙龙卵形厅之类的高贵精致的客房，博弗兰德（Boffrand）对德国洛可可式建筑的影响相当大。

人们还发现有一种趋势，倾向于用更小，更私密的房间代替路易十四时期所青睐的大量非常正式的公寓，例如在凡尔赛的Petites Appartements公寓中，形式遵循的功能更加紧密。 可悲的是，这些以及许多最伟大的洛可可式房间都消失得无影无踪了。 除巴黎外，在波兰已废ron的国王南希居住的南希，还采用了完全洛可可风格的精美建筑和装饰。

注意：有关洛可可风格的其他重要艺术和设计趋势，请参见 艺术运动与学校 （从公元前100年开始）。

法国洛可可绘画

自相矛盾的是，佛兰芒画家在绘画中宣告了洛可可式的风格，比其他艺术要早得多， 让·安托万·沃托 （1684年至1721年）。 他于1702年左右移居巴黎，并开始担任戏剧场景画家的工作，然后与卢森堡宫殿守护者克劳德·奥德兰（Claude Audran）一起学习，他以晚期巴洛克风格的装饰风格绘画。 瓦特瑙给卢森堡留下最深刻的印象是鲁本斯的《玛丽·德·梅迪西斯的一生》系列，并通过他影响了法国洛可可绘画的进程。 他与伟大的威尼斯画家一起研究了这些作品，用迈克尔·莱维（Michael Levey）的话说，尽管他“没有公共事业，没有教堂或王室的伟大任务；很少执行大型图片：对绘画历史题材没有兴趣”，他成为本世纪上半叶最伟大的法国艺术家。

瓦托的图片-请参阅： 前往Cythera朝圣 （1717）卢浮宫，巴黎； 柏林的夏洛滕堡-结合了鲁本斯的色彩和他自己的精致情趣，总是让人感到忧郁。 他的绘画的抒情品质，加上精致的道德风度，正是摄政年代法国社会所追求的：瓦托不仅要满足一种口味，而且还要创造一种。 有关洛可可绘画中的裸体的更多信息，请参见： 艺术史上的女性裸体 。

法国洛可可时期的另外两位主要画家， 弗朗索瓦·布歇 （1703-70）（也曾担任 戈贝林挂毯 工厂）和 让·霍诺尔·弗拉戈纳尔 （1732-1806），两者的风格都与瓦托完全不同，而且通常被认为在瓦托精致的地方变得庸俗。 沃托（Watteau）实现了贵族疏远的包围感，布歇（Boucher）和弗拉戈纳德（Fragonard）产生了更为亲密和明显的效果。

值得注意的是，布歇的职业生涯始于雕刻瓦托的照片，从那时起便开始采用传统的成功模式。 赢得罗马大奖之后，他于1727年至1731年在意大利工作。1734年，他成为院士，在他的朋友和路易十五的情妇 庞帕度夫人 的帮助下，他成为法国最受欢迎的画家。图片类型，但特别是因为他生动 神话绘画 经典科目。 在这些作品中，布歇（Boucher）和瓦托（Watauau）一样，常常表现出某种微妙的情色脉络，他对鲁本斯和威尼斯艺术，尤其是保罗·韦罗内塞（Paolo Veronese）负有强烈的责任，他最好的前身是画得井井有条并展示神话。 Boucher于1765年成为该学院的院长，并通过他的许多画作以及他的挂毯和其他装饰品设计为洛可可式运动做出了非常重要的贡献。

回忆起约书亚·雷诺兹爵士（Joshua Reynolds）爵士在发现布歇（Boucher）抛弃模特时所表现出的愤怒，他以大多数后来的形式都不现实。 与瓦托的虚幻世界相比，布歇的设置更加不真实，而与 托马斯·盖恩斯伯勒 （ Thomas Gainsborough ）（用镜子，树枝和苔藓组成的风景）形成的对比则更加极端。 微型树木环绕着质朴的建筑，这些建筑似乎是用糖粉制成的，水看起来好像是玻璃制成的。 没有真正的明暗，也许是为了避免与设置它的周围浅色和浅色洛可可式植物装饰形成强烈对比。

尽管有许多杰出的个人画家，但也有一些画家家族遵循了几乎不变的风格传统。 其中有 Coypels ，他们在凡尔赛宫， Van Loos 和 De Troys 处执行教堂的天花板 封顶 ，这些人都为洛可可时代首次出现的上层阶级和中产阶级绘制了有趣的图画。作为重要的赞助人，并在一定程度上解释了对肖像的需求增加。 纳蒂尔（Nattier），杜鲁瓦（Drouais），罗斯林（Roslin）的肖像，当然还有布歇（Boucher）自己的肖像中，都发现了一些社会成熟度的最美味的回忆，她的庞贝帕德夫人的精致肖像是该世纪任何女性中最精美的肖像之一。 另请参阅洛可可肖像 伊丽莎白·维吉·勒布朗 （1755-1842），法国女王玛丽·安托瓦内特的宫廷肖像画家。

除了肖像画，还出现了许多其他专门的绘画分支，例如静物画，其中 让·巴蒂斯特· 奥德里（ Jean Baptiste Oudry （1686-1755））和 弗朗索瓦 · 德斯波特（ Francois Desportes） （1661-1743）最为重要。

在这些“较小”的领域中，一个人是杰出的： 让·查丁 （1699年至1779年）。 他那令人愉悦的简单而深刻的风格题材，以及他的静物画，乍一看似乎与 荷兰现实主义 -除了法国的精确度和敏感性外，还不如流行的洛可可风格。 一个杰作可以从一张有几朵花的代尔夫特花瓶的小照片中诞生，也可以从一个简单的两位数研究中诞生。 正是他们的精致和精致将他们与洛可可式联系起来。 洛可可风格的另一位杰出画家是“道德主义” 让·巴蒂斯特·格鲁兹 （1725年至1805年）。

法国洛可可式家具和装饰艺术

相同的美味代表 法国家具 和很多 法国装饰艺术 的时期。 约在1715年和1770年之间 法国设计师 创造出的家具，其线条和细节之美，精细的饰面和昂贵的材料均无可匹敌。 同样在这一时期，我们今天所熟悉的大多数家具类型应运而生：诸如写字台（局），秘书（许多不同类型，尤其是前面板和圆柱体类型）以及沙发有多种外观（小点心，lits de repos）。

从17世纪后期起，以鲍勒（Boulle）风格镶嵌黄铜和乌龟壳的沉重物件，从摄政时期开始被更小，更轻的物件所取代，这一发展与房间尺寸的减小和形式的减少相吻合。 提拉抽屉（马桶）从细腻的弯曲腿上抬离地板，轰炸的前部覆盖有弯曲的摩尔型分子，该摩尔型分子常流遍整件作品，并在其中发现了洛可可式的许多最精美的装饰。 在这种洛可可式工艺中，极好的用途是通常从东方进口的各种类型的镶嵌木材制成的，这不仅增加了艺术品的成本，而且还激起了入侵法国社会并导致使用的异国情调的狂热（通常是完全放错位置）之类的术语，例如“ la polonaise”，“ la grecque”和“ la chinoise”。 在家具方面，东方人对这种兴趣的主要体现是使用进口或仿制的清漆，许多好漆的东方清漆在解剖和整形过程中遭受了严重破坏。

当然，洛可可工艺的奢华表现不仅仅局限于家具，而当今许多洛可可乐合奏的鲜明外观都具有误导性。 轻巧的装饰物-褶边，缎带，床，门和窗户上精美的挂件，条纹的花饰，g子和小玩意-通常只与维多利亚女王时代有关，从而增加了豪华和舒适的氛围，这种品质在17世纪鲜为人知法国内饰。

尽管行会制度极为严格，甚至可能要归功于它，但十八世纪的法国家具还是达到了完美的状态，在整个欧洲都受到追捧。 行会条例鼓励专业化，并以经济利益为出发点，鼓励手工艺大师的儿子继续其父亲的贸易。 其结果是卓越的专业技能，以及木匠和橱柜制造商真正朝代的兴起，将其手工艺的秘密从父辈传给了儿子。

因此，菜单管理员仅练习家具的实际形式的创建。 ebeniste制作了精美的镶嵌物和表面装饰层，而另一位工匠则负责在准备好的框架上安装镀金青铜装饰。 公会不得闯入另一个领土。 与其他艺术一样，在每个领域都有着名的人物： Foliot ， Lelarge ， Sene ， Cressent 以及越来越多的德国人： Oeben ， Riesener ， Weisweiler 。 他们上升到了极具影响力的位置，这些工匠之一的签名作品受到了Boucher或Fragonard的绘画的追捧。

洛可可式是一种以女性元素为主导的风格，在家具中以柔和且通常是感性的曲线，脆弱的外观，甚至术语来表现：公爵夫人（公爵夫人）和苏丹娜（苏丹娜）。 花朵装饰了当时的大部分墙饰和家具，许多洛可可式的布洛克系列都包含精心制作的花环的错综复杂的花环和由奇异的鸟类和小动物居住的花朵的喷雾。 尽管自相矛盾的是，这是当时最好的作品之一，但奥本和里森纳在1760年至1769年之间创作的路易十五时期的办公桌是小巧的，大多数家具的小尺寸，尤其是专为书写设计的家具，几乎阻止了男人的使用。大而令人惊讶的男性化。

瓷器有时被并入法国家具设计中，通常以彩绘牌匾或圆盘形式放置在青铜框架中。 其中大部分来自塞夫尔工厂。 路易十五本人提供资金支持巴黎附近万森纳的一家瓷器企业，特别是模仿迈森瓷器，后者于1756年迁至塞夫尔。 尽管Vincennes-Sevres不是法国第一家生产瓷器的工厂（鲁昂和圣克劳德都在17世纪的最后几年运营），但肯定是在生产硬膏瓷器方面最成功的，包括在其设计师中担任Boucher。

Sevres瓷器的附加价值可通过单件或套数来证明，例如路易十五作为外交礼物送给1758年玛丽亚·特蕾莎皇后的礼物。 其他著名演出包括为凯瑟琳大帝和杜巴里夫人提供的服务。 Sevres的完美色彩与Boucher绘画中发现的色彩没有太大不同-绿蓝色和奇妙的粉红色，称为玫瑰蓬巴杜尔。 制造的物品种类繁多，从壁挂式烛台到墨水瓶和彩陶花瓶，其中一些最好的例子是伦敦的华莱士艺术收藏馆。

有关洛可可式瓷器和洛可可式雕塑的更多信息，请阅读有关两个重要的法国雕塑家的信息 让-巴蒂斯特·皮加勒 （1714-1785）和 艾蒂安·莫里斯·法尔科尼特 （1716年至1791年）。

法国的洛可可式风格代表了她在19世纪印象派兴起之前的最大艺术贡献，并在欧洲范围内囊括了除德国以外的所有艺术。 法国洛可可的惊人质量归功于始终保持最高标准。 庞巴度夫人（Madame de Pompadour）这样的人物引起了人们的更多反响，这种风格得到了认可。它代表了法国最好工艺的悠久传统。

意大利洛可可风格-特点

意大利洛可可式的故事很大一部分是威尼斯的绘画，尤其是伟大的天才 Giambattista Tiepolo （1696-1770）的绘画，因为在那里发现了最原始形式的风格的重要产品。 除了Juvarra和Bernardo Yittone的某些建筑外，本世纪上半叶的意大利建筑相当直接地从巴洛克晚期到新古典主义早期，几乎没有证据显示洛可可式。

意大利洛可可式建筑，室内设计和装饰

建筑与 装饰艺术 世纪之交，贝尼尼和博罗米尼是两个男人的作品，但尤其是后者。 然而不久，罗马的主要建筑师是 费迪南多·富加 （ Ferdinando Fuga （1699-1782）），这是一位佛罗伦萨人，其最伟大的作品是德利亚·科利亚（Palazzo delia Consulta）（1732-37）和圣玛丽亚·马焦雷（Santa Maria Maggiore）（1741-43）的外墙。 在前者中，微妙的节奏不是由大量的柱子创造的，而是由比例微微和略微凹陷的面板创造的。 在它们的上面设置了装饰性很强的窗户，整个房间都由支撑天使的大型中央雕塑作为装饰。 它的效果比同一时期的任何法国建筑都更具雕塑感，并且与德国洛可可式的联系更多。 在圣玛丽亚·马焦雷的外立面中发现了同样的重点，但是整个立面被认为是开放式凉廊，只有轻雕塑才能缓解。 在罗马的其他地方，其他建筑事业也越来越接近洛可可式的精神，例如 Francesco de Sanctis 的《西班牙阶梯》（1723-25）。

尽管法国的建筑师，例如波夫兰（Boffrand）一直在寻找一种经济的方式来表达其内饰在外表上的精致，但意大利建筑师仍然非常关注外表作为直接印象的媒介。 他们经常为此付出精力，而以牺牲内部装饰为代价，结果仅在内部涉及巨大空间的情况下才取得成功，例如 菲利波·朱瓦拉 （ Filippo Juvarra） （ 1678-1736 ）的一些作品。

朱瓦拉（Juvarra）出生于墨西拿（Messina）的一个银匠家庭，并在罗马接受卡洛·丰塔纳（Carlo Fontana）的训练，并获得了首次成功的制图和装饰性舞台布景设计经验，后来的经历使他获得了良好的发展。 在1714年被任命为萨沃伊宫廷国王的第一位建筑师之后，他前往葡萄牙，伦敦以及1719-20年的巴黎，可能最早见到了法国洛可可。 回国后，他成为意大利最接近法国建筑师-设计师的地方，不仅涉及建筑，还涉及室内，家具和应用艺术。 他的杰出成就是他在1729年至1733年之间为Stupinigi城堡的宫廷设计的狩猎小屋，都灵的胭脂红教堂（1732-35）和都灵附近的Superga避难所（1717-31）。 其中，Stupinigi是他最令人兴奋的创作。 巨大的机翼从圆顶中央的中心放射出光芒，上面悬挂着青铜色的雄鹿，白色的外观为中央大厅内令人难以置信的空间杂技和色彩作了准备，该大厅与Juvarra的许多建筑幻想和戏剧绘画十分接近。 幻像绘画的用途很多， 错视 the里装满了大厅许多烟囱上的巨大壁ni，而摇曳的画廊环绕着墙壁，似乎刺穿了大码头。 这是一场戏剧之旅。 相比之下，Superga和胭脂红似乎有点书呆子，但前者耸人听闻地位于山顶上，周围是优雅的门廊和高高的圆顶，两侧是洋葱圆顶塔。

与Juvarra相当的是 Bernardo Yittone （1704-1770），他在皮埃蒙特（Piedmont）专职工作，他出生在皮埃蒙特，在罗马学习并编辑了伟大的巴洛克式建筑师瓜里尼（Guarini）的《 Architettura Civile》后，他回到了那里。 他最重要的作品是在皮埃蒙特（Piedmont）的朦胧村庄中进行的，并将瓜里尼（Guarini）的空间复杂性与朱瓦拉（Juvarra）的轻巧和布里奥结合在一起。 在这种情况下，他的杰作是瓦利诺托（1738-39）的圣所和1742年文胸的圣基亚拉教堂。

Vittone的国内建筑是步行者，而Juvarra的则不是，他的洛可可式内饰是意大利最好的。 与法国不同，意大利不是由一个君主统治的，因此光顾通常仅限于该国的某个地区，例如Juvarra的情况。 他的赞助人Savoy的Vittorio Amadeo II很幸运，拥有这样一位能干的法院建筑师，Juvarra为他设计了都灵宫（1718-21）的外立面，以及为数不多的质量接近法国的内饰; 例如都灵皇宫的中国室，其漆器和镀金的宝瓶系列，可能受到1959年贾梅森尼尔（Ja Meissonnier）出版的装饰品书的影响。尤瓦拉的室内装饰与意大利其他室内装饰的比较表明，他独自一人站在平等的地位与其他欧洲设计师。

意大利洛可可式家具和装饰艺术

不幸的是，意大利洛可可式家具的历史并没有遵循法国这样简单的模式。 十七世纪的风格与十八世纪重叠，实际上在世纪之交之前表面上可识别的作品往往要晚得多。 Juvarra的大部分家具仍然相当沉重，使用自然形态的方式与法国设计师Nicolas Pineau或Meissonnier完全不同。

从巴洛克时代就遗留下来的辉煌，仍然是所有主要室内设计的主导情绪，没有像法国甚至德国那样规模小的感觉。 这样就生产出了更精致但同样富丽堂皇的家具和布置。 尽管法国人的品味是不断创新，但在最初接受洛可可风格的举动被接受之后，意大利的内饰变化不大。 与法国一样，在很大程度上，在英国，新近富裕或富裕的人们正在努力跟上当代发展的步伐。

使大多数外国旅客到意大利感到惊讶的是，大多数大型宫殿的外墙背后都隐藏着巨大的套房。 除了少数几个漂亮的公寓外，宫殿还包含许多无与伦比的房间，其内容无法与法国家具和巴黎风格的别致相提并论，而意大利人则将其取代了无味的奢华。 彼得·隆吉 （ Pietro Longhi） 拍摄的威尼斯室内装饰让人想起许多意大利洛可可式房屋的陈设稀疏的房间。

在本世纪初，安德烈亚·布鲁斯托隆（Andrea Brustolon）和安东尼奥·科尔拉迪尼（Antonio Corradini）的人物主导了威尼斯的设计，其重型巴洛克风格继续由接班的工匠去世，直到本世纪末。 尽管如此，威尼斯人还是唯一认真对待洛可可风格并模仿法国人的意大利人，他们制造的夸张的马桶座便器经常摇晃在脆弱的小腿上。 在意大利十八世纪的家具领域中，鲜为人知的名字是众所周知的，而且人们主要想到的是非常重要的单件作品，例如都灵皇宫的GM Bonzanigo的彩绘和镀金防火玻璃。 在意大利，甚至比法国更多，人们似乎对好奇或不寻常的作品产生了无止境的需求，这些作品以威尼斯风格精心制作，并带有质朴的场景或花朵，但绝不具有法国ebenistes的亲密技巧。 漆，沉重的烫金，镜子，彩绘玻璃以及其他材料的组合导致风格令人困惑且并不总是令人满意。

Pietro Piffetti（1700-77） 在镶嵌艺术领域中表现 出色，曾在都灵的萨沃伊宫（House of Savoy）工作，创造了高度个性化的家具，将木材和象牙镶嵌物与金属精制而成，例如角上的面具和腿架。都灵皇宫（Royal Palace）包含一些令人叹为观止的物件，字面上覆盖着象牙镶嵌物，有时似乎只是偶然地被支撑着，所以精致的上部下方的腿很脆弱。都灵博物馆（Museo Civico）中的是皮菲蒂（Piffetti）的纸牌桌，盖章的日期为1758年，上面印有象牙和稀有木材的纸牌，完全令人信服。

与欧洲其他国家相比，意大利的次要艺术中没有什么具有重要意义，而且肯定没有陶瓷厂能与Sevres媲美。 但是有两家工厂生产瓷器，其中大部分肯定是非常漂亮的-位于皮埃蒙特的Vinovo和那不勒斯以外的Capodimonte。 Capodimonte瓷器的特点是色彩鲜艳，通常以意想不到的组合出现，如在Portici宫殿（1754-59）的著名瓷室中所见。

意大利洛可可绘画

摘要

洛可可式（Rococo）在意大利的出现要比在法国稍晚一些。 早期的痕迹可以在巴洛克晚期绘画的较淡风格中看到，该绘画在罗马和那不勒斯由诸如 卢卡·乔丹奴（Luca Giordano） （1634-1705）和 弗朗切斯科·索利米娜（Francesco Solimena） （1657年至1747年）。

然后，在25年的时间里，威尼斯制作了 Giambattista Tiepolo （1696-1770），他的儿子Giandomenico（1727-1804），Antonio Canaletto（1697-1768），Pietro Longhi（1701-85），Francesco Guardi（1712-93），Giovanni Battista Piranesi（1720-78）和Canaletto’s侄子贝尔纳多·贝洛托（1720–1780）。所有这些，除了最后两个，都在威尼斯度过了他们的生活，尽管卡纳莱托在1746年访问了英格兰。隆吉和较小的蒂埃波罗在较小程度上描绘了威尼斯的日常生活，前者用小帆布画，后者在图纸中； Canaletto，Guardi和Bellotto在运河和广场上绘制室外场景。皮拉内西（Piranesi）虽然出生于威尼斯，但于1738年来到罗马。他的画不为人所知，他的名声完全取决于他对建筑和废墟的刻画。年长的Tiepolo以他在州立餐厅（ Kaiserraal）中 非凡的壁画装饰而 闻名 ）和 王子主教卡尔·菲利普·冯·格里芬克劳主教的维尔茨堡 总统大殿 的天花板（ Trepenhaus ），这无疑是他职业生涯中最伟大，最富想象力的杰作。 焦点是在 Trepenhaus中心 飙升的 阿波罗 （ Apollo Bringing the Bride ） 壁画 （1750-1），这幅作品雄伟地得出了400年前乔托（1270-1337）发起的意大利壁画传统的作品。 。

提埃波罗

在年长的Tiepolo中，而且只有他一个人，可以说一种纯粹的洛可可风格，在许多方面都与已故的巴洛克风格有关，但却创造了一种全新的视觉体验。 毫不奇怪，他的作品展现了过去许多伟大的威尼斯品质：色彩和原始的想象力。 黄褐色的 ; 的人物类型和豪华材料 保罗·韦罗内塞 以及他对富丽堂皇的古典建筑的热爱，以此作为丰富的历史和神话盛会的背景。

早期壁画中虚假的气氛将Tiepolo与洛可可艺术的主流联系起来，但是在那时他对当代法国绘画知之甚少。 从那时起，他的职业生涯平步青云的成功，直到他在马德里他在新古典主义的手里的生命在结束月食 猛的 （1728年至1779年）。

他的最大委托来自1750年，当时他前往维尔茨堡为那里新近建成的宫殿画壁画，并一直待到1753年才装饰楼梯（最大的楼梯） 壁画 世界），凯撒尔教堂和小教堂。前往维尔茨堡前不久，蒂埃波罗用安东尼和克娄巴特拉的故事装饰了威尼斯的拉皮亚宫，这是他最令人回味的古典历史娱乐之一。

Tiepolo的风格与他的当代风格Boucher的比较显示出一种不同的，也许是更理性的气质。他的冰上优雅但仍然妖vol的裸体和微妙的类型并置，例如在布尔格楼梯上，与“大陆”形成鲜明对比，比布歇的作品更原始，更复杂。 Boucher最先仰慕Tiepolo绝非偶然。 “比瓦托的艺术要多得多，他的艺术是剧院的艺术，舞台被故意抬高到我们上方，演员们保持距离”，迈克尔·莱维说。实际上，他的艺术作品是最后一部真正代表贵族理想的作品，不久将被法国大革命的共和价值观所取代，这种艺术只能在十八世纪像威尼斯这样decade废的城市国家中蓬勃发展

查看画家

虽然父子Tiepolo是全市最好的装潢 画家，但还是 有 vedutisti 或查看画家，例如 Canaletto （1697-1768），他的成名于1746至1756年间将他带到了英国，侄子 伯纳多·贝洛托 （1720年至一七八零年）。

的绘画 弗朗切斯科·瓜迪 （ Francesco Guardi ，1712-93年）是进行大气研究和了解威尼斯光对水和建筑的奇异影响的胜利者。瓜迪（Guardi）用最小的调色板（在某些情况下几乎完全减少为简单的绿色和灰色）来唤起运河的风景和景色，就像提埃波罗（Teepolo）塑造人物的方式一样，并带有神奇的彩色圆点，这表明人们匆匆忙忙或参与了对话。圣马可广场（Piazza San Marco）或他如此钟爱的威尼斯众多广场中的任何一个。

相反， 彼得罗·隆吉 （ Pietro Longhi） （1702-85）则专门研究当代生活中有些古怪的作品。 然而，它们的魅力在于其巨大的魅力，而在诸如“ Rhinoceros”（伦敦国家美术馆）或“摩尔信使”（Ca’Rezzonico，威尼斯）等通常令人意外的主题选择中。

但意大利是从来没有因为它已经与巴洛克风格的前或新古典主义的洛可可风格一样高兴，他们都更重，更能够表达的 grandezza 让心爱的意大利文艺复兴后期艺术。 但是，这以修改后的形式出现在Tiepolo中，而他的名字仍然很出色。

英国洛可可风格-特点

在所有采用或贡献巴洛克风格的欧洲国家中，英格兰是对洛可可式关注最少的国家。

英国洛可可式建筑，室内设计和装饰

至少在建筑方面，英格兰直接从巴伦风格的W伦和凡布鲁格直接迁移到了帕拉第奥式的建筑，这一转变是如此迅速，以至于没有任何中间发展。 沃尔沃（Walpole’s Strawberry Hill），特威克纳姆（Twickenham）建于1748年，沃里克郡（Warwickshire）的阿伯里（Arbury）是同一时期的建筑，而其他哥特式建筑则建 于18世纪后期的建筑 时代， 因此人们将这些作品归为洛可可式类别，而不是洛可可式类别与rocaille有任何关系。

实际上， 英语Gothick 分为两个不同的类别-“协会”和“洛可可式”，后者是基于中世纪先例的宽松形式的装饰，但是轻浮得足以成为大陆洛可可式的抛弃形式和肤浅。 建筑师和装潢设计师 威廉·肯特 （1684-1748）设计了他自己的哥特式装饰词汇，该词汇在英格兰的传播与欧陆洛可可的蔓藤花纹一样迅速和有效。但是，除此之外，英格兰的罗卡艾尔只触及了很少的内饰，一些高品质的家具，某些绘画和一些瓷器，特别是切尔西和鲍尔的产品。

在英格兰ROCAILLE的最早的例子是给予极大的法国设计师的提成 Meissonnier 由金斯顿公爵（Kingston Duke）于1735年购得一套银色的桌椅。但这是一个相当罕见的例子，洛可可式设计通常仅限于雕刻装饰，几乎完全不受样式影响。这种新趋势主要通过模式书来传播，例如马蒂亚斯·洛克（Matthias Lock）或琼斯（Jones）1739年的《绅士或建筑商的同伴》，这使洛可可式或准洛可可式的细节可供每一个有能力购买此书的工匠使用。这些仅仅是细节，与周围环境分离，这一事实说明了许多英国洛可可式家具经常具有薄纱质。因为不能指望工匠仅仅从碎片中欣赏这种风格的有机本质。

像在意大利和法国一样，十八世纪的顾客的口味通常以一种或另一种形式扩展到东方。占了英国少有的洛可可式房间，例如1745年约克郡诺斯特尔修道院的卧室，或者最重要的房间。白金汉郡的Claydon House（约1768年），其中一系列房间是由某个Lightfoot装饰的，对此鲜为人知。但是，在这些房间中，风格绝对不像欧陆洛可可风格那样纯正。

洛可可式的装饰艺术出现在其他英国城镇和乡村房屋的内部装饰中，并且有时是最高品质的-尤其是在拉格利的大厅，附近的哈格利以及弗朗西尼兄弟的旋转石膏中。 他在爱尔兰从事过许多粉刷工作，尤其以在拉斯伯勒的工作而闻名。 但是，这种引人入胜的本地手工艺与欧洲大陆完善，包罗万象的方案相去甚远。

洛可可式的家具和装饰艺术

与法国人不同，英国橱柜制造商通常不签名，因此对 约翰·林内尔 ， 约翰·科布 ， 本杰明·古迪森 和 威廉·维尔 等人的 了解相对较少 ，他们似乎都以这种新方式广泛工作。 奇彭代尔（Chippendale ） 的名字 之所以出众，不仅是因为他的作品质量高，而且还因为他发表了《绅士与内阁制造者的导演》（1754年）。

在他经常被 中国风 装饰的镜子和壁炉架设计中 ，人们看到了洛可可风格的异国情调的例子，每一点都像法国的Boiserie一样细致，但被设计为孤立的特征，很少用作整个装饰方案的一部分。同样，Claydon大厅中精美精致的雕刻被隔离在其他古典环境中。

英国洛可可式绘画

在绘画中，两位英国艺术家对洛可可式做出了一些让步- 威廉·霍加斯 （1697-1764）和 托马斯·盖恩斯伯勒 （1727-88）。霍加斯对“业余爱好者”极力追捧的巴洛克式历史绘画表现出强烈的反响，并在他自己的作品中引入了“美之线”，他在《美之分析》（The Analysis of Beauty）（1753）中对此进行了解释。而且是一条蜿蜒的线条，就像拉长的“ S”形。当然，这恰恰是洛可可式装饰的形式。

另一方面，盖恩斯伯勒（Gainsborough）则以小小的高脚肖像画家的身份开始生活，后来他搬到时髦的巴斯（Bath）之后发展出更为精致的风格。 他以洛可可式风格绘制了一些肖像，这些图像出奇地接近Boucher，其浮动的笔触和羽毛般的风景，明亮的粉红色和银色灰色明显比任何当代英国绘画都要洛可可。 另请参阅摄政协会肖像画家 托马斯·劳伦斯 。

新古典主义席卷了1758年罗伯特·亚当（Robert Adam）归国后的英格兰，但即使是他纯洁而世俗的风格也与大多数法国洛可可式装饰的精致，细致的品质相呼应，他的哥特式（Gothick）与英格兰那个时期的任何装饰一样具有洛可可性。 瑞士肖像画家和历史画家， 当归·考夫曼（Angelica Kauffmann） 约书亚·雷诺兹爵士（Joshua Reynolds）的肖像画（1741-1807）受罗伯特·亚当（Robert Adam）的影响，与罗伯特·亚当（Robert Adam）合作进行了许多建筑装饰。

德国洛可可风格-特点

与最好的法国洛可可式的高超约束相比，德国提供了欧洲艺术史上最令人震惊和最宏伟的洛可可式建筑和室内装饰的惊人范围。

德国洛可可式建筑，室内设计和装饰

这一卓越的高标准从建筑传播到 应用艺术 -家具，家具和瓷器-尽管很少能超过法国。在18世纪的法国，意大利或英国，没有什么能比得上梅尔克（Melk）或德累斯顿·茨温格（Dresden Zwinger）这样的建筑杰作，而仅在一流的教堂和宫殿中，德国就轻松超越了其他建筑。这可能源于这样一个事实，即我们现在所说的德国在18世纪被划分为几个不同的公国，即王国和主教，因此一定的竞争必定决定了重要建筑物的建造-与法国或英国不同真正重要的佣金始终局限于少数顾客。

可以看出德国洛可可式的起源可以追溯到巴洛克时期的罗马教堂，例如贝尔尼尼（Bernini）的Sant’Andrea al Quirinale，其色彩，光线和精致的雕塑都被结合在一起。这在德国首次出现在1714年后建造的韦尔滕堡修道院教堂中，内部椭圆形的圆顶被切开，露出了壁画般的天空。

颜色是德国洛可可式船首的主要琴弦-粉色，淡紫色，柠檬色，蓝色-像慕尼黑附近的Amalienburg一样，所有颜色都被组合或单独使用以产生明显的效果。巴洛克式的较重，弯曲的形式在德国洛可可式中变成了断断续续的节奏，人们发现了主要的巴洛克式古迹的影响，例如圣彼得大教堂的伯尼尼的baldacchino， Balthasar Neumann （1687-1753），成为Vierzehnheiligen高祭坛秩序的结晶，这也许是德国教堂中最复杂，最令人满足的地方。

尽管18世纪法国的房间形状没有太大变化，教堂建筑的计划几乎没有，但德国洛可可式建筑师却探索了各种可能性。墙壁不仅规模巨大，而且似乎仍在摇摆，但整个部分似乎都已被切除，其结果是，巨大的壁画天花板完全在大多数教堂中占据着主导地位，似乎漂浮在敬拜者之上。

德国洛可可式建筑最激动人心的特征之一就是其中一些最重要实例的高度引人入胜的位置，例如 J. Prandtauer 于1702年开始 的梅尔克修道院。 两座高大的塔楼主宰着前面的一个庭院，该庭院通过一个巨大的帕拉第奥式拱门向外界开放。在埃塔尔（Ettal）也发现这种戏剧性的感觉，以及信徒在内部和外部的全面参与，其作用相反，修道院由周围的群山所主导。

世俗建筑也达到了很高的完美水平。也许最精致的例子是在慕尼黑及其周围地区，那里是法院矮人和建筑师 弗朗索瓦·库维利 （ Francois Cuvillies） （1695-1768）参与了许多建筑，也许最好的建筑是Amalienburg。这个小亭子建于1734年至1739年之间，以选举人的妻子的名字命名，用休·霍诺尔（Hugh Honour）的话说，是“轻松优雅和游丝的美味佳肴”。它柔和的摇晃的前部，浅浅的乡村气息和不寻常的花饰预示着欧洲最可爱的房间之一-著名的镜厅，其银色的rocaille衬托着粉蓝色背景和闪闪发光的玻璃。在规模的另一端，慕尼黑的Cuvillies Residenz剧院（1751-53）使用镀金的人物和乐器构筑整个礼堂，与墙壁和座位的红色锦缎和天鹅绒形成鲜明对比。

波茨坦和德累斯顿从未产生过像慕尼黑那样的洛可可风格，但是像兹温格（1709-19）这样的建筑物 德累斯顿的 波佩尔曼（Poppelmann） 的规模和装饰细节的丰富性使他们不知所措。 在波茨坦（1745-51）的小皇宫Sans Souci中也感受到了这种建筑的影响，该宫殿是为腓特烈大帝（Frederick the Great）建造的。

在规模，富裕和压倒一切的宏伟细节方面，德国洛可可式汽车在欧洲居于首位。

有关俄罗斯洛可可式内饰的更多信息，请参见 Bartolomeo Rastrelli （1700至1771年）。

洛可可

式的 后来变种洛可可 式的风格在法国省份从未真正消失过。随着18世纪20世纪历史主义的到来，许多工匠发现以路易·菲利普（Louis Phillipe）和他的王后所钟爱的“第二洛可可式”风格生产整个内饰和建筑相对容易，在整个巴黎都可以找到这样的例子。

洛可可式的建筑和设计复兴最早是在1828年随着Wyatville的Apsley House的Waterloo Chamber，Lancaster House的内饰和Belvoir Castle的Elizabeth Saloon来到英格兰的。它自然吸引了当今的富人，罗斯柴尔德家族以这种风格装饰了几栋房屋，甚至在1880年代在Waddesdon Manor结合了18世纪实际的内饰。

巴伐利亚的路德维希（Ludwig）在同一时期的林德霍夫宫（Linderhof Palace）和海伦基姆湖（Herrenchiemsee）中对皇家风格给予了皇家同意。在十九世纪末和二十世纪初许多新酒店的装修中，它成为公认的味道。“ Le gout Ritz”成为豪华和优雅的代名词。