克劳德·莫奈（1840-1926） 自动翻译

1840年11月14日，在巴黎，一位名叫奥斯卡克劳德莫奈的儿子出生在杂货店老板的家中。 仅仅五年之后，未来艺术家的全家搬到了诺曼底，前往勒阿弗尔。 从14岁开始，莫奈开始通过画漫画来赚钱和成名。

克劳德·莫奈的作品

在勒阿弗尔，一位年轻人遇到了一位风景画家和原始的Eugene Boudin，他当时以一种非常奇怪的方式工作 - 他不是在工作室里创作他的画作，而是直接在露天画画。

莫奈很快意识到了布丹方法的优点 - 画布上自然转移的即时性和活力。 从那以后，也就是说，自1856年左右开始，艺术家也开始在露天写作。 即使在那时，克劳德莫奈也为自己决定将自己的生命献给绘画，尽管他的父亲对此事有自己的看法。

在决定执行任务后，莫奈搬到巴黎，1859年他进入了瑞士学院。 在那里，他遇到了现实主义的古斯塔夫·库尔贝，伟大浪漫的尤金·德拉克罗瓦和印象派卡米尔·毕沙罗。 确实，经过一年的训练，这位艺术家被派往阿尔及利亚服兵役，但出于健康原因他提前返回勒阿弗尔，并从那里立即回到巴黎。

创意实验和对灯光效果的热情

对莫奈的影响是1862年进入当时着名画家查尔斯·格迪尔的工作室。在那里，他遇到了他未来的朋友 - 奥古斯特·雷诺阿，阿尔弗雷德·西斯莱和弗雷德里克·巴齐，他将与他们一起发起印象派运动。 寻找艺术的新方式已成为整个公司的目标和主要娱乐。

三年后，莫奈写了一幅画作“早餐在草地上”，其灵感来自爱德华·马奈的同名丑闻。 然而，正如马奈所做的那样，莫奈不会以真正的裸体人物形象震惊公众。 这位年轻的艺术家正在寻找他的风格。 在这个时候，他开始忽略这条线，并使用色点模拟所有形式。 画家，仍然在诺曼底沉迷于自然写作，最感兴趣的是自然光的影响。 在森林边缘的工作让这位年轻的艺术家有机会观察太阳光线如何穿过树叶并落在各种表面上，由于这些反射和树叶的刺眼，其颜色立即发生变化。

莫奈使用他的情人Camille Donsier作为女性角色的模特，照片中的男性角色来自Frederic Bazil。 这家公司在大自然的一圈中供应早餐，只是在谈话中占据一席之地，与观众无任何联系。 艺术家出现在这里，就像一个未被注意的观察者，男士和女士们不会为他摆姿势。 我们只能欣赏女士连衣裙的褶皱，背对着我们。 位于图片右下角的坐着的年轻人的脸也被远离观察者。 莫奈遵循他自己的法律，他没有明确地构成构图，就像一个戏剧性的场景。 打破传统，他背后的人物前景中的图像转向观众根本不可能，艺术家创造了自己悠闲的美学，没有偏见。 不幸的是，这幅画并没有完整保留，但它的草图引起了许多年轻艺术家的极大兴趣。 在莫斯科名称博物馆中，普希金是1886年创建的工作选择之一。

另一个偏离古典绘画的例子是绘画“花园中的女士们”（1866年，巴黎奥赛博物馆），其布局通过剪裁女装，不允许自己被涂在任何学术界办法。 莫奈并不害怕自由裁剪图像，给人一种碎片的印象，类似于照片的效果。

在画布上我们看到一个典型的流派场景，其语义中心向左边移动。 这里背离传统的事实表明，在树荫下休息的女士们成为开花景观中不可或缺的一部分，作为装饰，就像美丽的花朵一样。 女性形象似乎与景观融为一体，他们的服饰适应树干投射的阴影背景。

画家不仅对传达年轻女性的个性，服装或活动感兴趣，而且在于传达自然与人之间关系中的光与和谐。 你可以判断女士们自己的艺术家是多么微不足道，因为所有四位年轻女士都是用同一个模特写的 - 卡米拉本人。 艺术家试图通过向我们展示只有一位女士坐在草地上的脸来揭开面纱。 左边的数字显示在剖面图中，旁边的女士用花束遮住了她的脸，第四个女主角伸出开花的灌木丛，完全转离了观察者。

同年，克劳德·莫奈（Claude Monet）最着名的19世纪60年代绘画作品之一 - “穿绿色衣服的女人”（1866年，德国不莱梅的艺术家）。 在画布上，我们再次看到Camilla Donsier。 画家以一种逼真的方式工作，他使用深色背景，一个沐浴在阳光下的年轻女孩的脸上明亮地突出。

点亮和阴影区域的鲜明对比类似于卡拉瓦乔的明暗对比。 抒情的形象，同时非常亲密，它不是为了一般的观看：主人背对着观察者展开卡米拉，模特本身不寻找壮观的姿势，让我们只有机会检查下摆她的衣服和裘皮大衣扔在它上面。 这项工作得到了评论家和观众的积极响应，这让莫奈成名。

一年后，莫奈画了一幅主题非常相似的画面。 人们给人的印象是艺术家只需要在画作“花园中的女人”（1867年，圣彼得堡国立冬宫博物馆）上穿着浅白色长袍的女人作为实现自然动画的借口给她一个适宜居住的状态。 这位女士几乎让她回到观众面前，艺术家只对中午景观的美丽感兴趣，它的颜色鲜艳，长长的影子。

作品的中心是一个带有红色花朵的圆形花坛，树上有一棵树。 所描绘的女性，在理论上，是作品的语义中心，被放置在画面的最边缘。 这位女士作为最左边的一点，作品的构图对角线从该点开始，进一步由花坛中的一棵树和右边描绘的另一棵树支撑。 构图的节奏由女性形象和两棵树的垂直度以及它们在草地的绿色上投下的狭窄阴影来设定。

1867年，Camille Donsier生下了艺术家的儿子Jean，后来成为了他的妻子。 同年，绘画“绘画中的让·莫奈”（私人收藏）。 在这里，与作者的许多绘画不同，作品的中心有明显的标记; 它是一个装饰摇篮，床头悬挂在床头。 我们在婴儿床附近看到一位母亲 - 这使得这幅画看起来像荷兰绘画中流行的流派场景。 然而，卡米拉的右肩和背部被画面的边缘切断，表明了作品的另一个角色的重要性 - 一个被毯子覆盖的儿子。

静物的类型不是莫奈的最爱，但是，他不时地对他说话。 “静物与水果和葡萄”（1867年，私人收藏）的绘画风格比主人的风景作品更加平滑。 暗淡的黑暗背景在莫奈的画布中非常罕见，但在它上面，成熟的，甚至略显过熟的水果看起来特别生动和可信。 在这项工作中，艺术家一如既往地对自然和光的影响最感兴趣。

但是那些热爱他们的艺术家喜欢在自然界中画画。 图像切花是一种罕见的例外，其中一个例子是“鲜花和水果”（1869年，保罗盖蒂博物馆，洛杉矶，加利福尼亚州）。 在这里，主人最初使用了深色背景，但随后放弃了它。 在建立静物之后，莫奈轻松地将一半柳条筐，桌上的水果和向日葵花瓣切成了一半，这也违反了学术绘画的所有规范，其职业始终被认为是最好的对象形象。侧。

在他的职业生涯开始时，克劳德莫奈遭受了严重的经济困难，几乎让他自杀。 在19世纪60年代，艺术家的糟糕财务状况迫使他不断地从一个地方搬到另一个地方。 从1869年开始，莫奈定居在巴黎郊区的布吉瓦尔。 奥古斯特·雷诺阿经常来到这里，他们在大自然中共同工作，捕捉相同的观点并发展自己的绘画技巧。

朋友们凝视着大自然的面孔，注意到他们最感兴趣的照明和空气运动的微小变化。 渴望捕捉不断变化的本性的瞬间状态，依照自己的法律生活，团结年轻艺术家。 他们仔细观察了相同的景观是如何根据一天中的时间，大气条件和照明的性质而变化的：阴影变长和变厚，太阳眩光在树叶和水面上起作用，在河的静止表面形成涟漪。

1869年，艺术家们将他们着名的同名画作描绘成布吉瓦尔附近塞纳河上的咖啡馆和附近的游泳池。 这些画作被称为“青蛙”（纽约大都会艺术博物馆）。 在他的作品版本中，莫奈制定了一种个人写作技巧，一种应用笔画的新方法，这使得有可能快速地将他所看到的感觉转移到画布上，批评者认为这种感觉极度疏忽。 实际上，从沙龙画家的角度来看，画布给人的印象是未完成的，流利的草图，其中的物体只有标记，而且非常粗鲁。 学术艺术没有理想化的特征。 但莫奈完全有意识地避免了这一点。 艺术家总是写下他现在看到的东西，试图“抓住”瞬间冻结的冰冻现实，为了完成这项任务，他需要快速装备。

像大多数印象派一样，莫奈用纯色写作，不需要在调色板上混合颜色。 他避免使用传统绘画中的色调和中间调。 相反，艺术家在画布上密集地涂抹了某些颜色的笔画，并且它们结合起来，给人眼的感知带来了不同的色调。 这种绘画的想法是基于法国物理学家Eugene Chevreul在光学领域的发现。 特别地，发现物体的颜色不是某个客观事实，而是取决于光线从它们反射的光。 这是印象派对黑色完全拒绝以及在画布光亮表面上创造“彩色”高光和阴影的理由。

这幅名为“St. Andress的露台”（1867年，纽约大都会艺术博物馆）的特色在于缺乏一个有前途的欧洲艺术空间建筑。 因此，似乎大海挂在阳光明媚的露台上。 试图放弃莫奈前景的想法是由在欧洲流行的日本传统绘画提出的。 在图片的前景是一个开花的露台，女士们和先生们在炎热的夏日阳光下躲在树冠或遮阳伞下漫步或放松，坐在藤椅上。

明亮的花朵会反复出现在莫奈的画布上，最终成为他后期作品中的一个独立动机。 在背景是海，许多帆船强调地平线。 在露台附近拍摄的帆船是眼睛的重要指南。 如果没有它，图片的第一和第二个计划看起来会过于分散，这将导致组成分解为两个独立且无关的部分。 透明的垂直支柱，与组合物的水平构造争论，看起来有点异国情调。 但这只是一种肤浅的印象，事实上，正是他们“收集”了所有的工作，将观众的注意力集中在其中心部分。

随着1870年法国 - 普鲁士战争的开始，莫奈前往伦敦，同年他与卡米尔结婚。 在伦敦，艺术家继续与朋友和志同道合的人会面，并与Camille Pissarro一起写下城市景观。

风格个性

两年后，艺术家创作了他的着名作品“印象。 日出“（1872年，巴黎Marmottan-Monet博物馆）。 在其中，画家并没有试图重现现实，没有试图模仿自然，而只是传达了他对其美的个人印象。

图片中人物的数字几乎没有概述，这对于观众来说是不寻常的，习惯于写作的学术风格。 但纯净的辐射水和日出的色彩关系，在海面上的明亮反射中表现出来，传递得非常漂亮。

艺术家在1874年举办的第一次印象派展览中展出了这件作品。然后，莫奈和他的同志们仍称自己为“艺术家，画家和雕刻家的匿名协会”。 这幅画收到了评论家和观众的大量负面评论，它的名字（“印象”）在绘画的新方向 - 印象派时产生了一个具有讽刺意味的定义。 该展览仅因其震耳欲聋的失败而声名鹊起。

我们将于1872年返回，当时莫奈和他的家人搬到巴黎附近的阿让特伊镇。 朋友们再次来到这里 - 希思黎，爱德华马奈和雷诺阿。 艺术家的画作仍然没有出售，但从父亲那里继承的遗产能够略微增加他家庭的物质福利。 在这里，在Argenteuil，莫奈为自己设立了一个“浮动工作室”。 他乘船游览塞纳河，自由捕捉他喜欢的景色，并继续通过阳光反射在水面上研究照明效果。

1873年，莫奈创作了“Argenteuil的罂粟花田”（巴黎奥赛博物馆），描绘了卡米尔和小荷恩莫奈在田野草丛中溺水的画作。 构图的对角线结构营造出一种运动感。 在前景和背景中是由母亲和孩子组成的两对，它们位于对角线上，由几乎不显眼的路径支撑，仅由一条罂粟花下划线。 两对都是从相同的模型编写的。 这项工作完美地展示了使用颜色组合的巧妙构图。

同年，还绘制了“Kaputsin Boulevard”（1873年，莫斯科普希金国家美术博物馆）的绘画作品，其中清晰地感受到了摄影艺术的影响。 这张照片传达了生活的瞬间，充满了城市大道的路人和船员，就像一幅快照。 其中的人只扮演次要角色，主要角色分配给当代城市艺术家的氛围。

在“国庆日的圣丹尼斯街”（1878年，鲁昂艺术博物馆）的绘画构图构造中，摄影的明显影响是显而易见的。 组成的节奏由许多国家横幅的蓝白红色笔画设定，展示，如刺刀，从阳台和房屋的窗户开口。 这项工作就像一个报道的镜头一样，在假日期间捕获了城市的生活。

而且，画家对庆祝人们一点也不感兴趣。 与德拉克洛瓦和他的作品“自由之路”不同，莫奈并没有将这个群体描绘成一个壮观的场景。 艺术家需要城市本身，它的面貌和氛围在度假时统治。 街道上只有工作人员居住 - 石墙压制的黑色轮廓。

但艺术家最喜爱的模特仍然是他崇拜的妻子和小儿子。 Brushes Monet拥有一部精彩的作品“Camille Monet和她的儿子Jean”（另类名称“Lady with a Umbrella”，1875年，华盛顿国家美术馆）。 尽管英雄的静态姿势，画面充满了动作：云彩席卷天空，一顶轻薄的连衣裙和一顶戴着面纱的年轻女子的帽子正在风中发展。

东方艺术对艺术家作品影响的一个突出例子是他的世界着名画作“日本女孩”（1876年，波士顿美术馆）。 在它上面，卡米拉穿着鲜艳的红色和服，站在装饰着日本纸迷的灰色墙上。 作品极具装饰性，日本传统服饰完全隐藏了女性的体形，构图完全没有深度，接近平面图画。 和往常一样，莫奈避开了明显的物体轮廓：他的妻子的形象，一个日本人，在和服的面料上描绘，一个扇子在女人背后的墙上，写的颜色多于一行，这就创造了对工作平整度的额外印象。 构图解决方案中一个有趣的点是，和服上的日本人和照片中的女主角的形象是完全相反的方向，相互平衡。

巴黎当代艺术家最重要的地方是Saint-Lazare车站。 这位大师为他写了几幅画，写于1877年。该画面创造了人们的命运，将法国首都与其他城市乃至国家连接起来。 生活总是在这里如火如荼地进行着：乘客到达并开走了，机车嗡嗡作响，火车正在加速并且向远处飞去。

正是这种令人兴奋的新工业生活氛围，艺术家试图在他的画布中展现出来。 “圣拉扎尔火车站。 抵达火车“（1877年，福克艺术博物馆，哈佛大学）完美地反映了火车站的日常生活。 作品采用几乎单色的绘画，选定的异常角度，完美地传达了车站建筑拱顶解决方案的特点。

很快，这位艺术家最重要的两件事发生在他的家庭中：1878年，他心爱的妻子生下了他的第二个儿子米歇尔，之后卡米拉自己病得很重。 莫奈再次遇到严重的经济困难。 无论是公众还是评论家都没有“成熟”他对艺术风格的正确认识。 画家被迫离开阿让特伊并定居在Vetej，在那里他的邻居是商人欧内斯特戈斯海德和他的妻子爱丽丝，她后来注定要成为画家的第二任妻子。

艺术家在“冬天的冬天之路”（1879年，哥德堡艺术博物馆）中描绘了他对这一举动的印象，在那里他描绘了法国典型的冬季景观：一条被雪覆盖的土路，带有褐色的山丘 - 棕色的土壤通过松散的雪和冰冻的绿草，一座教堂，两层楼的房屋建在山路两侧的山坡上。 只有两位旅行者的数字让景观略显活跃。

在明年夏天画的“在Vetheya附近的塞纳河畔”（1880年，华盛顿国家美术馆）的画作既简单又抒情。 图片的整个前景被开花的草地草所占据，在后面你可以看到河的镜面。 艺术家巧妙地传达了河中倒映的天空，云层飘浮在河面上，树木站在对岸。 图片背景中的沿海灌木丛和单独生长的树木仿佛笼罩在灰蒙蒙的阴霾中，灰蒙蒙的阴影笼罩着它们。

画布上的“绽放的苹果树”（1879年，布达佩斯美术博物馆）的异常明亮和阳光明媚的景观令人印象深刻的是车间的透光 - 描绘的景观似乎沐浴在充满周围空间的阳光下。

画面的构图再次非常简单，前景是苹果园的开花树木和它们下面的草，在第二个我们看到红色屋顶的房子半隐藏在树枝后面，背景被一个占据上山。 一些苹果树，靠近工作的下边缘，作为右侧场景和水平构图中唯一的垂直，仿佛“收集”所有的工作。

同样的1879年，在仅仅三十二岁的时候，莫奈心爱的妻子因严重疾病而去世。 作为一个悲痛欲绝的艺术家，她在她的死亡床上描绘了她的卡米尔画像，在画作中，他以自己的方式描绘了他的妻子，用颜色强调她的脸部如何失去其生命色彩。

期待已久的成功

矛盾的是，在他个人生活的丧亲之年，艺术家的职业成功才得以实现。 巴黎媒体上出现了关于他的作品展览的积极评论和评论，这些作品立即开始销售。 这改善了画家的财务状况。

1883年，他将在巴黎附近的吉维尼（Giverny）租一间小但非常舒适的房子，旁边是一座宏伟的花园，经过验证可以作为一幅画，并考虑到每株植物的个性和开花时间。 之后，莫奈在房子附近购买了额外的区域，在其上创造了另一个令人惊叹的花园，其中有一个有睡莲的池塘和一条通往它的蜿蜒小径的日本桥。 这个地方将成为他的画作直到他去世的主题，以及创作许多独立系列作品的想法，其中艺术家体现了他多年来对各种照明传播中的色彩视觉可能性的研究。 在这些工作周期中，画家清楚地描绘了相同的动机如何根据它的点亮方式而变化。 需要说明的是，所有系列都在公众中取得了巨大的成功。

在“吉维尼的干草堆”（1886年，圣彼得堡国家冬宫博物馆）中，一幅朴实无华的乡村景观已经成为艺术家最喜欢的主题之一。 景观，其构成中心是一个站在前景的大海捞针，与远处田野中可见的房屋和树木相辅相成。

1888年，莫奈将为该物种创作一系列25件作品。 此外，画布上的周围景观将变得越来越随意，对构图计划的划分将几乎消失，而大海捞针将获得独立的角色，仿佛将自己集中在这样一个概念中心。 所有绘画中的主要作用都是色彩，它试图传达整个可变光谱。 白天，艺术家制作了几幅画作，传达了不同的照明条件：早晨，下午和晚上 - 这是画家方法的独创性，为另一个系列 - “白杨树”奠定了基础。 镜子对称，根据其原则，“Ept的杨树”（1891年，苏格兰国家美术馆，爱丁堡）的作品构成为观众呈现两个现实：河岸上的真正白杨树林及其镜面水面反射，只有轻微的涟漪波纹。 这条河完全融合了树木充满的所有颜色，天空上飘着粉红色的云朵。 画家笔画的性质强调了水面的惶恐。

致于鲁昂大教堂的最大周期由克劳德·莫奈于1892年创办。两年来，艺术家完成了50幅画作，在一天中的不同时间始终描绘了大教堂的哥特式外观：从清晨到傍晚。 阳光不仅可以通过大教堂的颜色，还可以通过其石头精华创造出令人惊叹的变形。 由于淹没它的光线和镂空的哥特式建筑，已经存在了几个世纪的墙壁看起来几乎没有重量和奇迹。 太阳的光线似乎溶解了大教堂的石头力量，以不同的强度穿透它。

由于掌握了莫奈的画笔，大教堂似乎不再是物质，变得通风和短暂。 它就好像它不再是一个尘世的创造并与天堂融合。 这是远古中世纪建筑师的影响，将教堂墙壁的石头花边升到天堂吗？ 也许莫奈渗透了哥特式艺术概念的核心。 “鲁昂大教堂”周期于1895年由艺术家展出，非常成功。

在开始工作的同时，Claude Monet将与Alice Goshed结婚。 画家开始经常旅行，他在意大利工作，哥特式大教堂，他发现了令人难以置信的印象派，诺曼底，瑞士和荷兰。

在诺曼底，大师生下了壮观的海景，如绘画曼诺波特（1883年，大都会艺术博物馆，纽约），仿佛赞美了水元素的宏伟。 此外，艺术家经常研究白鹭镇附近风景如画的岩石的形象，这是该地区的主要景点，因为其独特的形状由波浪的突发奇想创造。

曼海波也许是最着名的岩石拱门。 为了传达岩层的规模，画家在石拱的拱门下快速勾勒出几个笔画，其中大部分从图片的左边缘有力地突出，准备将它们压碎。 作品的构成有助于产生这样的印象：艺术家强调石材表面无限的效果，因为整个岩石不适合画面的框架。

缤纷色彩和无意义

在整个艺术家的职业生涯中，色彩的表现能力是他艺术语言的主要手段。 克劳德莫奈一直忠于自己，直到最后，从未关闭选择的道路，只改善和磨练他个人风格的表现力。 他工作后期的唯一区别就是对无意义的渴望，模糊了特定情节和形式的概念。 艺术家根本不认为他最好的作品之一是作为一幅画，而是他在吉维尼的房子里创造的花园，在那里他拾起并种植了许多种类和种类的花朵，这样花园就会不断绽放，令人愉悦。画家的眼睛有各种色调。 事实上，宏伟的花园也是一件艺术品，已经成为大师画作的最爱对象，在画布上找到了无数的反思。

画布“吉维尼的鸢尾花园”（1899年，耶鲁大学美术馆）再次向我们展示了一个非常简单的构图。 方形格式的画布描绘了一条贯穿花园深处的路径，一半被杂草丛生的虹膜所掩盖，在它上方，您可以看到花园树木的树干，从而形成一个长远的视角。

艺术家穿上画布，仿佛狂喜，纯净，鲜艳的色彩，向观众传达他与大自然接触而产生的幸福感和丰满感。 前景中美丽而精致的虹膜花似乎在我们眼前。 主人熟练的手似乎为他们注入灵魂，周围自然的美丽成为最伟大的奇迹，是神圣创造之冠的化身。 正是这种对自然的态度，这是克劳德·莫奈作品中充分的绘画对象，将艺术家与学术风格的追随者区分开来，其中只有人才一直是“创造之冠”。

莫奈最着名的系列之一“睡莲”于1899年推出。在这个周期的作品中，画家描绘了漂浮在吉维尼花园池塘里的睡莲（嫩鸟）。 艺术家自己在池塘里种植这些精致的花朵，长时间欣赏它们，在脆弱的花瓣上享受阳光的刺眼，在水中反射云彩。 这似乎令人难以置信，但是睡莲拥有一位才华横溢的艺术家的心，直到他去世，大约二十年。 该工作的连续性基于在各种照明条件下该动机的变化。

创作于1903年，作品“睡莲。 云“（私人收藏）给人一种惊人的快乐印象。 帆布充满了阳光，尽管天空只存在于水中的反射中。 似乎睡莲和云慢慢漂浮在同一个表面上，仿佛被轻微的气息驱动。

“A Pond with Water Lilies”（1908年，私人收藏，瑞士圣加仑）中的画布的方形形式在视觉上放大了空间中的图像，给人以无限的印象。 莫奈使用了摄影的效果，就好像在池塘的水面上雕刻一个单独的碎片并将其写成特写镜头一样。 只有大片的水，叶子，睡莲的花朵和反射的云，在它的表面上如画般地散落，落入框架。

这里，主人再次偏离了绘画的透视构造，因此位于构图右上角的睡莲比绘画的前景植物更接近观察者。 由于这种技术，这幅画失去了它的深度，并且在平面上展开，变得更具装饰性。

自19世纪70年代以来，克劳德莫奈一再访问英格兰，他喜欢伦敦独特的雾气氛。 从大约1900年开始，画家开始更频繁地来到这里。 他在这里创作了一系列致力于议会大楼的作品。

这幅画作“伦敦议会大厦”（1904年，巴黎奥赛博物馆）描绘了一幅建筑物，仿佛笼罩在浓雾中。 只有在某些地方，黄红色的太阳才突破了这个小小的思想，突出了新哥特式建筑雄伟轮廓的碎片，并用红紫色的耀斑染上了广阔的泰晤士河。 绘画的风格是非常随意的，艺术家不是描绘特定的元素，而是描绘城市本身的瞬间形象，比如他刚刚看到的。

莫奈的印象主义并非旨在传达客观现实; 他不承认物体质量的恒定性。它们的整体外观，颜色和形状仅取决于几乎没有突破的光线，然后淹没整个街区，甚至熄灭，变成暮色。 1908年春天，克劳德莫奈和他的家人去了威尼斯。这座城市令人愉悦的气氛，水面广阔，令人惊讶地成功地被威尼斯建筑师击败，水中的光反射和反映在其中的纪念碑，吸引了画家。因此诞生了一系列威尼斯风景，在旅途中直接写成。

在那里写的“威尼斯Palazzo da Mula”（1908年，华盛顿国家美术馆）的作品很难被称为导游或建筑景观。相反，它象征性地说是一幅中世纪威尼斯建筑的“肖像”，在它前面的运河镜子中“看”。此外，这幅“肖像”被画成了特写镜头，宫殿的两侧被画面框架切断，只有建筑物的中间部分没有屋顶落在画布上。

这样一个不同寻常的作品很简单，莫奈根本不打算复制一座建筑纪念碑，他对他的大部分画布上的人物都不重要。艺术家被建筑和景观的惊人和谐统一所吸引，由一位设计宫殿的杰出建筑师设计，仿佛从水中出现。水平构图分为前部（水的空间）和后部（宫殿的墙壁，点缀着许多门和窗户开口的拱门）计划，由一对细长的吊船轮廓平衡。

威尼斯给这位艺术家留下了深刻的印象，他们建造了这些建筑物和运河的生命统一。印象派的和谐，由反映在水中的石墙形成，吸收阳光的同样的水，用无数的天堂阴影反射，赢得了画家的心。正是这种状态，他试图传达他的威尼斯画布。

寂寞和失落

新世纪的第二个十年是艺术家的一系列损失。1911年，爱丽丝的第二任妻子去世，三年后，在1914年，他的长子吉恩去世了。莫奈只是爱丽丝的女儿在她的第一次婚姻中忠实地照顾，她是让的妻子。

连同一系列亲属的死亡，画家遭受了另一次不幸 - 双重白内障。邪恶的岩石从艺术家手中夺走了他一生致力于能够看到和研究自然界中所见的太阳光线的光照效果，眩光和反射的主要事物。然而，莫奈没有停下来，他继续创作他的作品。四年后，在他被诊断之后，这位艺术家构思了一系列令人印象深刻的新系列面板，尺寸为2x4米，上面有他的花园图像。

“水百合”（“Nenufaras”，1920-1926，巴黎温室博物馆）小组给人的印象是无尽空间的平坦，仿佛延伸到远远超出画面的框架。主人的多汁，大笔画只勾勒出叶子和花朵的形状，整个画面是用色斑技术完成的。

早在1917年，克劳德莫奈写了他的“自画像”（巴黎温室博物馆）。画面是一个人的自尊，通过镜子反映出自己的意识。虽然他转身面对他，但主人的疲惫的眼睛并没有看着观众。艺术家不是在寻找“对话”。乍一看，作品似乎未完成：只描绘了艺术家的头部，并且示意性地勾勒出肩部线条。然而，与肖像相邻的厚阴影使图像充满了戏剧性，并且毫无疑问它的完整性。

在他的职业生涯结束时，莫奈开始混合主题和非客观艺术。在1918年的作品“日本桥（明尼阿波利斯艺术学院）”中，人们只能看到艺术家最喜欢的桥梁的轮廓，与紫藤一起扭曲，并抛到一个有睡莲的池塘，前景中的低灌木丛和一棵树在画布的右边缘。其他一切都只是色彩，美丽和生活丰富的奢侈品。

画作“吉维尼池塘花园”（大约1920年，格勒诺布尔美术博物馆）向我们展示了艺术家花园的一个神秘角落，隐藏在茂密的灌木丛中。当然，这项工作是实质性的：这里可以看到构造清晰的构图，树枝的轮廓清晰可辨。似乎在作品中颜色独立，在画家的垂死视角的折射中强调装饰。由于不切实际的条件色彩渲染，图片给人留下了深刻的印象。颜色非常具有表现力。这不再是最纯粹形式的印象派，写作技巧和意境更可能反映了老年人的内心世界。

克劳德莫奈是伟大的艺术家，他是征服世界的印象派创始人之一，于1926年12月在吉维尼的家中去世。塞尚曾一度惊呼：“莫奈只是一只眼睛，但是，我的上帝，这是多么的东西！” 这幅法国艺术家的画作是对自然的热烈钦佩，他以美丽和完美的方式传达了一种特殊，独特，微妙和感性的风格。

Zhuravleva Tatyana